Claude Debussy |

Claude Debussy

ຂ້ອຍພະຍາຍາມຊອກຫາຄວາມເປັນຈິງໃໝ່... ຄົນໂງ່ເອີ້ນວ່າມັນປະທັບໃຈ. C. Debussy

ນັກປະພັນພາສາຝຣັ່ງ C. Debussy ມັກຈະຖືກເອີ້ນວ່າເປັນພໍ່ຂອງດົນຕີຂອງສະຕະວັດທີ XNUMX. ພຣະອົງໄດ້ສະແດງໃຫ້ເຫັນວ່າທຸກສຽງ, chord, tonality ສາມາດໄດ້ຍິນໃນວິທີການໃຫມ່, ສາມາດດໍາລົງຊີວິດ freer, multicolored, ເປັນຖ້າຫາກວ່າມີຄວາມສຸກສຽງຂອງຕົນ, ຄ່ອຍໆ, ຄວາມລຶກລັບ dissolution ໃນຄວາມງຽບ. ຫຼາຍໆຢ່າງເຮັດໃຫ້ Debussy ກ່ຽວຂ້ອງກັບຄວາມປະທັບໃຈຂອງຮູບພາບ: ຄວາມສະຫວ່າງທີ່ພຽງພໍຂອງຕົວເອງຂອງຊ່ວງເວລາທີ່ມີການເຄື່ອນໄຫວຂອງນ້ໍາ, ຄວາມຮັກສໍາລັບພູມສັນຖານ, ການສັ່ນສະເທືອນຂອງພື້ນທີ່ທີ່ມີອາກາດ. ມັນບໍ່ແມ່ນເລື່ອງບັງເອີນທີ່ Debussy ຖືກພິຈາລະນາເປັນຕົວແທນຕົ້ນຕໍຂອງຄວາມປະທັບໃຈໃນດົນຕີ. ຢ່າງໃດກໍຕາມ, ລາວແມ່ນຫຼາຍກວ່ານັກສິລະປິນ Impressionist, ລາວໄດ້ອອກຈາກຮູບແບບພື້ນເມືອງ, ດົນຕີຂອງລາວແມ່ນມຸ້ງໄປສູ່ສະຕະວັດຂອງພວກເຮົາເລິກກວ່າຮູບແຕ້ມ C. Monet, O. Renoir ຫຼື C. Pissarro.

Debussy ເຊື່ອວ່າດົນຕີແມ່ນຄ້າຍຄືທໍາມະຊາດໃນທໍາມະຊາດ, ການປ່ຽນແປງທີ່ບໍ່ມີທີ່ສິ້ນສຸດແລະຄວາມຫຼາກຫຼາຍຂອງຮູບແບບ: "ດົນຕີແມ່ນສິລະປະທີ່ໃກ້ຊິດກັບທໍາມະຊາດທີ່ສຸດ ... ພຽງແຕ່ນັກດົນຕີມີຜົນປະໂຫຍດຂອງການຈັບບົດກະວີທັງຫມົດໃນຕອນກາງຄືນແລະວັນ, ແຜ່ນດິນໂລກແລະທ້ອງຟ້າ, ການສ້າງໃຫມ່. ບັນ ຍາ ກາດ ຂອງ ເຂົາ ເຈົ້າ ແລະ rhythmically ບົ່ງ ບອກ pulsation immense ຂອງ ເຂົາ ເຈົ້າ. ທັງທໍາມະຊາດແລະດົນຕີແມ່ນຮູ້ສຶກວ່າ Debussy ເປັນຄວາມລຶກລັບ, ແລະເຫນືອສິ່ງອື່ນໃດ, ຄວາມລຶກລັບຂອງການເກີດ, ການອອກແບບທີ່ບໍ່ຄາດຄິດ, ເປັນເອກະລັກຂອງເກມທີ່ເຕັມໄປດ້ວຍໂອກາດ. ດັ່ງນັ້ນ, ທັດສະນະຄະຕິທີ່ບໍ່ຄ່ອຍເຊື່ອງ່າຍໆແລະທາດເຫຼັກຂອງຜູ້ປະພັນຕໍ່ທຸກປະເພດຂອງທິດສະດີແລະປ້າຍຊື່ທີ່ກ່ຽວຂ້ອງກັບຄວາມຄິດສ້າງສັນສິລະປະ, ໂດຍບໍ່ໄດ້ຕັ້ງໃຈ schematizing ຄວາມເປັນຈິງດໍາລົງຊີວິດຂອງສິລະປະ, ແມ່ນເຂົ້າໃຈໄດ້.

Debussy ເລີ່ມຮຽນດົນຕີໃນອາຍຸ 9 ປີແລະໃນປີ 1872 ລາວໄດ້ເຂົ້າໄປໃນພະແນກອະນຸບານຂອງ Paris Conservatory. ແລ້ວໃນປີ conservatory, unconventionality ຂອງແນວຄິດຂອງຕົນ manifested ຕົວຂອງມັນເອງ, ເຊິ່ງກໍ່ໃຫ້ເກີດການປະທະກັນກັບຄູອາຈານທີ່ປະສົມກົມກຽວ. ໃນທາງກົງກັນຂ້າມ, ນັກດົນຕີຈົວໄດ້ຮັບຄວາມພໍໃຈຢ່າງແທ້ຈິງໃນຫ້ອງຮຽນຂອງ E. Guiraud (ອົງປະກອບ) ແລະ A. Mapmontel (piano).

ໃນປີ 1881, Debussy, ເປັນນັກເປຍໂນເຮືອນ, ພ້ອມກັບຜູ້ໃຈບຸນຊາວລັດເຊຍ N. von Meck (ເພື່ອນທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່ຂອງ P. Tchaikovsky) ໃນການເດີນທາງເອີຣົບ, ແລະຫຼັງຈາກນັ້ນ, ຕາມຄໍາເຊີນຂອງນາງ, ໄດ້ໄປຢ້ຽມຢາມລັດເຊຍສອງຄັ້ງ (1881, 1882). ດັ່ງນັ້ນຈຶ່ງໄດ້ເລີ່ມຕົ້ນຄວາມຮູ້ຈັກຂອງ Debussy ກັບດົນຕີລັດເຊຍ, ທີ່ມີອິດທິພົນຢ່າງຫຼວງຫຼາຍຕໍ່ການສ້າງຕັ້ງຂອງແບບຂອງຕົນເອງ. "ຊາວຣັດເຊຍຈະໃຫ້ແຮງກະຕຸ້ນອັນ ໃໝ່ ແກ່ພວກເຮົາເພື່ອປົດປ່ອຍຕົວເຮົາເອງອອກຈາກຂໍ້ ຈຳ ກັດທີ່ໂງ່. ເຂົາເຈົ້າ… ໄດ້ເປີດປ່ອງຢ້ຽມເບິ່ງຄວາມກວ້າງຂອງທົ່ງນາ. Debussy ໄດ້ຖືກຈັບໃຈໂດຍຄວາມສະຫວ່າງຂອງໄມ້ແລະຮູບແຕ້ມທີ່ອ່ອນໂຍນ, ຄວາມສວຍງາມຂອງດົນຕີຂອງ N. Rimsky-Korsakov, ຄວາມສົດຊື່ນຂອງຄວາມສາມັກຄີຂອງ A. Borodin. ລາວໄດ້ໂທຫາ M. Mussorgsky ນັກປະພັນທີ່ລາວມັກ: "ບໍ່ມີໃຜເວົ້າທີ່ດີທີ່ສຸດທີ່ພວກເຮົາມີ, ດ້ວຍຄວາມອ່ອນໂຍນແລະເລິກເຊິ່ງກວ່າ. ລາວມີຄວາມເປັນເອກະລັກແລະຈະຍັງຄົງເປັນເອກະລັກຍ້ອນສິລະປະຂອງລາວໂດຍບໍ່ມີເຕັກນິກທີ່ໄກ, ໂດຍບໍ່ມີກົດລະບຽບທີ່ຫ່ຽວແຫ້ງ. ຄວາມຍືດຫຍຸ່ນຂອງ intonation vocal-speech ຂອງຜູ້ປະດິດສ້າງລັດເຊຍ, ອິດສະລະພາບຈາກການສ້າງຕັ້ງກ່ອນ, "ການບໍລິຫານ", ໃນຄໍາສັບຕ່າງໆຂອງ Debussy, ຮູບແບບຕ່າງໆໄດ້ຖືກປະຕິບັດໃນວິທີການຂອງຕົນເອງໂດຍນັກປະພັນຝຣັ່ງ, ໄດ້ກາຍເປັນລັກສະນະທີ່ສໍາຄັນຂອງດົນຕີຂອງລາວ. “ໄປຟັງ Boris. ມັນມີ Pelleas ທັງຫມົດ,” Debussy ເຄີຍເວົ້າກ່ຽວກັບຕົ້ນກໍາເນີດຂອງພາສາດົນຕີຂອງ Opera ຂອງລາວ.

ຫຼັງຈາກຈົບການສຶກສາຈາກຫ້ອງອະນຸລັກໃນ 1884, Debussy ເຂົ້າຮ່ວມໃນການແຂ່ງຂັນສໍາລັບລາງວັນໃຫຍ່ຂອງ Rome, ເຊິ່ງໃຫ້ສິດທິໃນການປັບປຸງສີ່ປີໃນ Rome, ທີ່ Villa Medici. ໃນລະຫວ່າງປີທີ່ໃຊ້ໃນອິຕາລີ (1885-87), Debussy ໄດ້ສຶກສາດົນຕີ choral ຂອງ Renaissance (G. Palestrina, O. Lasso), ແລະອະດີດທີ່ຫ່າງໄກ (ເຊັ່ນດຽວກັນກັບຕົ້ນສະບັບຂອງດົນຕີລັດເຊຍ) ໄດ້ນໍາເອົານ້ໍາສົດ, ປັບປຸງ. ແນວ​ຄິດ​ປະ​ສົມ​ກົມ​ກຽວ​ຂອງ​ຕົນ​. ວຽກງານ symphonic ທີ່ສົ່ງໄປປາຣີສໍາລັບບົດລາຍງານ ("Zuleima", "ພາກຮຽນ spring") ບໍ່ໄດ້ກະລຸນາ "ຕົ້ນສະບັບຂອງຈຸດຫມາຍປາຍທາງດົນຕີ".

ກັບຄືນໄປກ່ອນກຳນົດເວລາໄປປາຣີ, Debussy ຫຍັບເຂົ້າໃກ້ວົງວຽນຂອງນັກກະວີສັນຍາລັກທີ່ນຳພາໂດຍ S. Mallarme. ດົນຕີຂອງບົດກະວີສັນຍາລັກ, ການຄົ້ນຫາການເຊື່ອມຕໍ່ທີ່ລຶກລັບລະຫວ່າງຊີວິດຂອງຈິດວິນຍານແລະໂລກທໍາມະຊາດ, ການລະລາຍເຊິ່ງກັນແລະກັນຂອງພວກເຂົາ - ທັງຫມົດນີ້ດຶງດູດ Debussy ຫຼາຍແລະສ່ວນໃຫຍ່ແມ່ນເຮັດໃຫ້ຄວາມງາມຂອງລາວ. ມັນບໍ່ແມ່ນເລື່ອງບັງເອີນທີ່ຜົນງານຕົ້ນສະບັບ ແລະ ສົມບູນແບບຂອງນັກປະພັນໃນຍຸກສະໄໝນັ້ນແມ່ນຄວາມໂລແມນຕິກຕໍ່ຄໍາເວົ້າຂອງ P. Verdun, P. Bourget, P. Louis, ແລະ C. Baudelaire. ບາງສ່ວນຂອງພວກເຂົາ ("ຕອນແລງທີ່ປະເສີດ", "Mandolin") ໄດ້ຖືກຂຽນໃນລະຫວ່າງປີຂອງການສຶກສາຢູ່ໃນຫ້ອງອະນຸລັກ. ບົດກະວີສັນຍາລັກເປັນແຮງບັນດານໃຈໃນການເຮັດວຽກວົງດົນຕີອັນໃຫຍ່ຫຼວງຄັ້ງທຳອິດ - ບົດເພງ “ຕອນບ່າຍຂອງ Faun” (1894). ໃນ​ຮູບ​ແຕ້ມ​ດົນ​ຕີ​ນີ້​ຂອງ​ນິ​ເວດ​ຂອງ Mallarmé​, ການ​ພິ​ເສດ​ຂອງ Debussy​, ແບບ orchestral nuanced subtly ໄດ້​ພັດ​ທະ​ນາ​.

ຜົນກະທົບຂອງສັນຍາລັກແມ່ນມີຄວາມຮູ້ສຶກຢ່າງເຕັມສ່ວນໃນ Opera ຂອງ Debussy Pelléas et Mélisande (1892-1902), ລາຍລັກອັກສອນກັບຂໍ້ຄວາມ prose ຂອງລະຄອນຂອງ M. Maeterlinck. ນີ້ແມ່ນເລື່ອງຄວາມຮັກ, ບ່ອນທີ່, ອີງຕາມນັກປະພັນ, ຕົວລະຄອນ "ບໍ່ໂຕ້ຖຽງ, ແຕ່ອົດທົນຕໍ່ຊີວິດແລະຊະຕາກໍາ." Debussy ຢູ່ທີ່ນີ້, ຍ້ອນວ່າມັນໄດ້ໂຕ້ແຍ້ງຢ່າງສ້າງສັນກັບ R. Wagner, ຜູ້ຂຽນ Tristan ແລະ Isolde, ລາວກໍ່ຕ້ອງການຂຽນ Tristan ຂອງຕົນເອງ, ເຖິງແມ່ນວ່າໃນໄວຫນຸ່ມລາວກໍ່ມັກ Opera ຂອງ Wagner ແລະຮູ້ດ້ວຍຫົວໃຈ. ແທນທີ່ຈະເປັນຄວາມກະຕືລືລົ້ນຂອງດົນຕີ Wagnerian, ນີ້ແມ່ນການສະແດງອອກຂອງເກມສຽງທີ່ຫລອມໂລຫະ, ເຕັມໄປດ້ວຍການກ່າວເຖິງແລະສັນຍາລັກ. “ດົນ ຕີ ທີ່ ມີ ຢູ່ ສໍາ ລັບ inexpressible ໄດ້; ຂ້າ ພະ ເຈົ້າ ຢາກ ໃຫ້ ນາງ ອອກ ຈາກ twilight ໄດ້, ດັ່ງ ທີ່ ມັນ ເປັນ, ແລະ ໃນ ປັດ ຈຸ ບັນ ກັບ ຄືນ ໄປ ບ່ອນ twilight ໄດ້; ເພື່ອໃຫ້ນາງມີຄວາມສຸພາບສະເໝີ,” Debussy ຂຽນ.

ມັນເປັນໄປບໍ່ໄດ້ທີ່ຈະຈິນຕະນາການ Debussy ໂດຍບໍ່ມີດົນຕີ piano. ນັກປະພັນເອງກໍ່ເປັນນັກເປຍໂນທີ່ມີພອນສະຫວັນ (ເຊັ່ນດຽວກັນກັບ conductor); "ລາວເກືອບສະເຫມີຫຼິ້ນໃນ semitones, ໂດຍບໍ່ມີຄວາມຄົມຊັດ, ແຕ່ມີຄວາມເຕັມທີ່ແລະຄວາມຫນາແຫນ້ນຂອງສຽງທີ່ Chopin ຫຼິ້ນ," M. Long ນັກເປຍໂນຊາວຝຣັ່ງຈື່. ມັນແມ່ນມາຈາກຄວາມອາກາດຂອງ Chopin, ຄວາມກວ້າງຂອງສຽງຂອງຜ້າ piano ທີ່ Debussy repelled ໃນການຄົ້ນຫາທີ່ມີສີສັນຂອງລາວ. ແຕ່ມີແຫຼ່ງອື່ນ. ຄວາມຍັບຍັ້ງ, ຄວາມສະໜິດສະໜົມຂອງສຽງດົນຕີຂອງ Debussy ໄດ້ເຮັດໃຫ້ມັນເຂົ້າໃກ້ດົນຕີກ່ອນໂຣແມນຕິກແບບບໍ່ຄາດຄິດ - ໂດຍສະເພາະແມ່ນນັກດົນຕີ harpsichordists ຝຣັ່ງໃນຍຸກ Rococo (F. Couperin, JF Rameau). ປະເພດວັດຖຸບູຮານຈາກ "Suite Bergamasco" ແລະ Suite ສໍາລັບ Piano (Prelude, Minuet, Passpier, Sarabande, Toccata) ເປັນຕົວແທນທີ່ແປກປະຫລາດ, "ປະທັບໃຈ" ສະບັບຂອງ neoclassicism. Debussy ບໍ່ໄດ້ໃຊ້ການອອກແບບສະໄຕລ໌ເລີຍ, ແຕ່ສ້າງຮູບພາບຂອງຕົນເອງຂອງດົນຕີໃນຕອນຕົ້ນ, ແທນທີ່ຈະເປັນຄວາມປະທັບໃຈຂອງມັນຫຼາຍກວ່າ "ຮູບຄົນ".

ປະເພດເພງທີ່ມັກຂອງນັກປະພັນແມ່ນຊຸດໂປຣແກຣມ (ວົງດົນຕີ ແລະ ເປຍໂນ), ຄືກັບຮູບແຕ້ມທີ່ຫຼາກຫຼາຍ, ບ່ອນທີ່ພູມສັນຖານສະຖິດຖືກກຳນົດໂດຍການເຄື່ອນໄຫວໄວ, ມັກເຕັ້ນລຳ. ເຫຼົ່ານີ້ແມ່ນຊຸດສໍາລັບວົງດົນຕີ "Nocturnes" (1899), "ທະເລ" (1905) ແລະ "ຮູບພາບ" (1912). ສໍາລັບ piano, "ພິມ", 2 ປື້ມບັນທຶກຂອງ "ຮູບພາບ", "ມຸມຂອງເດັກນ້ອຍ", ທີ່ Debussy ອຸທິດຕົນເພື່ອລູກສາວຂອງລາວ, ຖືກສ້າງຂຶ້ນ. ໃນ​ການ​ພິມ​, ນັກ​ປະ​ພັນ​ຄັ້ງ​ທໍາ​ອິດ​ໄດ້​ພະ​ຍາ​ຍາມ​ທີ່​ຈະ​ໄດ້​ຮັບ​ຄວາມ​ຮູ້​ສຶກ​ຂອງ​ໂລກ​ດົນ​ຕີ​ຂອງ​ວັດ​ທະ​ນະ​ທໍາ​ຕ່າງໆ​ແລະ​ປະ​ຊາ​ຊົນ​: ຮູບ​ພາບ​ສຽງ​ຂອງ​ຕາ​ເວັນ​ອອກ ("Pagodas​"​)​, ແອ​ສ​ປາ​ໂຍນ ("ຕອນ​ແລງ​ໃນ Grenada​"​) ແລະ​ພູມ​ສັນ​ຖານ​ທີ່​ເຕັມ​ໄປ​ດ້ວຍ​ການ​ເຄື່ອນ​ໄຫວ​, ການ​ຫຼິ້ນ​ແສງ​ແລະ​ເງົາ​ກັບ​ເພງ​ພື້ນ​ເມືອງ​ຝຣັ່ງ ("ສວນ​ໃນ​ຝົນ​)​.

ໃນສອງປື້ມບັນທຶກຂອງ preludes (1910, 1913) ໂລກຕົວເລກທັງຫມົດຂອງນັກປະພັນໄດ້ຖືກເປີດເຜີຍ. ໂຕນສີນ້ຳທີ່ໂປ່ງໃສຂອງສາວທີ່ມີຜົມ Flaxen ແລະ The Heather ແມ່ນກົງກັນຂ້າມກັບຄວາມອຸດົມສົມບູນຂອງສີນ້ຳສຽງໃນ The Terrace Haunted by Moonlight, ໃນຄວາມຫອມ ແລະ ສຽງດັງໃນອາກາດຕອນແລງ. ນິທານບູຮານມາສູ່ຊີວິດໃນສຽງ epic ຂອງວິຫານ Sunken (ນີ້ແມ່ນບ່ອນທີ່ອິດທິພົນຂອງ Mussorgsky ແລະ Borodin ໄດ້ຖືກປະກາດໂດຍສະເພາະ!). ແລະໃນ "Delphian Dancers" ນັກປະພັນໄດ້ພົບເຫັນການປະສົມປະສານຂອງວັດຖຸບູຮານທີ່ເປັນເອກະລັກຂອງຄວາມຮຸນແຮງຂອງພຣະວິຫານແລະພິທີການທີ່ມີ sensuality pagan. ໃນທາງເລືອກຂອງແບບຈໍາລອງສໍາລັບການ incarnation ດົນຕີ, Debussy ບັນລຸສິດເສລີພາບທີ່ສົມບູນແບບ. ດ້ວຍຄວາມອ່ອນໂຍນດຽວກັນ, ສໍາລັບການຍົກຕົວຢ່າງ, ລາວໄດ້ເຂົ້າໄປໃນໂລກຂອງດົນຕີແອສປາໂຍນ (The Alhambra Gate, The Interrupted Serenade) ແລະ recreates (ໃຊ້ຈັງຫວະຂອງ cake ໄດ້ຍ່າງ) ຈິດໃຈຂອງໂຮງລະຄອນ minstrel ອາເມລິກາ (ໂດຍທົ່ວໄປ Lavin the Eccentric, Minstrels ໄດ້. ).

ໃນ preludes, Debussy ນໍາສະເຫນີໂລກດົນຕີທັງຫມົດຂອງລາວໃນຮູບແບບທີ່ຊັດເຈນ, ເຂັ້ມຂຸ້ນ, ໂດຍທົ່ວໄປແລະບອກລາກັບມັນໃນຫຼາຍໆດ້ານ - ກັບລະບົບການຕິດຕໍ່ທາງດົນຕີຂອງລາວໃນອະດີດ. ແລະຫຼັງຈາກນັ້ນ, ໃນ 5 ປີທີ່ຜ່ານມາຂອງຊີວິດຂອງລາວ, ດົນຕີຂອງລາວ, ກາຍເປັນຄວາມສັບສົນຫຼາຍ, ຂະຫຍາຍຂອບເຂດຂອງປະເພດ, ບາງປະເພດຂອງປະສາດ, ທາດເຫຼັກທີ່ແປກປະຫຼາດເລີ່ມຮູ້ສຶກຢູ່ໃນມັນ. ຄວາມສົນໃຈເພີ່ມຂຶ້ນໃນປະເພດເວທີ. ເຫຼົ່ານີ້ແມ່ນ ballets ("Kamma", "Games", staged ໂດຍ V. Nijinsky ແລະຄະນະຂອງ S. Diaghilev ໃນ 1912, ແລະ ballet puppet ສໍາລັບເດັກນ້ອຍ "Toy Box", 1913), ດົນຕີສໍາລັບຄວາມລຶກລັບຂອງ futurist Italian G. d'Annunzio ” Martyrdom of Saint Sebastian” (1911). ນັກ ballerina Ida Rubinshtein, ນັກ choreographer M. Fokin, ນັກສິລະປິນ L. Bakst ໄດ້ມີສ່ວນຮ່ວມໃນການຜະລິດຄວາມລຶກລັບ. ຫຼັງຈາກການສ້າງPelléas, Debussy ພະຍາຍາມອີກເທື່ອຫນຶ່ງເພື່ອເລີ່ມຕົ້ນການລະຄອນໃຫມ່: ລາວໄດ້ຖືກດຶງດູດເອົາໂດຍແຜນການຂອງ E. Poe (Devil in the Bell Tower, The Fall of the House of Escher), ແຕ່ແຜນການເຫຼົ່ານີ້ບໍ່ໄດ້ຮັບຮູ້. ນັກປະພັນໄດ້ວາງແຜນທີ່ຈະຂຽນ 6 sonatas ສໍາລັບ ensembles ສະພາ, ແຕ່ຄຸ້ມຄອງເພື່ອສ້າງ 3: ສໍາລັບ cello ແລະ piano (1915), ສໍາລັບ flute, viola ແລະ harp (1915) ແລະ violin ແລະ piano (1917). ການແກ້ໄຂວຽກງານຂອງ F. Chopin ໄດ້ກະຕຸ້ນໃຫ້ Debussy ຂຽນ Twelve Etudes (1915), ອຸທິດຕົນເພື່ອຄວາມຊົງຈໍາຂອງນັກປະພັນທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່. Debussy ໄດ້ສ້າງຜົນງານສຸດທ້າຍຂອງລາວເມື່ອລາວເຈັບປ່ວຍຢ່າງສິ້ນເຊີງ: ໃນປີ 1915 ລາວໄດ້ຮັບການຜ່າຕັດ, ຫຼັງຈາກນັ້ນລາວໄດ້ດໍາລົງຊີວິດພຽງແຕ່ສອງປີ.

ໃນບາງບົດປະພັນຂອງ Debussy, ເຫດການຂອງສົງຄາມໂລກຄັ້ງທໍາອິດໄດ້ສະທ້ອນໃຫ້ເຫັນ: ໃນ "Heroic Lullaby", ໃນເພງ "ການກໍາເນີດຂອງເດັກນ້ອຍທີ່ບໍ່ມີທີ່ຢູ່ອາໄສ", ໃນ "Ode ກັບປະເທດຝຣັ່ງ". ພຽງແຕ່ບັນຊີລາຍຊື່ຂອງຫົວຂໍ້ຊີ້ໃຫ້ເຫັນວ່າໃນຊຸມປີມໍ່ໆມານີ້ມີຄວາມສົນໃຈເພີ່ມຂຶ້ນໃນຫົວຂໍ້ແລະຮູບພາບທີ່ຫນ້າຕື່ນຕາຕື່ນໃຈ. ໃນທາງກົງກັນຂ້າມ, ທັດສະນະຂອງຜູ້ແຕ່ງກ່ຽວກັບໂລກກາຍເປັນທາດເຫຼັກຫຼາຍ. ຄວາມຕະຫຼົກ ແລະ ຄວາມຂີ້ຄ້ານໄດ້ວາງອອກຢູ່ສະເໝີ ແລະຄືກັບວ່າມັນເປັນການເສີມຄວາມອ່ອນໂຍນຂອງທໍາມະຊາດຂອງ Debussy, ການເປີດໃຈຂອງນາງຕໍ່ຄວາມປະທັບໃຈ. ພວກເຂົາເຈົ້າໄດ້ສະແດງອອກດ້ວຍຕົນເອງບໍ່ພຽງແຕ່ໃນດົນຕີ, ແຕ່ຍັງຢູ່ໃນຄໍາຖະແຫຼງທີ່ມີຈຸດປະສົງທີ່ດີກ່ຽວກັບນັກປະພັນ, ໃນຈົດຫມາຍ, ແລະໃນບົດຄວາມທີ່ສໍາຄັນ. ສໍາລັບ 14 ປີ Debussy ເປັນນັກວິຈານດົນຕີເປັນມືອາຊີບ; ຜົນໄດ້ຮັບຂອງວຽກງານນີ້ແມ່ນປື້ມ "ທ່ານ. Krosh – Antidilettante” (1914).

ໃນຊຸມປີຫລັງສົງຄາມ, Debussy, ພ້ອມກັບຜູ້ທໍາລາຍຄວາມໂງ່ຈ້າຂອງຄວາມງາມ romantic ເຊັ່ນ I. Stravinsky, S. Prokofiev, P. Hindemith, ໄດ້ຖືກຮັບຮູ້ໂດຍຫຼາຍຄົນວ່າເປັນຜູ້ຕາງຫນ້າຂອງ impressionist ໃນມື້ວານນີ້. ແຕ່ຕໍ່ມາ, ແລະໂດຍສະເພາະໃນຍຸກຂອງພວກເຮົາ, ຄວາມສໍາຄັນອັນໃຫຍ່ຫຼວງຂອງຜູ້ປະດິດສ້າງຝຣັ່ງໄດ້ເລີ່ມຕົ້ນທີ່ຈະແຈ້ງ, ຜູ້ທີ່ມີອິດທິພົນໂດຍກົງຕໍ່ Stravinsky, B. Bartok, O. Messiaen, ຜູ້ທີ່ຄາດຄະເນເຕັກນິກ sonor ແລະໂດຍທົ່ວໄປ, ຄວາມຮູ້ສຶກໃຫມ່. ຂອງພື້ນທີ່ດົນຕີແລະເວລາ - ແລະໃນມິຕິໃຫມ່ນີ້ຢືນຢັນ ມະນຸດ ເປັນເນື້ອແທ້ຂອງສິນລະປະ.

K. Zenkin

ເສັ້ນທາງຊີວິດແລະຄວາມຄິດສ້າງສັນ

ເດັກນ້ອຍແລະປີຂອງການສຶກສາ. Claude Achille Debussy ເກີດໃນວັນທີ 22 ສິງຫາ 1862 ໃນ Saint-Germain, ປາຣີ. ພໍ່ແມ່ຂອງລາວ - bourgeois ເລັກນ້ອຍ - ຮັກດົນຕີ, ແຕ່ຢູ່ໄກຈາກສິລະປະມືອາຊີບທີ່ແທ້ຈິງ. ຄວາມປະທັບໃຈດົນຕີແບບສຸ່ມຂອງໄວເດັກໄດ້ປະກອບສ່ວນເລັກນ້ອຍຕໍ່ການພັດທະນາສິລະປະຂອງນັກປະພັນໃນອະນາຄົດ. ສິ່ງທີ່ໂດດເດັ່ນທີ່ສຸດແມ່ນການໄປຢ້ຽມຢາມທີ່ຫາຍາກໃນໂອເປຣາ. ພຽງແຕ່ຢູ່ອາຍຸເກົ້າປີ Debussy ເລີ່ມຮຽນຫຼິ້ນ piano ໄດ້. ໃນການຮຽກຮ້ອງຂອງນັກເປຍໂນທີ່ໃກ້ຊິດກັບຄອບຄົວຂອງພວກເຂົາ, ຜູ້ທີ່ຮັບຮູ້ຄວາມສາມາດພິເສດຂອງ Claude, ພໍ່ແມ່ຂອງລາວໄດ້ສົ່ງລາວໃນປີ 1873 ໄປທີ່ສູນອະນຸລັກປາຣີ. ໃນຊຸມປີ 70 ແລະ 80 ຂອງສະຕະວັດທີ XNUMX, ສະຖາບັນການສຶກສານີ້ແມ່ນເປັນທີ່ໝັ້ນຂອງວິທີການແບບອະນຸລັກແລະແບບປົກກະຕິທີ່ສຸດໃນການສອນນັກດົນຕີໄວໜຸ່ມ. ຫຼັງຈາກ Salvador Daniel, ຄະນະກໍາມະການດົນຕີຂອງ Paris Commune, ຜູ້ທີ່ຖືກຍິງໃນລະຫວ່າງມື້ຂອງການ defeat ຂອງຕົນ, ຜູ້ອໍານວຍການຂອງ conservatory ແມ່ນນັກປະພັນ Ambroise Thomas, ຜູ້ຊາຍທີ່ຈໍາກັດຫຼາຍໃນເລື່ອງຂອງການສຶກສາດົນຕີ.

ໃນ​ບັນ​ດາ​ຄູ​ອາ​ຈານ​ຂອງ conservatory ກໍ​ຍັງ​ມີ​ນັກ​ດົນ​ຕີ​ທີ່​ດີ​ເລີດ – S. Frank, L. Delibes, E. Giro. ດ້ວຍຄວາມສຸດຄວາມສາມາດ, ພວກເຂົາເຈົ້າໄດ້ສະຫນັບສະຫນູນທຸກໆປະກົດການໃຫມ່ໃນຊີວິດດົນຕີຂອງປາຣີ, ທຸກໆພອນສະຫວັນການສະແດງແລະການປະພັນຕົ້ນສະບັບ.

ການສຶກສາທີ່ດຸຫມັ່ນຂອງປີທໍາອິດໄດ້ນໍາເອົາລາງວັນ Debussy solfeggio ປະຈໍາປີ. ໃນຫ້ອງຮຽນ solfeggio ແລະປະກອບ (ການອອກກໍາລັງກາຍສໍາລັບ piano ໃນຄວາມກົມກຽວກັນ), ເປັນຄັ້ງທໍາອິດ, ຄວາມສົນໃຈຂອງຕົນໃນການຫັນປະສົມກົມກຽວໃຫມ່, ຈັງຫວະຕ່າງໆແລະສະລັບສັບຊ້ອນ manifested ຕົວຂອງມັນເອງ. ຄວາມເປັນໄປໄດ້ທີ່ມີສີສັນແລະສີສັນຂອງພາສາປະສົມກົມກຽວເປີດຂຶ້ນກ່ອນລາວ.

ພອນສະຫວັນ pianistic ຂອງ Debussy ພັດທະນາຢ່າງໄວວາ. ແລ້ວໃນປີນັກສຶກສາຂອງລາວ, ການຫຼີ້ນຂອງລາວໄດ້ຖືກຈໍາແນກໂດຍເນື້ອໃນພາຍໃນ, ຄວາມຮູ້ສຶກ, ຄວາມອ່ອນໂຍນຂອງ nuance, ແນວພັນທີ່ຫາຍາກແລະຄວາມອຸດົມສົມບູນຂອງສີສຽງ. ແຕ່ຕົ້ນສະບັບຂອງຮູບແບບການສະແດງຂອງລາວ, ບໍ່ມີຄຸນງາມຄວາມດີພາຍນອກແລະຄວາມສະຫວ່າງ, ບໍ່ໄດ້ພົບເຫັນການຮັບຮູ້ອັນເນື່ອງມາຈາກບັນດາຄູອາຈານຂອງນັກອະນຸລັກຫຼືໃນບັນດາເພື່ອນມິດຂອງ Debussy. ສໍາລັບຄັ້ງທໍາອິດ, ພອນສະຫວັນ pianistic ຂອງລາວໄດ້ຮັບລາງວັນພຽງແຕ່ໃນປີ 1877 ສໍາລັບການປະຕິບັດຂອງ Sonata ຂອງ Schumann.

ການປະທະກັນທີ່ຮ້າຍແຮງຄັ້ງທໍາອິດກັບວິທີການທີ່ມີຢູ່ແລ້ວຂອງການສອນ conservatory ເກີດຂຶ້ນກັບ Debussy ໃນຫ້ອງຮຽນປະສົມກົມກຽວ. ແນວຄິດແບບປະສົມກົມກຽວທີ່ເປັນເອກະລາດຂອງ Debussy ບໍ່ສາມາດໃສ່ກັບຂໍ້ຈໍາກັດແບບດັ້ງເດີມທີ່ປົກຄອງໃນໄລຍະການປະສົມກົມກຽວ. ມີພຽງແຕ່ນັກປະພັນ E. Guiraud, ທີ່ Debussy ໄດ້ສຶກສາການປະພັນ, ມີຄວາມປາດຖະຫນາຢ່າງແທ້ຈິງຂອງນັກຮຽນຂອງລາວແລະພົບເຫັນຄວາມສາມັກຄີກັບລາວໃນທັດສະນະສິລະປະແລະຄວາມງາມແລະລົດຊາດດົນຕີ.

ແລ້ວ, ການປະກອບສຽງທໍາອິດຂອງ Debussy, ຕັ້ງແຕ່ທ້າຍ 70s ແລະຕົ້ນ 80s ("ຕອນແລງທີ່ປະເສີດ" ກັບຄໍາເວົ້າຂອງ Paul Bourget ແລະໂດຍສະເພາະ "Mandolin" ກັບຄໍາເວົ້າຂອງ Paul Verlaine), ໄດ້ເປີດເຜີຍຕົ້ນສະບັບຂອງພອນສະຫວັນຂອງລາວ.

ເຖິງແມ່ນວ່າກ່ອນທີ່ຈະຮຽນຈົບຈາກຫ້ອງອະນຸລັກ, Debussy ໄດ້ປະຕິບັດການເດີນທາງຕ່າງປະເທດຄັ້ງທໍາອິດກັບເອີຣົບຕາເວັນຕົກຕາມຄໍາເຊີນຂອງນັກໃຈບຸນລັດເຊຍ NF von Meck, ຜູ້ທີ່ເປັນເວລາຫຼາຍປີເປັນຂອງຫມູ່ເພື່ອນໃກ້ຊິດຂອງ PI Tchaikovsky. ໃນ 1881 Debussy ມາລັດເຊຍເປັນນັກເປຍໂນເພື່ອເຂົ້າຮ່ວມໃນຄອນເສີດບ້ານ von Meck. ການເດີນທາງຄັ້ງທໍາອິດກັບລັດເຊຍນີ້ (ຫຼັງຈາກນັ້ນລາວໄດ້ໄປອີກສອງຄັ້ງ - ໃນປີ 1882 ແລະ 1913) ໄດ້ກະຕຸ້ນໃຫ້ນັກປະພັນມີຄວາມສົນໃຈໃນດົນຕີລັດເຊຍຢ່າງຫຼວງຫຼາຍ, ເຊິ່ງບໍ່ໄດ້ຫຼຸດລົງຈົນກ່ວາໃນຕອນທ້າຍຂອງຊີວິດຂອງລາວ.

ນັບຕັ້ງແຕ່ 1883, Debussy ເລີ່ມເຂົ້າຮ່ວມເປັນນັກປະພັນໃນການແຂ່ງຂັນສໍາລັບລາງວັນໃຫຍ່ຂອງ Rome. ໃນປີຕໍ່ມາລາວໄດ້ຮັບຮາງວັນສໍາລັບ cantata The Prodigal Son. ວຽກງານນີ້, ເຊິ່ງໃນຫຼາຍວິທີຍັງ bears ອິດທິພົນຂອງ opera lyric ຝຣັ່ງ, ຢືນອອກສໍາລັບການລະຄອນທີ່ແທ້ຈິງຂອງ scenes ບຸກຄົນ (ຕົວຢ່າງ, Leah's aria). ການພັກເຊົາຂອງ Debussy ໃນອິຕາລີ (1885-1887) ໄດ້ກາຍເປັນຫມາກຜົນສໍາລັບລາວ: ລາວໄດ້ຮູ້ຈັກກັບດົນຕີ choral Italian ບູຮານຂອງສະຕະວັດທີ XNUMX (Palestrina) ແລະໃນເວລາດຽວກັນກັບການເຮັດວຽກຂອງ Wagner (ໂດຍສະເພາະ, ກັບດົນຕີ. ລະຄອນ “Tristan ແລະ Isolde”).

ໃນຂະນະດຽວກັນ, ໄລຍະເວລາຂອງການພັກເຊົາຂອງ Debussy ໃນອິຕາລີໄດ້ຖືກຫມາຍໂດຍການປະທະກັນຢ່າງຮຸນແຮງກັບວົງການສິລະປະຂອງຝຣັ່ງຢ່າງເປັນທາງການ. ບົດລາຍງານຂອງຜູ້ທີ່ໄດ້ຮັບລາງວັນກ່ອນສະຖາບັນການສຶກສາໄດ້ຖືກນໍາສະເຫນີໃນຮູບແບບຂອງວຽກງານທີ່ຖືກພິຈາລະນາໃນປາຣີໂດຍຄະນະລູກຂຸນພິເສດ. ການທົບທວນຄືນວຽກງານຂອງນັກປະພັນ - ແຜ່ນສຽງເພງ "Zuleima", ຊຸດ symphonic "Spring" ແລະ cantata "The Chosen One" (ຂຽນແລ້ວເມື່ອມາຮອດປາຣີ) - ໃນເວລານີ້ໄດ້ຄົ້ນພົບອ່າວທີ່ບໍ່ສາມາດຜ່ານໄດ້ລະຫວ່າງຄວາມມຸ່ງຫວັງປະດິດສ້າງຂອງ Debussy ແລະ inertia ທີ່. ປົກຄອງຢູ່ໃນສະຖາບັນສິລະປະທີ່ໃຫຍ່ທີ່ສຸດຂອງປະເທດຝຣັ່ງ. ນັກປະພັນໄດ້ຖືກກ່າວຫາວ່າມີຄວາມປາດຖະຫນາໂດຍເຈດຕະນາທີ່ຈະ "ເຮັດບາງສິ່ງບາງຢ່າງທີ່ແປກປະຫລາດ, ເຂົ້າໃຈບໍ່ໄດ້, ປະຕິບັດບໍ່ໄດ້", "ຄວາມຮູ້ສຶກທີ່ເກີນຂອງສີດົນຕີ", ເຊິ່ງເຮັດໃຫ້ລາວລືມ "ຄວາມສໍາຄັນຂອງການແຕ້ມຮູບແລະຮູບແບບທີ່ຖືກຕ້ອງ". Debussy ໄດ້ຖືກກ່າວຫາວ່າໃຊ້ສຽງຂອງມະນຸດ "ປິດ" ແລະກຸນແຈຂອງ F-sharp major, ຖືກກ່າວຫາວ່າບໍ່ສາມາດຍອມຮັບໄດ້ໃນການເຮັດວຽກຂອງ symphonic. ຄວາມຍຸຕິທໍາພຽງແຕ່, ບາງທີ, ແມ່ນຂໍ້ສັງເກດກ່ຽວກັບການບໍ່ມີ "ການຫັນແລະ banality" ໃນວຽກງານຂອງລາວ.

ອົງປະກອບທັງຫມົດທີ່ສົ່ງໂດຍ Debussy ໄປປາຣີແມ່ນຍັງຢູ່ໄກຈາກຮູບແບບຂອງນັກປະພັນຜູ້ໃຫຍ່, ແຕ່ພວກເຂົາໄດ້ສະແດງໃຫ້ເຫັນເຖິງລັກສະນະໃຫມ່ໆ, ເຊິ່ງສະແດງໃຫ້ເຫັນຕົວເອງຕົ້ນຕໍໃນພາສາແລະດົນຕີປະສານສຽງທີ່ມີສີສັນ. Debussy ສະແດງຄວາມປາດຖະຫນາຢ່າງຈະແຈ້ງກ່ຽວກັບນະວັດຕະກໍາໃນຈົດຫມາຍເຖິງເພື່ອນຂອງລາວໃນປາຣີ: "ຂ້ອຍບໍ່ສາມາດປິດດົນຕີຂອງຂ້ອຍຢູ່ໃນຂອບທີ່ຖືກຕ້ອງເກີນໄປ ... ເສັ້ນທາງ…”. ເມື່ອລາວກັບຄືນຈາກອິຕາລີໄປປາຣີ, Debussy ສຸດທ້າຍໄດ້ພັກຜ່ອນກັບໂຮງຮຽນ.

90s. ການອອກດອກຄັ້ງທໍາອິດຂອງຄວາມຄິດສ້າງສັນ. ຄວາມປາຖະຫນາທີ່ຈະໃກ້ຊິດກັບແນວໂນ້ມໃຫມ່ໃນສິລະປະ, ຄວາມປາຖະຫນາທີ່ຈະຂະຫຍາຍການເຊື່ອມຕໍ່ຂອງພວກເຂົາແລະຄົນຮູ້ຈັກໃນໂລກສິລະປະໄດ້ນໍາພາ Debussy ກັບຄືນໄປບ່ອນໃນທ້າຍ 80s ໄປຫາ salon ຂອງນັກກະວີຝຣັ່ງຄົນສໍາຄັນໃນທ້າຍສະຕະວັດທີ 80 ແລະຜູ້ນໍາອຸດົມການຂອງ Symbolists. — Stefan Mallarmé. ໃນ "ວັນອັງຄານ" Mallarme ໄດ້ລວບລວມນັກຂຽນ, ນັກກະວີ, ນັກສິລະປິນທີ່ໂດດເດັ່ນ - ຜູ້ຕາງຫນ້າຂອງແນວໂນ້ມທີ່ຫລາກຫລາຍທີ່ສຸດໃນສິລະປະຝຣັ່ງທີ່ທັນສະໄຫມ (ນັກກະວີ Paul Verlaine, Pierre Louis, Henri de Regnier, ນັກສິລະປິນ James Whistler ແລະອື່ນໆ). ທີ່ນີ້ Debussy ໄດ້ພົບກັບນັກຂຽນແລະນັກກະວີ, ວຽກງານທີ່ມີພື້ນຖານຂອງອົງປະກອບສຽງຂອງລາວຫຼາຍ, ສ້າງຂຶ້ນໃນຊຸມປີ 90-50. ໃນບັນດາພວກມັນໂດດເດັ່ນ: "Mandolin", "Ariettes", "ພູມສັນຖານຂອງແບນຊິກ", "ສີນ້ໍາ", "ແສງເດືອນ" ກັບຄໍາເວົ້າຂອງ Paul Verlaine, "ເພງຂອງ Bilitis" ກັບຄໍາເວົ້າຂອງ Pierre Louis, "ຫ້າບົດກະວີ" ກັບ ຄໍາເວົ້າຂອງນັກກະວີຝຣັ່ງທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່ທີ່ສຸດ 60 — Charles Baudelaire's XNUMXs (ໂດຍສະເພາະ "Balcony", "Evening Harmonies", "At the Fountain") ແລະອື່ນໆ.

ເຖິງແມ່ນວ່າບັນຊີລາຍຊື່ງ່າຍດາຍຂອງຫົວຂໍ້ຂອງວຽກງານເຫຼົ່ານີ້ເຮັດໃຫ້ມັນເປັນໄປໄດ້ທີ່ຈະຕັດສິນ predilection ຂອງຜູ້ແຕ່ງສໍາລັບບົດເລື່ອງວັນນະຄະດີ, ເຊິ່ງປະກອບດ້ວຍ motifs ພູມສັນຖານຫຼືເນື້ອເພງຄວາມຮັກ. ຮູບ​ພາບ​ດົນ​ຕີ poetic ຂອບ​ເຂດ​ນີ້​ກາຍ​ເປັນ favorite ຂອງ Debussy ຕະ​ຫຼອດ​ການ​ເຮັດ​ວຽກ​ຂອງ​ຕົນ.

ຄວາມມັກທີ່ຊັດເຈນໃຫ້ກັບດົນຕີ vocal ໃນໄລຍະທໍາອິດຂອງການເຮັດວຽກຂອງລາວໄດ້ຖືກອະທິບາຍໃນຂອບເຂດຂະຫນາດໃຫຍ່ໂດຍນັກປະພັນສໍາລັບບົດກະວີ Symbolist. ໃນຂໍ້ຂອງນັກກະວີສັນຍາລັກ, Debussy ໄດ້ຖືກດຶງດູດເອົາໂດຍວິຊາທີ່ໃກ້ຊິດກັບລາວແລະເຕັກນິກສິລະປະໃຫມ່ - ຄວາມສາມາດໃນການເວົ້າ laconicly, ການຂາດການ rhetoric ແລະ pathos, ອຸດົມສົມບູນຂອງການປຽບທຽບຮູບຊົງທີ່ມີສີສັນ, ທັດສະນະຄະຕິໃຫມ່ຂອງ rhyme, ໃນດົນຕີ. ການປະສົມຂອງຄໍາສັບຕ່າງໆໄດ້ຖືກຈັບ. ດ້ານຂອງສັນຍາລັກດັ່ງກ່າວເປັນຄວາມປາຖະຫນາທີ່ຈະບົ່ງບອກເຖິງສະພາບຂອງຄວາມມືດມົວ, ຄວາມຢ້ານກົວຂອງຄົນທີ່ບໍ່ຮູ້, ບໍ່ເຄີຍຈັບ Debussy.

ໃນວຽກງານສ່ວນໃຫຍ່ຂອງປີເຫຼົ່ານີ້, Debussy ພະຍາຍາມຫຼີກເວັ້ນຄວາມບໍ່ແນ່ນອນຂອງສັນຍາລັກແລະຄວາມບໍ່ແນ່ນອນໃນການສະແດງອອກຂອງຄວາມຄິດຂອງລາວ. ເຫດຜົນນີ້ແມ່ນຄວາມສັດຊື່ຕໍ່ປະເພນີປະຊາທິປະໄຕຂອງດົນຕີແຫ່ງຊາດຝຣັ່ງ, ລັກສະນະສິລະປະແລະສຸຂະພາບຂອງຜູ້ແຕ່ງ (ມັນບໍ່ແມ່ນເລື່ອງບັງເອີນທີ່ລາວມັກຈະຫມາຍເຖິງບົດກະວີຂອງ Verlaine, ເຊິ່ງປະສົມປະສານກັບປະເພນີ poetic ຂອງນາຍເກົ່າ, ກັບ. ຄວາມປາຖະຫນາຂອງພວກເຂົາສໍາລັບຄວາມຄິດທີ່ຊັດເຈນແລະຄວາມລຽບງ່າຍຂອງແບບ, ທີ່ມີການປັບປຸງໃຫມ່ໃນສິລະປະຂອງຮ້ານຊັ້ນສູງທີ່ທັນສະໄຫມ). ໃນບົດປະພັນສຽງຮ້ອງຂອງລາວໃນຕອນຕົ້ນ, Debussy ພະຍາຍາມປະກອບຮູບພາບດົນຕີດັ່ງກ່າວທີ່ຮັກສາການເຊື່ອມຕໍ່ກັບປະເພດດົນຕີທີ່ມີຢູ່ - ເພງ, ການເຕັ້ນ. ແຕ່ການເຊື່ອມຕໍ່ນີ້ມັກຈະປາກົດ, ເຊັ່ນດຽວກັບ Verlaine, ໃນການສະທ້ອນແສງທີ່ຫລອມໂລຫະເລັກນ້ອຍ. ນີ້ແມ່ນຄວາມໂລແມນຕິກ "Mandolin" ກັບຄໍາເວົ້າຂອງ Verlaine. ໃນ melody ຂອງຄວາມໂລແມນຕິກ, ພວກເຮົາໄດ້ຍິນ intonations ຂອງເພງຕົວເມືອງຝຣັ່ງຈາກ repertoire ຂອງ "chansonnier", ທີ່ດໍາເນີນໂດຍບໍ່ມີການສໍານຽງເນັ້ນສຽງ, ເປັນຖ້າຫາກວ່າ "ຮ້ອງເພງ". ການຮ່ວມກັບ piano ບົ່ງບອກເຖິງລັກສະນະຂອງສຽງກະຕຸກ, ຄ້າຍຄືສຽງຂອງ mandolin ຫຼື guitar. ການປະສົມປະສານຂອງ chord ຂອງ "ຫວ່າງເປົ່າ" ທີຫ້າຄ້າຍຄືສຽງຂອງສາຍເປີດຂອງເຄື່ອງມືເຫຼົ່ານີ້:

ແລ້ວໃນການເຮັດວຽກນີ້, Debussy ໃຊ້ບາງເຕັກນິກການໃສ່ສີຕາມປົກກະຕິຂອງແບບຜູ້ໃຫຍ່ຂອງລາວໃນຄວາມສອດຄ່ອງ - "ຊຸດ" ຂອງ consonances ທີ່ບໍ່ໄດ້ຮັບການແກ້ໄຂ, ການປຽບທຽບຕົ້ນສະບັບຂອງ triads ທີ່ສໍາຄັນແລະການປີ້ນກັບກັນຂອງພວກເຂົາໃນກະແຈຫ່າງໄກ,

ຊຸມປີ 90 ເປັນໄລຍະທໍາອິດຂອງການຈະເລີນເຕີບໂຕຂອງຄວາມຄິດສ້າງສັນຂອງ Debussy ໃນພາກສະຫນາມຂອງບໍ່ພຽງແຕ່ vocal, ແຕ່ຍັງດົນຕີ piano ("Suite Bergamas", "Little Suite" ສໍາລັບ piano four hands), chamber-instrumental (string quartet) ແລະໂດຍສະເພາະແມ່ນດົນຕີ symphonic ( ໃນເວລານີ້, ສອງຂອງວຽກງານ symphonic ທີ່ສໍາຄັນທີ່ສຸດແມ່ນໄດ້ຖືກສ້າງຂື້ນ - prelude "ຕອນບ່າຍຂອງ Faun" ແລະ "Nocturnes").

ການ prelude "Afternoon of a Faun" ໄດ້ຖືກຂຽນຂື້ນບົນພື້ນຖານຂອງບົດກະວີຂອງ Stéphane Mallarmé ໃນປີ 1892. ວຽກງານຂອງ Mallarme ດຶງດູດນັກປະພັນຕົ້ນຕໍໂດຍຮູບພາບທີ່ສົດໃສຂອງສັດ mythological ຝັນໃນມື້ຮ້ອນກ່ຽວກັບ nymphs ງາມ.

ໃນ prelude, ໃນບົດກະວີຂອງ Mallarmé, ບໍ່ມີແຜນການພັດທະນາ, ບໍ່ມີການພັດທະນາແບບເຄື່ອນໄຫວຂອງການປະຕິບັດ. ຢູ່ໃນຫົວໃຈຂອງອົງປະກອບແມ່ນ, ໂດຍເນື້ອແທ້ແລ້ວ, ຮູບພາບຫນຶ່ງ melodic ຂອງ "languor", ສ້າງຂຶ້ນໃນ " creeping" intonations chromatic. Debussy ໃຊ້ສໍາລັບການ incarnation orchestral ຂອງລາວເກືອບຕະຫຼອດເວລາຂອງເຄື່ອງມືສະເພາະດຽວກັນ - flute ໃນທະບຽນຕ່ໍາ:

ການພັດທະນາ symphonic ທັງຫມົດຂອງ prelude ມາລົງກັບການປ່ຽນແປງໂຄງສ້າງຂອງການນໍາສະເຫນີຂອງຫົວຂໍ້ແລະການ orchestration ຂອງຕົນ. ການພັດທະນາ static ແມ່ນ justified ໂດຍລັກສະນະຂອງຮູບພາບຕົວມັນເອງ.

ອົງປະກອບຂອງວຽກງານແມ່ນສາມສ່ວນ. ພຽງແຕ່ຢູ່ໃນພາກກາງຂະຫນາດນ້ອຍຂອງ prelude, ໃນເວລາທີ່ຫົວຂໍ້ diatonic ໃຫມ່ແມ່ນດໍາເນີນໂດຍກຸ່ມສາຍຂອງ orchestra, ລັກສະນະທົ່ວໄປຈະກາຍເປັນທີ່ເຂັ້ມຂົ້ນ, ສະແດງອອກ (ນະໂຍບາຍດ້ານເຖິງ sonority ສູງສຸດຂອງຕົນໃນ prelude ໄດ້. ff, ເວລາດຽວທີ່ tutti ຂອງວົງດົນຕີທັງຫມົດຖືກນໍາໃຊ້). ການຕອບຄືນສິ້ນສຸດລົງດ້ວຍການຄ່ອຍໆຫາຍໄປ, ຍ້ອນວ່າມັນເປັນ, ການລະລາຍຫົວຂໍ້ຂອງ "languor".

ລັກສະນະຂອງແບບທີ່ແກ່ຂອງ Debussy ປາກົດຢູ່ໃນວຽກງານນີ້ຕົ້ນຕໍໃນວົງດົນຕີ. ຄວາມແຕກຕ່າງທີ່ຮຸນແຮງຂອງກຸ່ມ orchestra ແລະພາກສ່ວນຂອງອຸປະກອນສ່ວນບຸກຄົນພາຍໃນກຸ່ມເຮັດໃຫ້ມັນເປັນໄປໄດ້ທີ່ຈະສົມທົບແລະສົມທົບສີ orchestra ໃນຫຼາຍວິທີແລະອະນຸຍາດໃຫ້ທ່ານເພື່ອບັນລຸ nuances ທີ່ດີທີ່ສຸດ. ຫຼາຍໆຜົນສໍາເລັດຂອງການຂຽນ orchestral ໃນວຽກງານນີ້ຕໍ່ມາໄດ້ກາຍເປັນເລື່ອງປົກກະຕິຂອງວຽກງານ symphonic ຂອງ Debussy.

ພຽງແຕ່ຫຼັງຈາກການສະແດງຂອງ "Faun" ໃນປີ 1894 ໄດ້ Debussy ນັກປະພັນເວົ້າໃນວົງດົນຕີທີ່ກວ້າງຂວາງຂອງປາຣີ. ແຕ່ຄວາມໂດດດ່ຽວແລະຂໍ້ຈໍາກັດບາງຢ່າງຂອງສະພາບແວດລ້ອມສິລະປະທີ່ Debussy ເປັນ, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບສ່ວນບຸກຄົນຕົ້ນສະບັບຂອງຮູບແບບການປະພັນຂອງລາວ, ປ້ອງກັນບໍ່ໃຫ້ດົນຕີຂອງຜູ້ແຕ່ງປາກົດຢູ່ໃນເວທີຄອນເສີດ.

ເຖິງແມ່ນວ່າວຽກງານ symphonic ທີ່ໂດດເດັ່ນດັ່ງກ່າວໂດຍ Debussy ເປັນວົງຈອນ Nocturnes, ສ້າງຂຶ້ນໃນ 1897-1899, ໄດ້ພົບກັບທັດສະນະຄະຕິ. ໃນ "Nocturnes" ຄວາມປາຖະຫນາທີ່ຮຸນແຮງຂອງ Debussy ສໍາລັບຮູບພາບສິລະປະທີ່ແທ້ຈິງຂອງຊີວິດໄດ້ຖືກສະແດງອອກ. ເປັນຄັ້ງທໍາອິດໃນການເຮັດວຽກຂອງ symphonic ຂອງ Debussy, ການແຕ້ມປະເພດທີ່ມີຊີວິດຊີວາ (ພາກທີສອງຂອງ Nocturnes - "ງານບຸນ") ແລະຮູບພາບຂອງທໍາມະຊາດທີ່ອຸດົມສົມບູນໃນສີ (ພາກທໍາອິດ - "ຟັງ") ໄດ້ຮັບ embodiment ດົນຕີ vivid.

ໃນລະຫວ່າງຊຸມປີ 90, Debussy ໄດ້ເຮັດວຽກໃນ Opera ສໍາເລັດພຽງແຕ່ຂອງລາວ, Pelléas et Mélisande. ນັກປະພັນກໍາລັງຊອກຫາດິນຕອນທີ່ໃກ້ຊິດກັບລາວເປັນເວລາດົນນານ (ລາວໄດ້ເລີ່ມຕົ້ນແລະປະຖິ້ມການເຮັດວຽກໃນ Opera "Rodrigo ແລະ Jimena" ໂດຍອີງໃສ່ຄວາມໂສກເສົ້າຂອງ Corneille "Sid". "ການບັງຄັບບັນຊາ", ການພັດທະນາແບບເຄື່ອນໄຫວ, ເນັ້ນຫນັກເຖິງການສະແດງຄວາມຮູ້ສຶກ, ສະແດງໃຫ້ເຫັນຢ່າງກ້າຫານຮູບພາບວັນນະຄະດີຂອງວິລະຊົນ.) ແລະສຸດທ້າຍໄດ້ຕົກລົງກ່ຽວກັບລະຄອນຂອງນັກຂຽນສັນຍາລັກຊາວແບນຊິກ Maurice Maeterlinck "Pelléas et Mélisande". ມີການປະຕິບັດພາຍນອກຫນ້ອຍຫຼາຍໃນວຽກງານນີ້, ສະຖານທີ່ແລະເວລາຂອງມັນບໍ່ຄ່ອຍປ່ຽນແປງ. ຄວາມສົນໃຈຂອງຜູ້ຂຽນທັງຫມົດແມ່ນສຸມໃສ່ການຍົກຍ້າຍຂອງ nuances ທາງຈິດໃຈ subtlest ໃນປະສົບການຂອງລັກສະນະ: Golo, ພັນລະຍາຂອງລາວMélisande, Golo ຂອງນ້ອງຊາຍPelléas6. ແຜນການຂອງວຽກງານນີ້ໄດ້ດຶງດູດ Debussy, ໃນຄໍາເວົ້າຂອງລາວ, ໂດຍຄວາມຈິງທີ່ວ່າໃນນັ້ນ "ຕົວລະຄອນບໍ່ໄດ້ໂຕ້ຖຽງ, ແຕ່ອົດທົນຕໍ່ຊີວິດແລະຊະຕາກໍາ." ຄວາມອຸດົມສົມບູນຂອງຂໍ້ຄວາມຍ່ອຍ, ຄວາມຄິດ, ຄືກັບວ່າ, "ຕໍ່ຕົວເອງ" ເຮັດໃຫ້ມັນເປັນໄປໄດ້ສໍາລັບນັກປະພັນທີ່ຈະຮັບຮູ້ຄໍາຂວັນຂອງລາວ: "ດົນຕີເລີ່ມຕົ້ນບ່ອນທີ່ຄໍາທີ່ບໍ່ມີອໍານາດ."

Debussy ຮັກສາໄວ້ໃນ Opera ຫນຶ່ງໃນລັກສະນະຕົ້ນຕໍຂອງລະຄອນຂອງ Maeterlinck - ຄວາມເສຍຫາຍທີ່ຮ້າຍແຮງຂອງຕົວລະຄອນກ່ອນການເສຍຊີວິດທີ່ບໍ່ສາມາດຫຼີກລ່ຽງໄດ້, ຄວາມບໍ່ເຊື່ອຖືຂອງບຸກຄົນໃນຄວາມສຸກຂອງຕົນເອງ. ໃນການເຮັດວຽກຂອງ Maeterlinck ນີ້, ທັດສະນະທາງດ້ານສັງຄົມແລະຄວາມງາມຂອງສ່ວນຫນຶ່ງທີ່ສໍາຄັນຂອງ bourgeois intelligentsia ໃນຊ່ວງລຶະເບິ່ງການຂອງສະຕະວັດທີ XNUMX ແລະ XNUMX ໄດ້ຖືກປະກອບຢ່າງຈະແຈ້ງ. Romain Rolland ໃຫ້ການປະເມີນທາງດ້ານປະຫວັດສາດແລະສັງຄົມທີ່ຖືກຕ້ອງຫຼາຍກ່ຽວກັບລະຄອນໃນຫນັງສືຂອງລາວ "Musicians of Our Days": "ບັນຍາກາດທີ່ລະຄອນຂອງ Maeterlinck ພັດທະນາແມ່ນຄວາມຖ່ອມຕົນທີ່ເມື່ອຍລ້າເຊິ່ງເຮັດໃຫ້ຄວາມປາຖະຫນາທີ່ຈະດໍາລົງຊີວິດຢູ່ໃນພະລັງຂອງ Rock. ບໍ່ມີຫຍັງສາມາດປ່ຽນລໍາດັບເຫດການ. […] ບໍ່ມີໃຜຮັບຜິດຊອບໃນສິ່ງທີ່ລາວຕ້ອງການ, ສໍາລັບສິ່ງທີ່ລາວຮັກ. […] ເຂົາ​ເຈົ້າ​ມີ​ຊີວິດ​ຢູ່​ແລະ​ຕາຍ​ໂດຍ​ບໍ່​ຮູ້​ວ່າ​ເປັນ​ຫຍັງ. ຄວາມຕາຍຕົວນີ້, ສະທ້ອນເຖິງຄວາມເມື່ອຍລ້າຂອງພວກຄົນຊັ້ນສູງທາງວິນຍານຂອງເອີຣົບ, ໄດ້ຖືກຖ່າຍທອດຢ່າງອັດສະຈັນໂດຍດົນຕີຂອງ Debussy, ເຊິ່ງໄດ້ເພີ່ມບົດກະວີຂອງຕົນເອງ ແລະສະເໜ່ທາງອາລົມ… “. Debussy, ໃນລະດັບໃດຫນຶ່ງ, ຈັດການເພື່ອເຮັດໃຫ້ສຽງຂອງລະຄອນໃນແງ່ດີທີ່ບໍ່ມີຄວາມຫວັງອ່ອນລົງດ້ວຍເນື້ອເພງທີ່ອ່ອນໂຍນແລະຍັບຍັ້ງ, ຄວາມຈິງໃຈແລະຄວາມຈິງໃນລັກສະນະດົນຕີຂອງຄວາມໂສກເສົ້າທີ່ແທ້ຈິງຂອງຄວາມຮັກແລະຄວາມອິດສາ.

ນະວະນິຍາຍສະໄຕລ໌ຂອງໂອເປຣາສ່ວນໃຫຍ່ແມ່ນຍ້ອນຄວາມຈິງທີ່ວ່າມັນຖືກຂຽນເປັນພາສາປາກເວົ້າ. ພາກສ່ວນສຽງຮ້ອງຂອງໂອເປຣາຂອງ Debussy ບັນຈຸມີຮົ່ມທີ່ລະອຽດອ່ອນ ແລະ ລັກສະນະເດັ່ນຂອງຄຳເວົ້າພາສາຝຣັ່ງທີ່ເປັນພາສາຝຣັ່ງ. ການພັດທະນາ melodic ຂອງ opera ແມ່ນຄ່ອຍໆ (ໂດຍບໍ່ມີການ jumps ໃນໄລຍະຫ່າງ), ແຕ່ສະແດງອອກ melodious-declamatory line. ຄວາມອຸດົມສົມບູນຂອງ caesuras, ຈັງຫວະທີ່ມີຄວາມຍືດຫຍຸ່ນພິເສດແລະການປ່ຽນແປງເລື້ອຍໆໃນການປະຕິບັດ intonation ຊ່ວຍໃຫ້ນັກປະພັນສາມາດຖ່າຍທອດຄວາມຫມາຍຂອງເກືອບທຸກປະໂຫຍກ prose ກັບດົນຕີຢ່າງຖືກຕ້ອງແລະເຫມາະສົມ. ການກະຕຸ້ນອາລົມອັນສຳຄັນໃດໆໃນສາຍສຽງເພງແມ່ນບໍ່ມີແມ້ແຕ່ຢູ່ໃນຕອນລະຄອນທີ່ຮຸນແຮງຂອງໂອເປຣາ. ໃນເວລານີ້ຂອງຄວາມເຄັ່ງຕຶງສູງສຸດຂອງການປະຕິບັດ, Debussy ຍັງຄົງເປັນຄວາມຈິງກັບຫຼັກການຂອງລາວ - ການຍັບຍັ້ງສູງສຸດແລະຄວາມບໍ່ສົມບູນຂອງຄວາມຮູ້ສຶກພາຍນອກສະແດງອອກ. ດັ່ງນັ້ນ, ເຫດການ Pelléas ປະກາດຄວາມຮັກຂອງລາວຕໍ່ Melisande, ກົງກັນຂ້າມກັບປະເພນີການດໍາເນີນການທັງຫມົດ, ໄດ້ຖືກປະຕິບັດໂດຍບໍ່ມີຜົນກະທົບໃດໆ, ຄືກັບວ່າຢູ່ໃນ "ເຄິ່ງກະຊິບ". scene ຂອງການເສຍຊີວິດຂອງ Mélisande ແມ່ນການແກ້ໄຂດ້ວຍວິທີດຽວກັນ. ມີຫຼາຍ scenes ໃນ opera ທີ່ Debussy ຈັດການທີ່ຈະຖ່າຍທອດດ້ວຍຄວາມແປກໃຈທີ່ຫນ້າປະຫລາດໃຈຫມາຍຄວາມວ່າມີຄວາມຊັບຊ້ອນແລະອຸດົມສົມບູນຂອງປະສົບການຂອງມະນຸດຫຼາຍ: scene ກັບວົງໂດຍ fountain ໃນການກະທໍາທີສອງ, scene ກັບຜົມຂອງMélisandeໃນ. ອັນທີສາມ, scene ຢູ່ທີ່ fountain ໃນສີ່ແລະ scene ການເສຍຊີວິດຂອງMélisande ໃນການກະທໍາທີ່ຫ້າ.

Opera ໄດ້​ຖືກ​ຈັດ​ຂຶ້ນ​ໃນ​ວັນ​ທີ 30 ເມ​ສາ 1902 ຢູ່​ທີ່ Comic Opera. ເຖິງວ່າຈະມີການປະຕິບັດທີ່ງົດງາມ, Opera ບໍ່ໄດ້ປະສົບຜົນສໍາເລັດຢ່າງແທ້ຈິງກັບຜູ້ຊົມທີ່ກວ້າງຂວາງ. ການວິພາກວິຈານໂດຍທົ່ວໄປແມ່ນບໍ່ເປັນມິດ ແລະອະນຸຍາດໃຫ້ຕົນເອງມີການໂຈມຕີທີ່ແຫຼມຄົມ ແລະຫຍາບຄາຍ ຫຼັງຈາກການສະແດງຄັ້ງທໍາອິດ. ມີ​ແຕ່​ນັກ​ດົນ​ຕີ​ຜູ້​ໃຫຍ່​ບໍ່​ເທົ່າ​ໃດ​ຄົນ​ທີ່​ໄດ້​ຊົມ​ເຊີຍ​ຜົນ​ດີ​ຂອງ​ວຽກ​ງານ​ນີ້.

ຫຼັງຈາກການສະແດງລະຄອນPelléas, Debussy ໄດ້ພະຍາຍາມຫຼາຍໆຢ່າງເພື່ອປະກອບ Opera ທີ່ແຕກຕ່າງກັນໃນປະເພດແລະຮູບແບບຈາກຄັ້ງທໍາອິດ. Libretto ໄດ້ຖືກຂຽນສໍາລັບສອງລະຄອນໂອເປຣາໂດຍອີງໃສ່ນິທານນິທານທີ່ອີງໃສ່ Edgar Allan Poe - ການເສຍຊີວິດຂອງເຮືອນຂອງ Escher ແລະມານມານໃນຫໍລະຄັງ - ການແຕ້ມຮູບໄດ້ຖືກສ້າງຂື້ນ, ເຊິ່ງນັກປະພັນເອງໄດ້ທໍາລາຍບໍ່ດົນກ່ອນທີ່ຈະເສຍຊີວິດ. ນອກຈາກນີ້, ຄວາມຕັ້ງໃຈຂອງ Debussy ທີ່ຈະສ້າງ Opera ໂດຍອີງໃສ່ແຜນການຂອງ Shakespeare's tragedy King Lear ບໍ່ໄດ້ຖືກຮັບຮູ້. ໂດຍໄດ້ປະຖິ້ມຫຼັກການສິລະປະຂອງPelléas et Mélisande, Debussy ບໍ່ສາມາດຊອກຫາຕົວເອງໃນປະເພດ Operatic ອື່ນໆທີ່ໃກ້ຊິດກັບປະເພນີຂອງ Opera ຄລາສສິກຂອງຝຣັ່ງແລະລະຄອນລະຄອນລະຄອນ.

1900-1918 - ຈຸດສູງສຸດຂອງການອອກດອກສ້າງສັນຂອງ Debussy. ກິດ​ຈະ​ກໍາ​ດົນ​ຕີ​ສໍາ​ຄັນ​. ບໍ່ດົນກ່ອນທີ່ຈະຜະລິດPelléas, ເຫດການທີ່ສໍາຄັນເກີດຂຶ້ນໃນຊີວິດຂອງ Debussy - ຈາກ 1901 ລາວໄດ້ກາຍເປັນນັກວິຈານດົນຕີມືອາຊີບ. ກິດ​ຈະ​ກໍາ​ໃຫມ່​ນີ້​ສໍາ​ລັບ​ພຣະ​ອົງ​ໄດ້​ດໍາ​ເນີນ​ການ​ເປັນ​ໄລ​ຍະ​ໃນ​ປີ 1901​, 1903 ແລະ 1912-1914​. ບົດຄວາມແລະຄໍາຖະແຫຼງທີ່ສໍາຄັນທີ່ສຸດຂອງ Debussy ໄດ້ຖືກລວບລວມໂດຍລາວໃນປີ 1914 ໃນຫນັງສື "Mr. Krosh ເປັນຜູ້ຕໍ່ຕ້ານນັກສມັກເລ່ນ.” ກິດຈະກໍາທີ່ສໍາຄັນໄດ້ປະກອບສ່ວນເຂົ້າໃນການສ້າງຕັ້ງທັດສະນະກ່ຽວກັບຄວາມງາມຂອງ Debussy, ເງື່ອນໄຂທາງດ້ານສິລະປະຂອງລາວ. ມັນອະນຸຍາດໃຫ້ພວກເຮົາຕັດສິນທັດສະນະທີ່ກ້າວຫນ້າຫຼາຍຂອງນັກປະພັນກ່ຽວກັບວຽກງານສິລະປະໃນການສ້າງຕັ້ງສິລະປະຂອງປະຊາຊົນ, ກ່ຽວກັບທັດສະນະຄະຕິຂອງລາວກັບສິລະປະຄລາສສິກແລະທັນສະໄຫມ. ໃນເວລາດຽວກັນ, ມັນບໍ່ແມ່ນບໍ່ມີບາງດ້ານແລະຄວາມບໍ່ສອດຄ່ອງໃນການປະເມີນປະກົດການຕ່າງໆແລະການຕັດສິນກ່ຽວກັບຄວາມງາມ.

Debussy ຄັດຄ້ານຄວາມລຳອຽງ, ຄວາມໂງ່ຈ້າ ແລະ ຄວາມຫຼົງໄຫຼທີ່ຄອບງຳການວິພາກວິຈານໃນປະຈຸບັນ. ແຕ່ Debussy ຍັງຄັດຄ້ານການວິເຄາະທາງດ້ານວິຊາການຢ່າງເປັນທາງການເທົ່ານັ້ນເມື່ອປະເມີນວຽກງານດົນຕີ. ລາວປົກປ້ອງເປັນຄຸນນະພາບຕົ້ນຕໍແລະກຽດສັກສີຂອງການວິພາກວິຈານ - ການຖ່າຍທອດ "ຄວາມປະທັບໃຈທີ່ຈິງໃຈ, ຈິງໃຈແລະຈິງໃຈ." ວຽກງານຕົ້ນຕໍຂອງການວິພາກວິຈານຂອງ Debussy ແມ່ນການຕໍ່ສູ້ກັບ "ນັກວິຊາການ" ຂອງສະຖາບັນທາງການຂອງປະເທດຝຣັ່ງໃນເວລານັ້ນ. ລາວວາງຂໍ້ສັງເກດທີ່ແຫຼມຄົມແລະຄາງ, ສ່ວນຫຼາຍແມ່ນຍຸດຕິທໍາກ່ຽວກັບ Grand Opera, ບ່ອນທີ່ "ຄວາມປາດຖະຫນາທີ່ດີທີ່ສຸດຖືກທໍາລາຍຕໍ່ກັບກໍາແພງທີ່ເຂັ້ມແຂງແລະບໍ່ສາມາດທໍາລາຍໄດ້ຂອງຄວາມເປັນທາງການທີ່ແຂງກະດ້າງທີ່ບໍ່ອະນຸຍາດໃຫ້ມີຮັງສີທີ່ສົດໃສເຂົ້າມາ."

ຫຼັກການແລະທັດສະນະກ່ຽວກັບຄວາມງາມຂອງລາວແມ່ນສະແດງອອກຢ່າງຈະແຈ້ງໃນບົດຄວາມແລະປື້ມຂອງ Debussy. ຫນຶ່ງໃນສິ່ງທີ່ສໍາຄັນທີ່ສຸດແມ່ນທັດສະນະຄະຕິຈຸດປະສົງຂອງຜູ້ແຕ່ງຕໍ່ໂລກທີ່ອ້ອມຮອບເຂົາ. ລາວເຫັນແຫຼ່ງດົນຕີໃນທໍາມະຊາດ: "ດົນຕີຢູ່ໃກ້ກັບທໍາມະຊາດທີ່ສຸດ ... ". "ມີພຽງແຕ່ນັກດົນຕີເທົ່ານັ້ນທີ່ມີສິດທິພິເສດໃນການຮັບເອົາບົດກະວີຂອງກາງຄືນແລະກາງເວັນ, ແຜ່ນດິນໂລກແລະທ້ອງຟ້າ - ການສ້າງບັນຍາກາດແລະຈັງຫວະຂອງຄວາມສັ່ນສະເທືອນຂອງທໍາມະຊາດ." ຄຳສັບເຫຼົ່ານີ້ແນ່ນອນເປີດເຜີຍໃຫ້ເຫັນດ້ານໜຶ່ງອັນແນ່ນອນຂອງທັດສະນະກ່ຽວກັບຄວາມງາມຂອງຜູ້ປະພັນກ່ຽວກັບບົດບາດສະເພາະຂອງດົນຕີໃນບັນດາຮູບແບບສິລະປະອື່ນໆ.

ໃນຂະນະດຽວກັນ, Debussy ໄດ້ໂຕ້ຖຽງວ່າສິລະປະບໍ່ຄວນຖືກຈໍາກັດຢູ່ໃນວົງແຄບຂອງແນວຄວາມຄິດທີ່ສາມາດເຂົ້າເຖິງຈໍານວນຈໍາກັດຂອງຜູ້ຟັງ: "ວຽກງານຂອງນັກປະພັນບໍ່ແມ່ນການສ້າງຄວາມບັນເທີງຂອງຜູ້ທີ່ຮັກດົນຕີຫຼືຜູ້ຊ່ຽວຊານ." ເປັນເລື່ອງແປກທີ່ທັນເວລາແມ່ນຄໍາເວົ້າຂອງ Debussy ກ່ຽວກັບຄວາມເສື່ອມໂຊມຂອງປະເພນີແຫ່ງຊາດໃນສິລະປະຂອງຝຣັ່ງໃນຕອນຕົ້ນຂອງສະຕະວັດທີ XNUMX: "ຄົນເຮົາພຽງແຕ່ຮູ້ສຶກເສຍໃຈທີ່ດົນຕີຝຣັ່ງໄດ້ປະຕິບັດຕາມເສັ້ນທາງທີ່ treacherously ນໍາມັນອອກຈາກຄຸນລັກສະນະທີ່ໂດດເດັ່ນຂອງລັກສະນະຝຣັ່ງເຊັ່ນຄວາມຊັດເຈນຂອງການສະແດງອອກ. , ຄວາມແມ່ນຍໍາແລະການປະກອບຂອງແບບຟອມ." ໃນຂະນະດຽວກັນ, Debussy ໄດ້ຕໍ່ຕ້ານຂໍ້ຈໍາກັດແຫ່ງຊາດໃນສິລະປະ: "ຂ້ອຍຮູ້ດີກັບທິດສະດີຂອງການແລກປ່ຽນສິລະປະໂດຍບໍ່ເສຍຄ່າແລະຂ້ອຍຮູ້ວ່າຜົນໄດ້ຮັບທີ່ມີຄຸນຄ່າອັນໃດທີ່ມັນນໍາໄປສູ່." ການເຜີຍແຜ່ສິລະປະດົນຕີລັດເຊຍຢ່າງດຸເດືອດຂອງລາວໃນປະເທດຝຣັ່ງແມ່ນຫຼັກຖານທີ່ດີທີ່ສຸດຂອງທິດສະດີນີ້.

ວຽກງານຂອງນັກປະພັນລັດເຊຍທີ່ສໍາຄັນ - Borodin, Balakirev, ແລະໂດຍສະເພາະແມ່ນ Mussorgsky ແລະ Rimsky-Korsakov - ໄດ້ຖືກສຶກສາຢ່າງເລິກເຊິ່ງໂດຍ Debussy ໃນຊຸມປີ 90 ແລະມີອິດທິພົນທີ່ແນ່ນອນໃນບາງລັກສະນະຂອງລາວ. Debussy ມີຄວາມປະທັບໃຈທີ່ສຸດໃນຄວາມສະຫຼາດ ແລະສີສັນທີ່ງົດງາມຂອງບົດປະພັນຂອງ Rimsky-Korsakov. Debussy ຂຽນກ່ຽວກັບ symphony Antar ຂອງ Rimsky-Korsakov ວ່າ "ບໍ່ມີຫຍັງສາມາດບົ່ງບອກເຖິງສະເຫນ່ຂອງຫົວຂໍ້ແລະຄວາມສະຫວ່າງຂອງວົງດົນຕີ. ໃນວຽກງານ symphonic ຂອງ Debussy, ມີເຕັກນິກການ orchestration ຢູ່ໃກ້ກັບ Rimsky-Korsakov, ໂດຍສະເພາະ, predilection ສໍາລັບໄມ້ "ບໍລິສຸດ", ການນໍາໃຊ້ລັກສະນະພິເສດຂອງເຄື່ອງມືສ່ວນບຸກຄົນ, ແລະອື່ນໆ.

ໃນເພງຂອງ Mussorgsky ແລະ Opera Boris Godunov, Debussy ໄດ້ຍົກຍ້ອງລັກສະນະທາງຈິດໃຈອັນເລິກເຊິ່ງຂອງດົນຕີ, ຄວາມສາມາດໃນການຖ່າຍທອດຄວາມອຸດົມສົມບູນຂອງໂລກວິນຍານຂອງບຸກຄົນ. "ບໍ່ມີໃຜຍັງບໍ່ທັນໄດ້ຫັນໄປສູ່ສິ່ງທີ່ດີທີ່ສຸດໃນພວກເຮົາ, ຄວາມຮູ້ສຶກທີ່ອ່ອນໂຍນແລະເລິກເຊິ່ງ," ພວກເຮົາພົບເຫັນຢູ່ໃນຄໍາຖະແຫຼງຂອງຜູ້ແຕ່ງ. ຕໍ່ມາ, ໃນຫຼາຍໆອົງປະກອບສຽງຂອງ Debussy ແລະໃນ Opera Pelléas et Mélisande, ຄົນເຮົາສາມາດຮູ້ສຶກວ່າມີອິດທິພົນຂອງພາສາ melodic ທີ່ສະແດງອອກແລະມີຄວາມຍືດຫຍຸ່ນທີ່ສຸດຂອງ Mussorgsky, ເຊິ່ງສະແດງໃຫ້ເຫັນເຖິງຄວາມອ່ອນໂຍນທີ່ສຸດຂອງຄໍາເວົ້າຂອງມະນຸດທີ່ມີຊີວິດຊີວາໂດຍການຊ່ວຍເຫຼືອຂອງ recitative melodic.

ແຕ່ Debussy ຮັບຮູ້ພຽງແຕ່ບາງລັກສະນະຂອງແບບແລະວິທີການຂອງນັກສິລະປິນລັດເຊຍທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່ທີ່ສຸດ. ລາວເປັນຄົນຕ່າງດ້າວກັບແນວໂນ້ມການກ່າວຫາປະຊາທິປະໄຕແລະສັງຄົມໃນການເຮັດວຽກຂອງ Mussorgsky. Debussy ແມ່ນຢູ່ໄກຈາກແຜນການທີ່ສໍາຄັນຂອງມະນຸດແລະ philosophically ຂອງ operas Rimsky-Korsakov, ຈາກການເຊື່ອມຕໍ່ຄົງທີ່ແລະ inseparable ລະຫວ່າງການເຮັດວຽກຂອງນັກປະພັນເຫຼົ່ານີ້ແລະຕົ້ນກໍາເນີດອື່ນໆ.

ຄຸນລັກສະນະຂອງຄວາມບໍ່ສອດຄ່ອງພາຍໃນແລະບາງດ້ານຫນຶ່ງໃນກິດຈະກໍາທີ່ສໍາຄັນຂອງ Debussy ໄດ້ຖືກສະແດງອອກໃນການປະເມີນຢ່າງຈະແຈ້ງຂອງລາວກ່ຽວກັບບົດບາດປະຫວັດສາດແລະຄວາມມີຄວາມສໍາຄັນທາງດ້ານສິລະປະຂອງວຽກງານຂອງນັກປະພັນເຊັ່ນ Handel, Gluck, Schubert, Schumann.

ໃນຂໍ້ສັງເກດທີ່ສໍາຄັນຂອງລາວ, Debussy ບາງຄັ້ງກໍ່ເອົາຕໍາແຫນ່ງໃນອຸດົມການ, ໂຕ້ຖຽງວ່າ "ດົນຕີແມ່ນຄະນິດສາດທີ່ລຶກລັບ, ອົງປະກອບທີ່ກ່ຽວຂ້ອງກັບການບໍ່ມີຂອບເຂດ."

ເວົ້າໃນບົດຄວາມຈໍານວນຫນຶ່ງເພື່ອສະຫນັບສະຫນູນແນວຄວາມຄິດຂອງການສ້າງລະຄອນພື້ນເມືອງ, Debussy ເກືອບພ້ອມໆກັນສະແດງຄວາມຄິດທີ່ແປກປະຫລາດທີ່ວ່າ "ສິລະປະສູງແມ່ນຈຸດຫມາຍປາຍທາງຂອງພຽງແຕ່ຜູ້ສູງອາຍຸທາງວິນຍານ." ການປະສົມປະສານຂອງທັດສະນະຊາທິປະໄຕແລະຜູ້ສູງອາຍຸທີ່ມີຊື່ສຽງນີ້ແມ່ນປົກກະຕິຫຼາຍຂອງປັນຍາຊົນທາງດ້ານສິລະປະຂອງຝຣັ່ງໃນສະຕະວັດທີ XNUMX ແລະສະຕະວັດທີ XNUMX.

ຊຸມປີ 1900 ແມ່ນເວທີທີ່ສູງທີ່ສຸດໃນກິດຈະກໍາສ້າງສັນຂອງນັກປະພັນ. ວຽກງານທີ່ສ້າງຂື້ນໂດຍ Debussy ໃນໄລຍະເວລານີ້ເວົ້າເຖິງແນວໂນ້ມໃຫມ່ໃນຄວາມຄິດສ້າງສັນແລະ, ກ່ອນອື່ນ ໝົດ, ການອອກເດີນທາງຂອງ Debussy ຈາກຄວາມງາມຂອງສັນຍາລັກ. ນັກປະພັນຫຼາຍກວ່າແລະຫຼາຍໄດ້ຖືກດຶງດູດໂດຍ scenes ປະເພດ, ຮູບດົນຕີແລະຮູບພາບຂອງທໍາມະຊາດ. ຄຽງຄູ່ກັບຫົວຂໍ້ແລະດິນຕອນໃຫມ່, ລັກສະນະຂອງຮູບແບບໃຫມ່ປາກົດຢູ່ໃນວຽກງານຂອງລາວ. ຫຼັກ​ຖານ​ຂອງ​ການ​ນີ້​ແມ່ນ​ການ​ເຮັດ​ວຽກ piano ເຊັ່ນ "ຕອນ​ແລງ​ໃນ Grenada​" (1902​)​, "ສວນ​ໃນ​ຝົນ​" (1902​)​, "ເກາະ​ແຫ່ງ​ຄວາມ​ສຸກ​" (1904​)​. ໃນການປະພັນເຫຼົ່ານີ້, Debussy ພົບເຫັນການເຊື່ອມຕໍ່ທີ່ເຂັ້ມແຂງກັບຕົ້ນກໍາເນີດຂອງດົນຕີແຫ່ງຊາດ (ໃນ "ຕອນແລງໃນ Grenada" - ກັບນິທານພື້ນເມືອງແອສປາໂຍນ), ຮັກສາພື້ນຖານປະເພດຂອງດົນຕີໃນປະເພດຂອງການສະທ້ອນຂອງການເຕັ້ນ. ໃນພວກມັນ, ນັກປະພັນໄດ້ຂະຫຍາຍຂອບເຂດຂອງສີໄມ້ທີ່ມີສີສັນແລະຄວາມສາມາດດ້ານວິຊາການຂອງ piano. ລາວໃຊ້ການປັບລະດັບສີທີ່ດີທີ່ສຸດຂອງສີແບບເຄື່ອນໄຫວພາຍໃນຊັ້ນສຽງດຽວ ຫຼື ປະສົມຄວາມຄົມຊັດແບບເຄື່ອນໄຫວທີ່ຄົມຊັດ. Rhythm ໃນອົງປະກອບເຫຼົ່ານີ້ເລີ່ມມີບົດບາດສະແດງອອກຫຼາຍຂື້ນໃນການສ້າງຮູບພາບສິລະປະ. ບາງຄັ້ງມັນກາຍເປັນຄວາມຍືດຫຍຸ່ນ, ບໍ່ເສຍຄ່າ, ເກືອບ improvisational. ໃນຂະນະດຽວກັນ, ໃນວຽກງານຂອງປີເຫຼົ່ານີ້, Debussy ເປີດເຜີຍຄວາມປາຖະຫນາໃຫມ່ສໍາລັບອົງການຈັດຕັ້ງຈັງຫວະທີ່ຊັດເຈນແລະເຄັ່ງຄັດຂອງອົງປະກອບທັງຫມົດໂດຍການເຮັດຊ້ໍາອີກຫນຶ່ງຈັງຫວະ "ຫຼັກ" ຕະຫຼອດວຽກງານທັງຫມົດຫຼືພາກສ່ວນຂະຫນາດໃຫຍ່ຂອງມັນ (prelude ໃນເລັກນ້ອຍ, "ສວນໃນຝົນ", "ຕອນແລງໃນ Grenada", ບ່ອນທີ່ຈັງຫວະຂອງ habanera ແມ່ນ "ຫຼັກ" ຂອງອົງປະກອບທັງຫມົດ).

ວຽກງານຂອງໄລຍະເວລານີ້ໄດ້ຖືກຈໍາແນກໂດຍຄວາມຮູ້ສຶກທີ່ເຕັມໄປດ້ວຍເລືອດທີ່ຫນ້າປະຫລາດໃຈຂອງຊີວິດ, ສະແດງອອກຢ່າງກ້າຫານ, ເກືອບຈະເບິ່ງເຫັນດ້ວຍສາຍຕາ, ຮູບພາບທີ່ຖືກປິດລ້ອມໃນຮູບແບບປະສົມກົມກຽວ. "ຄວາມປະທັບໃຈ" ຂອງວຽກງານເຫຼົ່ານີ້ແມ່ນພຽງແຕ່ໃນຄວາມຮູ້ສຶກຂອງສີທີ່ເພີ່ມຂຶ້ນ, ໃນການນໍາໃຊ້ປະສົມກົມກຽວຂອງສີ "glare ແລະຈຸດ", ໃນການຫຼິ້ນ subtle ຂອງ timbres. ແຕ່ເຕັກນິກນີ້ບໍ່ໄດ້ລະເມີດຄວາມສົມບູນຂອງການຮັບຮູ້ດົນຕີຂອງຮູບພາບ. ມັນພຽງແຕ່ເຮັດໃຫ້ມັນ bulge ຫຼາຍ.

ໃນບັນດາຜົນງານເພງທີ່ສ້າງຂຶ້ນໂດຍ Debussy ໃນຊຸມປີ 900, "ທະເລ" (1903-1905) ແລະ "ຮູບພາບ" (1909) ໂດດເດັ່ນ, ເຊິ່ງລວມມີ "Iberia" ທີ່ມີຊື່ສຽງ.

ຊຸດ "ທະເລ" ປະກອບດ້ວຍສາມສ່ວນ: "ຢູ່ໃນທະເລຈາກອາລຸນເຖິງຕອນທ່ຽງ", "ການຫຼີ້ນຂອງຄື້ນຟອງ" ແລະ "ການສົນທະນາຂອງລົມກັບທະເລ". ບັນດາ​ຮູບ​ພາບ​ທະ​ເລ​ລ້ວນ​ແຕ່​ໄດ້​ດຶງ​ດູດ​ຄວາມ​ສົນ​ໃຈ​ຂອງ​ນັກ​ປະພັນ​ບັນດາ​ທ່າ​ອ່ຽງ, ​ໂຮງຮຽນ​ແຫ່ງ​ຊາດ. ຕົວຢ່າງຈໍານວນຫລາຍຂອງການເຮັດວຽກຂອງ symphonic ໃນຫົວຂໍ້ "ທະເລ" ໂດຍນັກປະພັນຊາວເອີຣົບຕາເວັນຕົກສາມາດອ້າງອີງໄດ້ (ບົດເລື່ອງ "Fingal's Cave" ໂດຍ Mendelssohn, symphonic episodes ຈາກ "The Flying Dutchman" ໂດຍ Wagner, ແລະອື່ນໆ). ແຕ່ຮູບພາບຂອງທະເລແມ່ນເຫັນໄດ້ຊັດເຈນທີ່ສຸດແລະຮັບຮູ້ຢ່າງເຕັມສ່ວນໃນດົນຕີລັດເຊຍ, ໂດຍສະເພາະໃນ Rimsky-Korsakov (ຮູບ symphonic Sadko, opera ທີ່ມີຊື່ດຽວກັນ, ຊຸດ Scheherazade, ການຂັດຂວາງກັບການກະທໍາທີສອງຂອງ Opera The Tale of. Tsar Saltan),

ບໍ່ເຫມືອນກັບວຽກງານ orchestral ຂອງ Rimsky-Korsakov, Debussy ກໍານົດໃນວຽກງານຂອງລາວບໍ່ແມ່ນການວາງແຜນ, ແຕ່ພຽງແຕ່ວຽກງານທີ່ມີຮູບພາບແລະສີສັນເທົ່ານັ້ນ. ລາວ​ສະ​ແຫວ​ງຫາ​ການ​ຖ່າຍ​ທອດ​ທາງ​ດົນຕີ​ເຖິງ​ການ​ປ່ຽນ​ແປງ​ຂອງ​ແສງ​ສະ​ຫວ່າງ ​ແລະ ສີສັນ​ຂອງ​ທະ​ເລ​ໃນ​ເວລາ​ທີ່​ແຕກ​ຕ່າງ​ກັນ​ຂອງ​ມື້, ສະພາບ​ທີ່​ແຕກ​ຕ່າງ​ກັນ​ຂອງ​ທະ​ເລ - ສະຫງົບ, ວຸ້ນວາຍ ​ແລະ ພາຍຸ. ໃນຄວາມຮັບຮູ້ຂອງນັກປະພັນກ່ຽວກັບຮູບແຕ້ມຂອງທະເລ, ບໍ່ມີແຮງຈູງໃຈໃດໆທີ່ສາມາດໃຫ້ຄວາມລຶກລັບ twilight ກັບການໃສ່ສີຂອງພວກເຂົາ. Debussy ຖືກຄອບງໍາໂດຍແສງແດດສົດໃສ, ສີເຕັມທີ່ເຕັມໄປດ້ວຍເລືອດ. ນັກປະພັນໄດ້ໃຊ້ທັງຈັງຫວະການເຕັ້ນຢ່າງກ້າຫານ ແລະ ຄວາມງົດງາມອັນກວ້າງຂວາງເພື່ອຖ່າຍທອດຮູບພາບດົນຕີທີ່ບັນເທົາທຸກ.

ໃນພາກທໍາອິດ, ຮູບພາບຂອງການຕື່ນຂຶ້ນຢ່າງຊ້າໆຂອງທະເລທີ່ງຽບສະຫງົບໃນຕອນເຊົ້າ, ຄື້ນຟອງມ້ວນທີ່ຂີ້ຄ້ານ, ແສງສະທ້ອນຂອງແສງຕາເວັນທໍາອິດທີ່ປາກົດຢູ່ເທິງພວກມັນ. ການເລີ່ມຕົ້ນ orchestral ຂອງການເຄື່ອນໄຫວນີ້ແມ່ນມີສີສັນໂດຍສະເພາະ, ບ່ອນທີ່, ຕໍ່ກັບພື້ນຖານຂອງ "rustle" ຂອງ timpani, octaves "drip" ຂອງສອງ harps ແລະ violins "frozen" tremolo ໃນທະບຽນສູງ, ປະໂຫຍກທີ່ melodic ສັ້ນຈາກ oboe ໄດ້. ປະກົດຄືກັບແສງຕາເວັນທີ່ຢູ່ເທິງຄື້ນ. ຮູບລັກສະນະຂອງຈັງຫວະເຕັ້ນລໍາບໍ່ໄດ້ທໍາລາຍສະເຫນ່ຂອງຄວາມສະຫງົບສົມບູນແລະການໄຕ່ຕອງຝັນ.

ສ່ວນ​ວຽກ​ງານ​ທີ່​ຂະ​ຫຍັນ​ຂັນ​ເຄື່ອນ​ທີ່​ສຸດ​ແມ່ນ​ພາກ​ທີ​ສາມ - “ການ​ສົນ​ທະ​ນາ​ລົມ​ກັບ​ທະ​ເລ”. ຈາກ​ພາບ​ທີ່​ບໍ່​ມີ​ການ​ເຄື່ອນ​ໄຫວ, ນ້ຳ​ແຂງ​ຂອງ​ທະ​ເລ​ທີ່​ສະ​ຫງົບ​ຢູ່​ໃນ​ຕອນ​ຕົ້ນ​ຂອງ​ພາກ​ສ່ວນ, ທີ່​ລະ​ນຶກ​ເຖິງ​ຕອນ​ທຳ​ອິດ, ຮູບ​ພະ​ຍຸ​ພັດ​ອອກ​ມາ. Debussy ໃຊ້ວິທີການດົນຕີທັງຫມົດສໍາລັບການພັດທະນາແບບເຄື່ອນໄຫວແລະເຂັ້ມຂຸ້ນ - melodic-rhythmic, dynamic ແລະໂດຍສະເພາະ orchestral.

ໃນຕອນເລີ່ມຕົ້ນຂອງການເຄື່ອນໄຫວ, motifs ຫຍໍ້ແມ່ນໄດ້ຍິນວ່າເກີດຂຶ້ນໃນຮູບແບບຂອງການສົນທະນາລະຫວ່າງ cellos ກັບ double basses ແລະສອງ oboes ຕໍ່ກັບພື້ນຖານຂອງ sonority muffled ຂອງ drum bass, timpani ແລະ tom-tom. ນອກເຫນືອໄປຈາກການເຊື່ອມຕໍ່ເທື່ອລະກ້າວຂອງກຸ່ມໃຫມ່ຂອງວົງດົນຕີແລະການເພີ່ມຂື້ນຂອງສຽງທີ່ເປັນເອກະພາບ, Debussy ໃຊ້ຫຼັກການຂອງການພັດທະນາຈັງຫວະຢູ່ທີ່ນີ້: ແນະນໍາຈັງຫວະເຕັ້ນໃຫມ່ຫຼາຍຂຶ້ນ, ລາວ saturates ຜ້າຂອງການເຮັດວຽກດ້ວຍການປະສົມປະສານທີ່ມີຄວາມຍືດຫຍຸ່ນຂອງຈັງຫວະຫຼາຍ. ຮູບແບບ.

ການສິ້ນສຸດຂອງອົງປະກອບທັງຫມົດໄດ້ຖືກຮັບຮູ້ບໍ່ພຽງແຕ່ເປັນ revelry ຂອງອົງປະກອບທະເລ, ແຕ່ເປັນເພງສວດກະຕືລືລົ້ນຂອງທະເລ, ແສງຕາເວັນ.

ຫຼາຍໃນໂຄງສ້າງຕົວເລກຂອງ "ທະເລ", ຫຼັກການຂອງ orchestration, ການກະກຽມຮູບລັກສະນະຂອງສິ້ນ symphonic "Iberia" - ຫນຶ່ງໃນວຽກງານທີ່ສໍາຄັນແລະຕົ້ນສະບັບຂອງ Debussy. ມັນຕິດຕໍ່ພົວພັນກັບຊີວິດຂອງປະຊາຊົນແອສປາໂຍນ, ເພງແລະວັດທະນະທໍາການເຕັ້ນລໍາຂອງເຂົາເຈົ້າ. ໃນຊຸມປີ 900, Debussy ໄດ້ຫັນໄປຫາຫົວຂໍ້ທີ່ກ່ຽວຂ້ອງກັບສະເປນຫຼາຍຄັ້ງ: "ຕອນແລງໃນ Grenada", preludes "Gate of the Alhambra" ແລະ "The Interrupted Serenade". ແຕ່ "Iberia" ແມ່ນຫນຶ່ງໃນບັນດາຜົນງານທີ່ດີທີ່ສຸດຂອງນັກປະພັນຜູ້ທີ່ໄດ້ແຕ້ມມາຈາກພາກຮຽນ spring ທີ່ບໍ່ມີປະໂຫຍດຂອງດົນຕີພື້ນເມືອງແອສປາໂຍນ (Glinka ໃນ "Aragonese Jota" ແລະ "Nights in Madrid", Rimsky-Korsakov ໃນ "Spanish Capriccio", Bizet ໃນ "Carmen", Ravel ໃນ ” Bolero” ແລະສາມ, ບໍ່ໄດ້ກ່າວເຖິງນັກປະພັນແອສປາໂຍນ de Falla ແລະ Albeniz).

"Iberia" ປະກອບດ້ວຍສາມສ່ວນ: "ໃນຖະຫນົນແລະຖະຫນົນຫົນທາງຂອງສະເປນ", "ກິ່ນຫອມຂອງຕອນກາງຄືນ" ແລະ "ຕອນເຊົ້າຂອງວັນພັກ". ພາກສ່ວນທີສອງເປີດເຜີຍຮູບແຕ້ມທີ່ມັກຂອງ Debussy ຂອງທໍາມະຊາດ, imbued ກັບກິ່ນຫອມພິເສດ, ເຜັດຂອງໃນຕອນກາງຄືນແອສປາໂຍນ, "ລາຍລັກອັກສອນ" ກັບຮູບພາບທີ່ລະອຽດອ່ອນຂອງຜູ້ແຕ່ງ, ການປ່ຽນແປງໄວຂອງຮູບພາບ flickering ແລະຫາຍໄປ. ພາກ​ທີ​ໜຶ່ງ​ແລະ​ພາກ​ທີ​ສາມ​ແຕ້ມ​ຮູບ​ຊີ​ວິດ​ຂອງ​ປະ​ຊາ​ຊົນ​ໃນ​ສະ​ເປນ. ສີສັນພິເສດແມ່ນພາກທີ XNUMX, ເຊິ່ງປະກອບດ້ວຍຫຼາຍເພງ ແລະ ເຕັ້ນລໍາຂອງແອສປາໂຍນຫຼາຍອັນ, ເຊິ່ງສ້າງພາບພົດຂອງວັນພັກຜ່ອນທີ່ມີສີສັນໂດຍການປ່ຽນກັນຢ່າງໄວວາ. ນັກປະພັນເພງແອສປາໂຍນທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່ທີ່ສຸດ de Falla ກ່າວເລື່ອງນີ້ກ່ຽວກັບ Iberia: "ສຽງສະທ້ອນຂອງບ້ານໃນຮູບແບບຂອງແຮງຈູງໃຈຕົ້ນຕໍຂອງການເຮັດວຽກທັງຫມົດ ("Sevillana") ເບິ່ງຄືວ່າຈະ flutter ໃນອາກາດທີ່ຈະແຈ້ງຫຼືໃນແສງສະຫວ່າງສັ່ນສະເທືອນ. ຄວາມມະຫັດສະຈັນຂອງຄືນອັນດາລູເຊຍ, ຊີວິດຊີວາຂອງຝູງຊົນໃນງານບຸນ, ເຊິ່ງເຕັ້ນລໍາກັບສຽງຂອງ "ແກມ" ຂອງນັກກີຕາແລະນັກ bandurists ... , ແລະຈິນຕະນາການທີ່ຕື່ນຕົວຢ່າງຕໍ່ເນື່ອງຂອງພວກເຮົາແມ່ນຕາບອດຍ້ອນຄຸນງາມຄວາມດີອັນຍິ່ງໃຫຍ່ຂອງດົນຕີທີ່ສະແດງອອກຢ່າງເຂັ້ມງວດກັບຄວາມອຸດົມສົມບູນຂອງມັນ.”

ທົດສະວັດທີ່ຜ່ານມາໃນຊີວິດຂອງ Debussy ຖືກຈໍາແນກໂດຍກິດຈະກໍາສ້າງສັນແລະການປະຕິບັດທີ່ບໍ່ຢຸດຢັ້ງຈົນກ່ວາການລະບາດຂອງສົງຄາມໂລກຄັ້ງທໍາອິດ. ການເດີນທາງຄອນເສີດເປັນນັກສະແດງໃນອອສເຕີຍ-ຮັງກາຣີໄດ້ນໍາເອົາຊື່ສຽງນັກປະພັນຢູ່ຕ່າງປະເທດ. ລາວໄດ້ຮັບຄວາມອົບອຸ່ນໂດຍສະເພາະໃນລັດເຊຍໃນປີ 1913. ຄອນເສີດໃນ St. Petersburg ແລະ Moscow ໄດ້ປະສົບຜົນສໍາເລັດຢ່າງຫຼວງຫຼາຍ. ການຕິດຕໍ່ສ່ວນບຸກຄົນຂອງ Debussy ກັບນັກດົນຕີລັດເຊຍຫຼາຍຄົນໄດ້ເສີມສ້າງຄວາມເຂັ້ມແຂງຂອງລາວຕໍ່ກັບວັດທະນະທໍາດົນຕີລັດເຊຍ.

ການເລີ່ມຕົ້ນຂອງສົງຄາມເຮັດໃຫ້ Debussy ເພີ່ມຂຶ້ນໃນຄວາມຮູ້ສຶກຮັກຊາດ. ໃນຖະແຫຼງການທີ່ພິມອອກ, ລາວເອີ້ນຕົນເອງຢ່າງຈິງຈັງວ່າ: "Claude Debussy ເປັນນັກດົນຕີຝຣັ່ງ." ວຽກ​ງານ​ຈໍາ​ນວນ​ຫນຶ່ງ​ຂອງ​ປີ​ເຫຼົ່າ​ນີ້​ແມ່ນ​ໄດ້​ຮັບ​ການ​ດົນ​ໃຈ​ໂດຍ​ຫົວ​ຂໍ້​ທີ່​ຮັກ​ຊາດ​: “Heroic Lullaby​”​, ເພງ “ວັນ​ຄຣິດ​ສະ​ມາດ​ຂອງ​ເດັກ​ນ້ອຍ​ທີ່​ຢູ່​ອາ​ໄສ​”​; ໃນຊຸດສໍາລັບສອງ pianos "ສີຂາວແລະສີດໍາ" Debussy ຕ້ອງການສະແດງເຖິງຄວາມປະທັບໃຈຂອງລາວກ່ຽວກັບຄວາມຢ້ານຂອງສົງຄາມຈັກກະພັດ. Ode ກັບປະເທດຝຣັ່ງແລະ cantata Joan ຂອງ Arc ຍັງຄົງ unrealized.

ໃນການເຮັດວຽກຂອງ Debussy ໃນຊຸມປີມໍ່ໆມານີ້, ຄົນເຮົາສາມາດຊອກຫາຄວາມຫລາກຫລາຍຂອງປະເພດທີ່ລາວບໍ່ເຄີຍພົບມາກ່ອນ. ໃນດົນຕີ vocal chamber, Debussy ຊອກຫາຄວາມກ່ຽວຂ້ອງຂອງບົດກະວີຝຣັ່ງເກົ່າຂອງ Francois Villon, Charles of Orleans ແລະອື່ນໆ. ດ້ວຍບັນດານັກກະວີດັ່ງກ່າວ, ລາວຢາກຊອກຫາແຫຼ່ງປ່ຽນແປງໃໝ່ຂອງວິຊາດັ່ງກ່າວ ແລະ ພ້ອມກັນນັ້ນກໍໃຫ້ກຽດແກ່ສິລະປະຂອງຝຣັ່ງທີ່ເກົ່າແກ່ທີ່ລາວຮັກສະເໝີ. ໃນພາກສະຫນາມຂອງດົນຕີເຄື່ອງມືສະພາ, Debussy conceives ວົງຈອນຂອງຫົກ sonatas ສໍາລັບເຄື່ອງມືຕ່າງໆ. ແຕ່ຫນ້າເສຍດາຍ, ລາວໄດ້ຂຽນພຽງແຕ່ສາມ - sonata ສໍາລັບ cello ແລະ piano (1915), sonata ສໍາລັບ flute, harp ແລະ viola (1915) ແລະ sonata ສໍາລັບ violin ແລະ piano (1916-1917). ໃນອົງປະກອບເຫຼົ່ານີ້, Debussy ຍຶດຫມັ້ນກັບຫຼັກການຂອງອົງປະກອບທີ່ເຫມາະສົມຫຼາຍກ່ວາອົງປະກອບ Sonata, ດັ່ງນັ້ນການຟື້ນຟູປະເພນີຂອງນັກປະພັນຝຣັ່ງຂອງສະຕະວັດທີ XNUMX. ໃນ​ເວ​ລາ​ດຽວ​ກັນ, ອົງ​ປະ​ກອບ​ເຫຼົ່າ​ນີ້​ເປັນ​ພະ​ຍານ​ເຖິງ​ການ​ຄົ້ນ​ຫາ​ບໍ່​ຢຸດ​ຢັ້ງ​ສໍາ​ລັບ​ເຕັກ​ນິກ​ການ​ສິ​ລະ​ປະ​ໃຫມ່​, ການ​ປະ​ສົມ​ສີ​ຂອງ​ເຄື່ອງ​ມື (ໃນ sonata ສໍາ​ລັບ​ການ flute​, harp ແລະ viola​)​.

ໂດຍສະເພາະຢ່າງຍິ່ງແມ່ນຜົນສໍາເລັດທາງດ້ານສິລະປະຂອງ Debussy ໃນທົດສະວັດສຸດທ້າຍຂອງຊີວິດຂອງລາວໃນການເຮັດວຽກຂອງ piano: "Children's Corner" (1906-1908), "Toy Box" (1910), twenty-four preludes (1910 ແລະ 1913), "Six Antique Epigraphs” ໃນສີ່ມື (1914), ສິບສອງການສຶກສາ (1915).

ຊຸດ piano "Children's Corner" ແມ່ນອຸທິດຕົນໃຫ້ກັບລູກສາວຂອງ Debussy. ຄວາມປາຖະຫນາທີ່ຈະເປີດເຜີຍໂລກໃນດົນຕີຜ່ານສາຍຕາຂອງເດັກນ້ອຍໃນຮູບພາບປົກກະຕິຂອງລາວ - ຄູສອນທີ່ເຄັ່ງຄັດ, ຕຸ໊ກກະຕາ, ຜູ້ລ້ຽງແກະນ້ອຍ, ຊ້າງຂອງຫຼິ້ນ - ເຮັດໃຫ້ Debussy ໃຊ້ຢ່າງກວ້າງຂວາງທັງການເຕັ້ນປະຈໍາວັນແລະປະເພດເພງ, ແລະປະເພດດົນຕີມືອາຊີບ. ໃນຮູບແບບທີ່ໂຫດຮ້າຍ, caricatured - lullaby ໃນ "Elephant's Lullaby", tune ຂອງ shepherd ໃນ "The Little Shepherd", ເຕັ້ນ cake-walk ທີ່ມີຄົນອັບເດດ: ໃນເວລານັ້ນ, ໃນການຫຼິ້ນໃນຊື່ດຽວກັນ. ຕໍ່ໄປ, ການສຶກສາແບບປົກກະຕິໃນ "Doctor Gradus ad Parnassum" ອະນຸຍາດໃຫ້ Debussy ສ້າງຮູບພາບຂອງຄູສອນແລະນັກຮຽນທີ່ເບື່ອຫນ່າຍໂດຍວິທີການ caricature ອ່ອນ.

ສິບສອງ etudes ຂອງ Debussy ແມ່ນເຊື່ອມຕໍ່ກັບການທົດລອງໄລຍະຍາວຂອງລາວໃນພາກສະຫນາມຂອງແບບ piano, ການຄົ້ນຫາປະເພດໃຫມ່ຂອງເຕັກນິກ piano ແລະວິທີການສະແດງອອກ. ແຕ່ເຖິງແມ່ນວ່າໃນວຽກງານເຫຼົ່ານີ້, ລາວພະຍາຍາມແກ້ໄຂບໍ່ພຽງແຕ່ມີຄຸນງາມຄວາມດີເທົ່ານັ້ນ, ແຕ່ຍັງມີບັນຫາທີ່ດີ (etude ສິບແມ່ນເອີ້ນວ່າ: "ສໍາລັບ sonorities ກົງກັນຂ້າມ"). ແຕ່ຫນ້າເສຍດາຍ, ບໍ່ແມ່ນຮູບແຕ້ມທັງໝົດຂອງ Debussy ສາມາດປະກອບແນວຄວາມຄິດດ້ານສິລະປະໄດ້. ບາງສ່ວນຂອງພວກມັນຖືກຄອບງໍາໂດຍຫຼັກການກໍ່ສ້າງ.

ປື້ມບັນທຶກສອງສະບັບຂອງບົດຕົ້ນຂອງລາວສໍາລັບ piano ຄວນຖືວ່າເປັນບົດສະຫຼຸບທີ່ສົມຄວນຕໍ່ເສັ້ນທາງສ້າງສັນທັງຫມົດຂອງ Debussy. ຢູ່​ທີ່​ນີ້, ດັ່ງ​ທີ່​ມັນ​ເປັນ​ມາ, ລັກ​ສະ​ນະ​ທີ່​ສຸດ​ແລະ​ເປັນ​ປົກ​ກະ​ຕິ​ຂອງ​ວິ​ທີ​ການ​ໂລກ​ສິ​ລະ​ປະ, ວິ​ທີ​ການ​ສ້າງ​ສັນ​ແລະ​ຮູບ​ແບບ​ຂອງ​ນັກ​ປະ​ພັນ​ໄດ້​ສຸມ​ໃສ່​ການ. ວົງຈອນປະກອບມີຂອບເຂດອັນເຕັມທີ່ຂອງຮູບສັນຍາລັກແລະ poetic ຜ່ານການເຮັດວຽກຂອງ Debussy.

ຈົນກ່ວາຍຸກສຸດທ້າຍຂອງຊີວິດຂອງລາວ (ລາວເສຍຊີວິດໃນວັນທີ 26 ມີນາ 1918 ໃນລະຫວ່າງການວາງລະເບີດຂອງປາຣີໂດຍຊາວເຢຍລະມັນ), ເຖິງວ່າຈະມີພະຍາດຮ້າຍແຮງ, Debussy ບໍ່ໄດ້ຢຸດການຄົ້ນຫາທີ່ສ້າງສັນຂອງລາວ. ລາວຊອກຫາຫົວຂໍ້ ແລະແຜນການໃໝ່, ຫັນໄປສູ່ປະເພດພື້ນເມືອງ, ແລະສະທ້ອນພວກມັນໃນທາງທີ່ແປກປະຫຼາດ. ການຄົ້ນຫາທັງຫມົດເຫຼົ່ານີ້ບໍ່ເຄີຍພັດທະນາໃນ Debussy ໄປສູ່ຈຸດສິ້ນສຸດໃນຕົວມັນເອງ - "ໃຫມ່ສໍາລັບ sake ຂອງໃຫມ່." ໃນວຽກງານແລະຄໍາຖະແຫຼງທີ່ສໍາຄັນຂອງຊຸມປີທີ່ຜ່ານມາກ່ຽວກັບວຽກງານຂອງນັກປະພັນຍຸກອື່ນໆ, ລາວຄັດຄ້ານການຂາດເນື້ອຫາ, ຄວາມສັບສົນຂອງຮູບແບບ, ຄວາມສັບສົນໂດຍເຈດຕະນາຂອງພາສາດົນຕີ, ລັກສະນະຂອງຜູ້ຕາງຫນ້າຈໍານວນຫຼາຍຂອງສິລະປະທີ່ທັນສະໄຫມຂອງເອີຣົບຕາເວັນຕົກໃນທ້າຍຄັ້ງທີ XNUMX. ແລະຕົ້ນສະຕະວັດທີ XNUMX. ລາວເວົ້າຢ່າງຖືກຕ້ອງວ່າ: "ຕາມກົດລະບຽບທົ່ວໄປ, ຄວາມຕັ້ງໃຈທີ່ຈະເຮັດໃຫ້ຮູບແບບແລະຄວາມຮູ້ສຶກສັບສົນສະແດງໃຫ້ເຫັນວ່າຜູ້ຂຽນບໍ່ມີຫຍັງເວົ້າ." "ດົນຕີກາຍເປັນເລື່ອງຍາກທຸກຄັ້ງທີ່ມັນບໍ່ຢູ່." ຈິດໃຈທີ່ມີຊີວິດຊີວາ ແລະ ສ້າງສັນຂອງຜູ້ປະພັນຢ່າງບໍ່ອິດເມື່ອຍສະແຫວງຫາການເຊື່ອມຕໍ່ກັບຊີວິດໂດຍຜ່ານປະເພດດົນຕີທີ່ບໍ່ໄດ້ຮັບການຂັດຂວາງໂດຍວິຊາການທີ່ແຫ້ງແລ້ງແລະຄວາມຊັບຊ້ອນທີ່ເສື່ອມໂຊມ. ຄວາມປາດຖະຫນາເຫຼົ່ານີ້ບໍ່ໄດ້ຮັບການສືບຕໍ່ທີ່ແທ້ຈິງຈາກ Debussy ເນື່ອງຈາກຂໍ້ຈໍາກັດທາງດ້ານອຸດົມການທີ່ແນ່ນອນຂອງສະພາບແວດລ້ອມ bourgeois ໃນຍຸກວິກິດການນີ້, ເນື່ອງຈາກຄວາມແຄບຂອງຄວາມສົນໃຈສ້າງສັນ, ລັກສະນະຂອງນັກສິລະປິນໃຫຍ່ເຊັ່ນລາວເອງ.

B. ໄອໂອນິນ

• ຜົນງານ piano ຂອງ Debussy →
• ວຽກງານ Symphonic ຂອງ Debussy →
• ຄວາມປະທັບໃຈດົນຕີຝຣັ່ງ →

ອົງປະກອບ:

ລະຄອນ – Rodrigue ແລະ Jimena (1891-92, ບໍ່ສິ້ນສຸດ), Pelléas ແລະ Mélisande (ລະຄອນດົນຕຣີຫຼັງຈາກ M. Maeterlinck, 1893-1902, staged in 1902, Opera Comic, Paris); ໝາກ ບານ – Games (Jeux, lib. V. Nijinsky, 1912, post. 1913, tr Champs Elysees, Paris), Kamma (Khamma, 1912, piano score; orchestrated by Ch. Kouklen, final performance 1924, Paris), Toy Box (La boîte à joujoux, ballet ຂອງເດັກນ້ອຍ, 1913, ຈັດລຽງເປັນ 2 fp., orchestrated ໂດຍ A. Caplet, c. 1923); ສໍາລັບ soloists, choir ແລະ orchestra – Daniel (cantata, 1880-84), Spring (Printemps, 1882), Call (Invocation, 1883; ສະຫງວນໄວ້ piano ແລະ vocal parts), Prodigal Son (L'enfant prodigue, lyrical scene, 1884), Diana in the forest (cantata , ອີງຕາມການ comedy heroic ໂດຍ T. de Banville, 1884-1886, ບໍ່ສໍາເລັດ), The Chosen One (La damoiselle élue, lyric poem, ອີງໃສ່ດິນຕອນຂອງ poem ໂດຍນັກກະວີອັງກິດ DG Rossetti, ການແປພາສາຝຣັ່ງໂດຍ G. Sarrazin, 1887-88), Ode ກັບປະເທດຝຣັ່ງ (Ode à la France, cantata, 1916-17, ບໍ່ສໍາເລັດ, ຫຼັງຈາກການເສຍຊີວິດຂອງ Debussy ໄດ້ sketches ໄດ້ສໍາເລັດແລະພິມໂດຍ MF Gaillard); ສໍາລັບວົງດົນຕີ – The Triumph of Bacchus (divertimento, 1882), Intermezzo (1882), Spring (Printemps, symphonic suite at 2 o'clock, 1887; re-orchestrated ຕາມຄໍາແນະນໍາຂອງ Debussy, ນັກປະພັນຊາວຝຣັ່ງ ແລະ conductor A. Busset, 1907) , Prelude to the Afternoon of a Faun (Prélude à l'après-midi d'un faune, ອີງໃສ່ eclogue ຂອງຊື່ດຽວກັນໂດຍ S. Mallarme, 1892-94), Nocturnes: Clouds, Festivities, Sirens (Nocturnes: Nuages. , Fêtes;Sirènes, ກັບ choir ຂອງແມ່ຍິງ; 1897-99), ທະເລ (La mer, 3 symphonic sketches, 1903-05), ຮູບພາບ: Gigues (orchestration ສໍາເລັດໂດຍ Caplet), Iberia, Spring Dances (ຮູບພາບ: Gigues, Ibéria, Rondes de printemps, 1906-12); ສໍາ​ລັບ​ເຄື່ອງ​ມື​ແລະ orchestra​ — Suite for cello (Intermezzo, c. 1880-84), Fantasia for piano (1889-90), Rhapsody for saxophone (1903-05, unfinished, ສໍາເລັດໂດຍ JJ Roger-Ducas, publ. 1919), ການເຕັ້ນ (ສໍາລັບ harp ກັບ string orchestra, 1904), Rhapsody ທໍາອິດສໍາລັບ clarinet (1909-10, ເດີມສໍາລັບ clarinet ແລະ piano); ກອງ​ປະ​ຊຸມ​ສະ​ພາ​ – piano trio (G-dur, 1880), string quartet (g-moll, op. 10, 1893), sonata for flute, viola and harp (1915), sonata for cello and piano (d-moll, 1915), sonata ສໍາລັບ violin ແລະ piano (g-moll, 1916); ສໍາລັບ piano 2 ມື – ການເຕັ້ນ Gypsy (Danse bohémienne, 1880), two arabesques (1888), Bergamas suite (1890-1905), Dreams (Rêverie), Ballad (Ballade slave), Dance (Styrian tarantella), Romantic waltz, Nocturne, Mazurka (ທັງໝົດ 6 ອັນ. plays – 1890), Suite (1901), Prints (1903), Island of Joy (L'isle joyeuse, 1904), Masks (Masques, 1904), ຮູບພາບ (Images, 1st series, 1905; 2nd series, 1907), Children’s Corner (ມຸມເດັກນ້ອຍ, ຊຸດ piano, 1906-08), Twenty-Four Preludes (1st notebook, 1910; 2nd notebook, 1910-13), Heroic lullaby (Berceuse héroïque, 1914; orchestral edition, 1914 S. 1915), ແລະ​ອື່ນໆ; ສໍາລັບ piano 4 ມື – Divertimento ແລະ Andante cantabile (c. 1880), symphony (h-moll, 1 ຊົ່ວໂມງ, 1880, ພົບ ແລະພິມເຜີຍແຜ່ໃນ Moscow, 1933), Little Suite (1889), Scottish March on a Folk Theme (Marche écossaise sur un thème populaire , 1891, ຍັງໄດ້ຖ່າຍທອດສໍາລັບ symphonic orchestra ໂດຍ Debussy), Six Antique Epigraphs (Six épigraphes antiques, 1914), ແລະອື່ນໆ; ສໍາລັບ 2 pianos 4 ມື – Lindaraja (Lindaraja, 1901), ໃນສີຂາວແລະສີດໍາ (En blanc et noir, suite of 3 pieces, 1915); ສໍາລັບ flute – ກະພິບຂອງ Pan (Syrinx, 1912); ສໍາ​ລັບ​ການ​ຮ້ອງ​ເພງ cappella​ - ສາມເພງຂອງ Charles d'Orleans (1898-1908); ສໍາລັບສຽງແລະ piano – ເພງ ແລະ ໂຣແມນຕິກ (ເນື້ອເພງໂດຍ T. de Banville, P. Bourget, A. Musset, M. Bouchor, c. 1876), ສາມ romances (ເນື້ອເພງໂດຍ L. de Lisle, 1880-84), ຫ້າບົດກະວີໂດຍ Baudelaire (1887). - 89), ariettes ລືມ (Ariettes oubliées, ເນື້ອເພງໂດຍ P. Verlaine, 1886-88), ສອງ romances (ຄໍາສັບຕ່າງໆໂດຍ Bourget, 1891), ສາມ melodies (ຄໍາສັບຕ່າງໆໂດຍ Verlaine, 1891), ເນື້ອເພງ prose (Proses lyriques, ເນື້ອເພງໂດຍ D. ., 1892-93), ເພງ Bilitis (Chansons de Bilitis, ເນື້ອເພງໂດຍ P. Louis, 1897), ສາມເພງຂອງຝຣັ່ງ (Trois chansons de France, ເນື້ອເພງໂດຍ C. Orleans ແລະ T. Hermite, 1904), ສາມ ballads ສຸດ ເນື້ອເພງ. F. Villon (1910), ສາມບົດກະວີໂດຍ S. Mallarmé (1913), ວັນຄຣິດສະມາດຂອງເດັກນ້ອຍທີ່ບໍ່ມີທີ່ພັກອາໄສອີກຕໍ່ໄປ (Noël des enfants qui n'ont plus de maison, ເນື້ອເພງໂດຍ Debussy, 1915), ແລະອື່ນໆ; ດົນຕີສໍາລັບການສະແດງລະຄອນລະຄອນ – King Lear (sketches and sketches, 1897-99), The Martyrdom of St. Sebastian (ດົນຕີສໍາລັບ oratorio-mystery ຂອງຊື່ດຽວກັນໂດຍ G. D'Annunzio, 1911); ຂໍ້ມູນຈາກການ - ເຮັດວຽກໂດຍ KV Gluck, R. Schumann, C. Saint-Saens, R. Wagner, E. Satie, PI Tchaikovsky (3 ເຕັ້ນຈາກ ballet "Swan Lake"), ແລະອື່ນໆ.