ວົງດົນຕີຣ |

ຈາກ orxestra ຂອງກເຣັກ - ເປັນເວທີ semicircular ຕໍ່ມາຂອງໂຮງລະຄອນບູຮານ, ບ່ອນທີ່, ການເຄື່ອນໄຫວຈັງຫວະ, chorus ຂອງຄວາມໂສກເສົ້າແລະຕະຫລົກໄດ້ຮ້ອງເພງພາກສ່ວນຂອງເຂົາເຈົ້າ, ຈາກ orxeomai - ຂ້າພະເຈົ້າເຕັ້ນລໍາ.

ກຸ່ມ​ນັກ​ດົນ​ຕີ​ທີ່​ຫຼິ້ນ​ເຄື່ອງ​ດົນ​ຕີ​ຕ່າງໆ​ທີ່​ມີ​ຈຸດ​ປະ​ສົງ​ເພື່ອ​ຮ່ວມ​ກັນ​ປະ​ຕິ​ບັດ​ງານ​ດົນ​ຕີ.

ຈົນກ່ວາ ser. ສະຕະວັດທີ 18 ຄໍາວ່າ "ໂອ້." ເຂົ້າ​ໃຈ​ໃນ​ວັດ​ຖຸ​ບູ​ຮານ​. ຄວາມຮູ້ສຶກ, ກ່ຽວຂ້ອງກັບສະຖານທີ່ຂອງນັກດົນຕີ (Walther, Lexikon, 1732). ພຽງແຕ່ໃນການເຮັດວຽກຂອງ I. Mattheson “Rediscovered Orchestra” (“Das neu-eröffnete Orchestre”, 1713) ຄໍາວ່າ “O.” ຄຽງຄູ່ກັບຄວາມຫມາຍເກົ່າທີ່ໄດ້ມາໃຫມ່. ທີ່ທັນສະໄຫມມັນໄດ້ຖືກກໍານົດຄັ້ງທໍາອິດໂດຍ JJ Rousseau ໃນ Dictionary of Music (Dictionnaire de la musique, 1767).

ມີຫຼັກການການຈັດປະເພດ O. ຫຼາຍ: ຕົ້ນຕໍແມ່ນການແບ່ງ O. ຕາມ instr. ອົງປະກອບ. ຈໍາ​ແນກ​ລະ​ຫວ່າງ​ການ​ປະ​ກອບ​ປະ​ສົມ​, ລວມ​ທັງ​ເຄື່ອງ​ມື​ຂອງ​ກຸ່ມ​ທີ່​ແຕກ​ຕ່າງ​ກັນ (symphonic O., estr. O.), ແລະ homogeneous (ສໍາ​ລັບ​ການ​ຍົກ​ຕົວ​ຢ່າງ​, string orchestra​, ວົງ​ທອງ​ເຫລືອງ​, O. percussion instruments​)​. ອົງປະກອບທີ່ເປັນມູນເຊື້ອມີການແບ່ງແຍກຂອງຕົນເອງ: ຕົວຢ່າງ, ເຄື່ອງດົນຕີສາຍໜຶ່ງອາດປະກອບດ້ວຍເຄື່ອງມືກົ້ມຫົວ ຫຼື plucked; ໃນລົມ O., ອົງປະກອບທີ່ເປັນເອກະພາບແມ່ນໄດ້ຖືກຈໍາແນກ - ອົງປະກອບຂອງທອງແດງ ("gang") ຫຼືປະສົມ, ມີການເພີ່ມເຕີມຂອງລົມໄມ້, ບາງຄັ້ງ percussion. ທ່ານດຣ. ຫຼັກການຂອງການຈັດປະເພດ O. ດໍາເນີນການຈາກການນັດພົບຂອງພວກເຂົາໃນ muses. ການປະຕິບັດ. ມີ, ສໍາລັບການຍົກຕົວຢ່າງ, ແຖບທະຫານ, estr. O. ປະເພດພິເສດຂອງ O. ແມ່ນເປັນຕົວແທນໂດຍຈໍານວນຫລາຍ. ນັດ. ensembles ແລະ O. Nar. ເຄື່ອງ​ມື​, ທັງ​ສອງ​ເປັນ​ເອ​ກະ​ລັກ​ໃນ​ອົງ​ປະ​ກອບ (domrovy O.​)​, ແລະ​ປະ​ສົມ (ໂດຍ​ສະ​ເພາະ​, ວົງ​ດົນ​ຕີ Neapolitan​, ປະ​ກອບ​ດ້ວຍ mandolins ແລະ guitars​, taraf​)​. ບາງຄົນຂອງພວກເຂົາກາຍເປັນມືອາຊີບ (ວົງດົນຕີລັດເຊຍທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່, ສ້າງໂດຍ VV Andreev, ເຄື່ອງດົນຕີພື້ນເມືອງ O. Uzbek, ຈັດຕັ້ງໂດຍ AI Petrosyants, ແລະອື່ນໆ). ສໍາລັບ O. nat. ເຄື່ອງ​ມື​ຂອງ​ອາ​ຟຣິ​ກາ​ແລະ​ອິນ​ໂດ​ເນ​ເຊຍ​ແມ່ນ​ມີ​ລັກ​ສະ​ນະ​ໂດຍ​ການ​ປະ​ກອບ​ທີ່​ມີ​ເດັ່ນ​ຂອງ percussion​, ສໍາ​ລັບ​ການ​ຍົກ​ຕົວ​ຢ່າງ​. ເກມລານ, ອໍລະຫັນ, ອໍລະປີນ. ໃນປະເທດເອີຣົບ, ຮູບແບບທີ່ສູງທີ່ສຸດຂອງ instr. ການປະຕິບັດໄດ້ກາຍເປັນ symphonic. O. , ປະກອບດ້ວຍ bowed, ລົມແລະ percussion ເຄື່ອງມື. ທຸກພາກສ່ວນຂອງສາຍເຊືອກຖືກປະຕິບັດໃນ symphony. O. ໂດຍກຸ່ມທັງຫມົດ (ຢ່າງຫນ້ອຍສອງນັກດົນຕີ); O. ນີ້ແຕກຕ່າງຈາກ instr. ensemble, ບ່ອນທີ່ນັກດົນຕີແຕ່ລະຄົນຫຼິ້ນ otd. ງານລ້ຽງ.

ປະຫວັດຂອງ symphony. O. ມີເວລາກັບຄືນສູ່ສະຕະວັດທີ 16-17. ເຄື່ອງ​ມື​ຂະ​ຫນາດ​ໃຫຍ່​ທີ່​ມີ​ຢູ່​ໃນ​ຊຸມ​ຊົນ​ກ່ອນ​ຫນ້າ​ນັ້ນ - ໃນ​ວັດ​ຖຸ​ບູ​ຮານ​, ຍຸກ​ກາງ​, ໃນ Renaissance​. ໃນສະຕະວັດທີ 15-16. ໃນ​ການ​ສະ​ເຫຼີມ​ສະ​ຫຼອງ​. ກໍລະນີໄດ້ຖືກເກັບກໍາ adv. ວົງດົນຕີ, to-rye ລວມທຸກຄອບຄົວຂອງອຸປະກອນ: bowed ແລະ plucked strings, woodwinds ແລະທອງເຫຼືອງ, keyboards. ຢ່າງໃດກໍຕາມ, ຈົນກ່ວາ 17th c. ບໍ່ມີ ensembles ປະຕິບັດເປັນປົກກະຕິ; ການ​ປະ​ຕິ​ບັດ​ຂອງ​ດົນ​ຕີ​ແມ່ນ​ກໍາ​ນົດ​ເວ​ລາ​ກັບ​ງານ​ບຸນ​ແລະ​ກິດ​ຈະ​ກໍາ​ອື່ນໆ​. ຮູບລັກສະນະຂອງ O. ໃນທີ່ທັນສະໄຫມ. ຄວາມຫມາຍຂອງຄໍາສັບແມ່ນກ່ຽວຂ້ອງກັບການປະກົດຕົວຂອງສະຕະວັດທີ 16-17. ປະເພດດົນຕີ homophonic ໃໝ່, ເຊັ່ນ Opera, oratorio, solo wok. ຄອນເສີດ, ໃນທີ່ O. ໄດ້ເລີ່ມຕົ້ນປະຕິບັດຫນ້າທີ່ຂອງເຄື່ອງດົນຕີໄປພ້ອມກັບສຽງ vocal. ໃນເວລາດຽວກັນ, ການລວບລວມເຊັ່ນ O. ມັກຈະໃສ່ຊື່ອື່ນ. ແມ່ນແລ້ວ, Italian. ນັກປະພັນ con. 16 – ຂໍ. ສະຕະວັດທີ 17 ສ່ວນຫຼາຍມັກຈະຖືກໝາຍເຖິງໂດຍຄຳວ່າ "ຄອນເສີດ" (ຕົວຢ່າງ: "Concerti di voci e di stromenti" y M. Galliano), "ໂບດ", "choir", ແລະອື່ນໆ.

ການພັດທະນາຂອງ O. ຖືກກໍານົດໂດຍຈໍານວນຫຼາຍ. ວັດສະດຸແລະສິນລະປະ. ປັດໃຈ. ໃນບັນດາພວກເຂົາແມ່ນ 3 ທີ່ສໍາຄັນທີ່ສຸດ: evolution ຂອງ orc. ເຄື່ອງ​ມື (ການ​ປະ​ດິດ​ສ້າງ​ຂອງ​ໃຫມ່​, ການ​ປັບ​ປຸງ​ຂອງ​ເກົ່າ​, ການ​ຫາຍ​ໄປ​ຂອງ​ເຄື່ອງ​ມື​ທີ່​ລ້າ​ສະ​ໄຫມ​ຈາກ​ການ​ປະ​ຕິ​ບັດ​ດົນ​ຕີ​)​, ການ​ພັດ​ທະ​ນາ orc​. ການປະຕິບັດ (ວິທີການໃຫມ່ຂອງການຫຼີ້ນ, ສະຖານທີ່ຂອງນັກດົນຕີຢູ່ເທິງເວທີຫຼືໃນ orc. pit, ການຄຸ້ມຄອງຂອງ O.), ເຊິ່ງປະຫວັດສາດຂອງ orcs ຕົວເອງແມ່ນເຊື່ອມຕໍ່. ການລວບລວມ, ແລະ, ສຸດທ້າຍ, ການປ່ຽນແປງໃນ orc. ໃຈນັກປະພັນ. ດັ່ງນັ້ນ, ໃນປະຫວັດສາດຂອງ O., ວັດສະດຸແລະຄວາມງາມຂອງດົນຕີແມ່ນ intertwined ຢ່າງໃກ້ຊິດ. ອົງປະກອບ. ດັ່ງນັ້ນ, ເມື່ອພິຈາລະນາຊະຕາກໍາຂອງ O., ພວກເຮົາຫມາຍຄວາມວ່າບໍ່ຫຼາຍປານໃດປະຫວັດສາດຂອງເຄື່ອງມືຫຼື ork. ຮູບແບບ, ວິທີການຫຼາຍອົງປະກອບຂອງການພັດທະນາ O. ຂອງ. ປະຫວັດສາດຂອງ O. ໃນເລື່ອງນີ້ໄດ້ຖືກແບ່ງອອກເປັນສາມໄລຍະ: O. ຈາກປະມານ 1600 ຫາ 1750; A. ຊັ້ນ 2. 18 – ຂໍ. ສະຕະວັດທີ 20 (ປະມານກ່ອນສົງຄາມໂລກຄັ້ງທີ 1 ປີ 1914-18 ເລີ່ມຕົ້ນ); O. ສະຕະວັດທີ 20 (ຫຼັງຈາກສົງຄາມໂລກຄັ້ງທີ XNUMX).

O. ໃນ​ໄລ​ຍະ​ເວ​ລາ 17 - ຊັ້ນ 1​. ສະຕະວັດທີ 18 ຈາກ Renaissance, O. ໄດ້ສືບທອດເຄື່ອງມືທີ່ອຸດົມສົມບູນໃນແງ່ຂອງການຄັດເລືອກໄມ້ແລະ tessitura. ຫຼັກການສໍາຄັນທີ່ສຸດຂອງການຈັດປະເພດຂອງ orc. ເຄື່ອງ​ມື​ໃນ​ຕົ້ນ​ສະ​ຕະ​ວັດ​ທີ 17 ແມ່ນ​: 1​) ການ​ແບ່ງ​ປັນ​ເຄື່ອງ​ມື​ໃນ​ທາງ​ດ້ານ​ຮ່າງ​ກາຍ​. ລັກ​ສະ​ນະ​ຂອງ​ຮ່າງ​ກາຍ sounding ເຂົ້າ​ໄປ​ໃນ​ຊ່ອຍ​ແນ່​ແລະ​ລົມ​, ສະ​ເຫນີ​ໂດຍ A. Agazzari ແລະ M. Pretorius​; ສຸດ ທ້າຍ ຍັງ singled ອອກ drums. ຢ່າງໃດກໍຕາມ, ອີງຕາມການ Pretorius, ສະມາຄົມຂອງ, ສໍາລັບການຍົກຕົວຢ່າງ, ສາຍປະກອບມີເຄື່ອງມືທັງຫມົດ "ມີສາຍ stretched", ບໍ່ວ່າມັນຈະແຕກຕ່າງກັນແນວໃດໃນການຜະລິດໄມ້ແລະສຽງ - viols, violin, lyres, lutes, harps, trumpet, monochord, clavichord. , cembalo, ແລະອື່ນໆ 2) ການແຍກເຄື່ອງມືພາຍໃນປະເພດດຽວກັນຕາມ tessitura ທີ່ກໍານົດໂດຍຂະຫນາດຂອງມັນ. ນີ້ແມ່ນວິທີການຂອງຄອບຄົວຂອງເຄື່ອງມືທີ່ເປັນເອກະພາບ, ປົກກະຕິແລ້ວປະກອບມີ 4, ບາງຄັ້ງແນວພັນ tessitura ຫຼາຍທີ່ສອດຄ່ອງກັບສຽງຂອງມະນຸດ (soprano, alto, tenor, bass). ມັນຖືກນໍາສະເຫນີຢູ່ໃນຕາຕະລາງຂອງເຄື່ອງມືໃນພາກທີ 2 ຂອງ "ລະຫັດວິທະຍາສາດດົນຕີ" ("Syntagma musicum", ພາກທີ II, 1618). ນັກແຕ່ງເພງໃນສະຕະວັດທີ 16-17. ດັ່ງນັ້ນ, ພວກເຂົາເຈົ້າໄດ້ແຍກຄອບຄົວສາຍພັນ, ລົມແລະ percussion. ໃນບັນດາວົງດົນຕີ, viols (treble, alto, bass ໃຫຍ່, double bass; ແນວພັນພິເສດ - viol d'amour, baritone, viola-bastard), lyres (ລວມທັງ da braccio), violins (4-string treble, tenor, bass, 3 ສາຍພາສາຝຣັ່ງ – pochette, treble ຂະຫນາດນ້ອຍ tuned ສູງສີ່), lutes (lutes, theorbo, archilute, ແລະອື່ນໆ). ເຄື່ອງດົນຕີຂຸ່ຍ (ເປັນຄອບຄົວຂອງຂຸ່ຍຕາມລວງຍາວ) ແມ່ນທົ່ວໄປໃນບັນດາເຄື່ອງມືລົມ; ເຄື່ອງ​ມື​ທີ່​ມີ reed ສອງ​ເທົ່າ​: flute (ໃນ​ບັນ​ດາ​ພວກ​ເຂົາ​ເປັນ​ກຸ່ມ​ຂອງ​ລູກ​ລະ​ເບີດ​ຈາກ bass pommer ກັບ​ທໍ່ treble​)​, ເຂົາ​ງໍ - krummhorns​; embouchure ເຄື່ອງ​ມື​: ໄມ້​ແລະ​ກະ​ດູກ​ສັງ​ກະ​ສີ​, trombones decomp​. ຂະຫນາດ, ທໍ່; percussion (timpani, ຊຸດຂອງລະຄັງ, ແລະອື່ນໆ). Wok-instr. ແນວ​ຄິດ​ຂອງ​ນັກ​ປະ​ພັນ​ໃນ​ສະ​ຕະ​ວັດ​ທີ 17 ໄດ້​ອີງ​ໃສ່​ຫຼັກ​ການ tessitura ຢ່າງ​ຫນັກ​ແຫນ້ນ​. ສຽງແລະເຄື່ອງມືທັງຫມົດຂອງ treble tessitura, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບເຄື່ອງມືຂອງ alto, tenor ແລະ bass tessitura, ໄດ້ຖືກລວມເຂົ້າກັນ (ສ່ວນຂອງພວກມັນຖືກບັນທຶກຢູ່ໃນເສັ້ນດຽວ).

ຄຸນ​ນະ​ສົມ​ບັດ​ທີ່​ສໍາ​ຄັນ​ທີ່​ສຸດ​ຂອງ​ການ​ເກີດ​ຂຶ້ນ​ໃນ verge ຂອງ 16-17 ສັດ​ຕະ​ວັດ​ແລ້ວ​. ແບບ homophonic, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບ homophonic-polyphonic. ຕົວອັກສອນ (JS Bach, GF Handel ແລະນັກຂຽນອື່ນໆ), ໄດ້ກາຍເປັນ basso ສືບຕໍ່ (ເບິ່ງ bass ທົ່ວໄປ); ໃນເລື່ອງນີ້, ພ້ອມກັບ melodic. ສຽງ​ແລະ​ເຄື່ອງ​ມື (violin​, violas​, ເຄື່ອງ​ມື​ລົມ​ຕ່າງໆ​) ປະ​ກົດ​ວ່າ​ອັນ​ທີ່​ເອີ້ນ​ວ່າ​. ກຸ່ມ​ຕໍ່​ເນື່ອງ​. ເຄື່ອງມືອົງປະກອບຂອງມັນມີການປ່ຽນແປງ, ແຕ່ຫນ້າທີ່ຂອງມັນ (ປະຕິບັດສຽງເບດແລະຄວາມກົມກຽວກັນ) ຍັງຄົງບໍ່ປ່ຽນແປງ. ໃນ​ໄລ​ຍະ​ທໍາ​ອິດ​ຂອງ​ການ​ພັດ​ທະ​ນາ​ຂອງ Opera (ສໍາ​ລັບ​ການ​ຍົກ​ຕົວ​ຢ່າງ​, ໂຮງ​ຮຽນ opera Italian​)​, ກຸ່ມ continuo ໄດ້​ປະ​ກອບ​ມີ​ອະ​ໄວ​ຍະ​ວະ​, cembalo​, lute​, theorbo​, ແລະ harp​; ໃນຊັ້ນທີ 2. ສະຕະວັດທີ 17, ຈໍານວນຂອງເຄື່ອງມືໃນມັນແມ່ນຫຼຸດລົງຢ່າງຫຼວງຫຼາຍ. ໃນສະໄໝຂອງ Bach, Handel, ນັກປະພັນຊາວຝຣັ່ງ. ຄລາສສິກແມ່ນຈໍາກັດພຽງແຕ່ເຄື່ອງມືແປ້ນພິມ (ໃນດົນຕີໂບດ - ອະໄວຍະວະ, ສະລັບກັບ cembalo, ໃນປະເພດທາງໂລກ - ຫນຶ່ງຫຼືສອງ cebalos, ບາງຄັ້ງເປັນ theorbo ໃນ Opera) ແລະ basses - cello, double bass (Violono), ມັກຈະເປັນ. ປູມເປົ້າ.

ສໍາລັບ O. ຊັ້ນ 1. ສະຕະວັດທີ 17 ມີລັກສະນະຄວາມບໍ່ສະຖຽນລະພາບຂອງອົງປະກອບ, ທີ່ເກີດຈາກຫຼາຍເຫດຜົນ. ຫນຶ່ງໃນນັ້ນແມ່ນການດັດແກ້ຂອງປະເພນີ Renaissance ໃນການຄັດເລືອກແລະການຈັດກຸ່ມຂອງເຄື່ອງມື. ເຄື່ອງມືໄດ້ຖືກປັບປຸງຢ່າງແຂງແຮງ. ພວກເຂົາເຈົ້າປະໄວ້ດົນຕີ. ການປະຕິບັດຂອງ lute, viol, ຍົກຍ້າຍໂດຍ violins - ເຄື່ອງມືຂອງສຽງທີ່ເຂັ້ມແຂງ. ການລະເບີດສຸດທ້າຍໄດ້ໃຫ້ວິທີການ bassoons ພັດທະນາຈາກ pommer bass ແລະ oboes reconstructed ຈາກທໍ່ treble; ສັງກະສີຫມົດໄປ. ປຸ້ງຢູ່ໂຄນຕາມລວງຍາວຖືກເຄື່ອນຍ້າຍດ້ວຍປຸຍທາງຂວາງທີ່ລື່ນກາຍພວກມັນດ້ວຍພະລັງສຽງ. ຈໍານວນຂອງແນວພັນ tessitura ໄດ້ຫຼຸດລົງ. ຢ່າງໃດກໍຕາມ, ຂະບວນການນີ້ບໍ່ໄດ້ສິ້ນສຸດລົງເຖິງແມ່ນວ່າໃນສະຕະວັດທີ 18; ຕົວຢ່າງເຊັ່ນ, ສາຍດົນຕີເຊັ່ນ: violino piccolo, violoncello piccolo, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບ lute, viola da gamba, viol d'amour, ມັກຈະປາກົດຢູ່ໃນວົງດົນຕີ Bach.

Dr. ເຫດຜົນສໍາລັບຄວາມບໍ່ສະຖຽນລະພາບຂອງອົງປະກອບແມ່ນການຄັດເລືອກແບບສຸ່ມຂອງເຄື່ອງມືໃນ adv. opera ເຮືອນ ຫຼື cathedrals. ຕາມກົດລະບຽບ, ນັກປະພັນຂຽນເພງບໍ່ແມ່ນສໍາລັບການຍອມຮັບໂດຍທົ່ວໄປ, ອົງປະກອບທີ່ຫມັ້ນຄົງ, ແຕ່ສໍາລັບອົງປະກອບຂອງ O. ທີ່ກໍານົດໄວ້. ໂຮງລະຄອນ ຫຼື priv. ໂບດ. ໃນຕອນເລີ່ມຕົ້ນ. ສະຕະວັດທີ 17 ຢູ່ໃນໜ້າຫົວຂໍ້ຂອງຄະແນນ, ຈານແຍ່ມັກຈະຖືກຂຽນວ່າ: “buone da cantare et suonare” (“ເໝາະສຳລັບການຮ້ອງເພງ ແລະ ຫຼີ້ນເພງ”). ບາງຄັ້ງໃນຄະແນນຫຼືໃນຫນ້າຫົວຂໍ້, ອົງປະກອບທີ່ມີຢູ່ໃນໂຮງລະຄອນນີ້ໄດ້ຖືກແກ້ໄຂ, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບກໍລະນີຂອງຄະແນນຂອງ Monteverdi's opera Orfeo (1607), ທີ່ລາວຂຽນສໍາລັບສານ. ໂຮງລະຄອນໃນ Mantua.

ການປ່ຽນແປງເຄື່ອງມືທີ່ກ່ຽວຂ້ອງກັບຄວາມງາມໃຫມ່. ການຮ້ອງຂໍ, ປະກອບສ່ວນເຂົ້າໃນການປ່ຽນແປງພາຍໃນ. ອົງການຈັດຕັ້ງ O. ສະຖຽນລະພາບເທື່ອລະກ້າວຂອງ ork. ອົງ ປະ ກອບ ເປັນ ຕົ້ນ ຕໍ ຕາມ ເສັ້ນ ຂອງ ຕົ້ນ ກໍາ ເນີດ ຂອງ ທັນ ສະ ໄຫມ ໄດ້ . ພວກເຮົາແນວຄວາມຄິດຂອງ orc. ກຸ່ມທີ່ປະສົມປະສານເຄື່ອງມືທີ່ກ່ຽວຂ້ອງກັບໄມ້ແລະແບບເຄື່ອນໄຫວ. ຄຸນສົມບັດ. ຄວາມແຕກຕ່າງຂອງກຸ່ມສາຍເຊືອກທີ່ເຮັດດ້ວຍໄມ້ຢືນຕົ້ນແບບດຽວກັນ—ໄວໂອລິນທີ່ມີຂະໜາດຕ່າງກັນ—ເກີດຂຶ້ນໂດຍຫຼັກໃນການປະຕິບັດການສະແດງ (ເປັນຄັ້ງທຳອິດໃນປີ 1610 ໃນການສະແດງລະຄອນໂອເປຣາ “24 Violins of the King” ຂອງປາຣີ. ໃນປີ 1660-85, ໂບດ Royal Chapel ຂອງ Charles II ໄດ້ຖືກຈັດຕັ້ງຢູ່ໃນລອນດອນຕາມແບບຈໍາລອງຂອງປາຣີ - ເຄື່ອງດົນຕີປະກອບດ້ວຍ 24 violins.

ການໄປເຊຍກັນຂອງກຸ່ມ string ໂດຍບໍ່ມີ viols ແລະ lutes (violins, violas, cellos, double basses) ແມ່ນການພິຊິດທີ່ສໍາຄັນທີ່ສຸດຂອງ Opera ໃນສະຕະວັດທີ 17, ເຊິ່ງສະທ້ອນໃຫ້ເຫັນຕົ້ນຕໍໃນຄວາມຄິດສ້າງສັນຂອງ Operatic. opera Purcell ຂອງ Dido ແລະ Aeneas (1689) ໄດ້ຖືກລາຍລັກອັກສອນສໍາລັບການ harp bowed ກັບ continuo; ການເພີ່ມເຕີມຂອງສາມຂອງເຄື່ອງມືລົມ - Cadmus ແລະ Hermione ໂດຍ Lully (1673). ກຸ່ມ woodwind ແລະທອງເຫລືອງຍັງບໍ່ທັນໄດ້ປະຕິບັດຮູບຮ່າງໃນແບບດັ້ງເດີມ baroque, ເຖິງແມ່ນວ່າທັງຫມົດຂອງ woodwinds ຕົ້ນຕໍ, ນອກເຫນືອໄປຈາກ clarinets (flutes, oboes, bassoons), ແລ້ວໄດ້ຖືກນໍາສະເຫນີເຂົ້າໄປໃນ O. ໃນຄະແນນຂອງ JB Lully, trio ລົມ. ມັກຈະມີລາຍຊື່: 2 oboes (ຫຼື 2 flutes) ແລະ bassoon, ແລະໃນ F. Rameau ຂອງ Opera (“Castor and Pollux, 1737) ແມ່ນກຸ່ມລົມໄມ້ທີ່ບໍ່ສົມບູນ: flutes, oboes, bassoons. ໃນວົງດົນຕີຂອງ Bach, ຄວາມດຶງດູດຂອງລາວກັບເຄື່ອງດົນຕີຂອງສະຕະວັດທີ 17. ຍັງໄດ້ສົ່ງຜົນກະທົບຕໍ່ການເລືອກເຄື່ອງມືລົມ: ແນວພັນເກົ່າແກ່ຂອງ oboe – oboe d`amore, oboe da caccia (ຕົ້ນແບບຂອງ horn ພາສາອັງກິດທີ່ທັນສະໄຫມ) ແມ່ນໃຊ້ປະສົມປະສານກັບ bassoon ຫຼື 2 flutes ແລະ bassoon. ການຜະສົມຜະສານຂອງເຄື່ອງທອງເຫລືອງຍັງພັດທະນາຈາກວົງດົນຕີຂອງປະເພດ Renaissance (ຕົວຢ່າງເຊັ່ນ: ສັງກະສີແລະ 3 trombones ໃນ Concertus Sacri ຂອງ Scheidt) ໄປສູ່ກຸ່ມເຄື່ອງສຽງທອງເຫລືອງໃນທ້ອງຖິ່ນ (3 trumpets ແລະ timpani ໃນ Magnificat ຂອງ Bach, 3 trumpets ມີ timpani ແລະ horns ໃນ canta ຂອງຕົນເອງ. ສະບັບເລກທີ 205). ປະລິມານ. ອົງປະກອບຂອງ O. ຍັງບໍ່ທັນມີຮູບຮ່າງໃນຂະນະນັ້ນ. ສາຍ. ບາງຄັ້ງກຸ່ມດັ່ງກ່າວມີຂະໜາດນ້ອຍ ແລະ ບໍ່ສົມບູນ, ໃນຂະນະທີ່ການເລືອກເຄື່ອງມືລົມມັກຈະເປັນແບບສຸ່ມ (ເບິ່ງຕາຕະລາງ 1).

ຈາກຊັ້ນ 1. ການແບ່ງສັດຕະວັດທີ 18 ໄດ້ຖືກປະຕິບັດ. ອົງ​ປະ​ກອບ​ໃນ​ການ​ເຊື່ອມ​ຕໍ່​ກັບ​ຫນ້າ​ທີ່​ສັງ​ຄົມ​ຂອງ​ດົນ​ຕີ​, ສະ​ຖານ​ທີ່​ຂອງ​ການ​ສະ​ແດງ​ຂອງ​ຕົນ​, ຜູ້​ຊົມ​. ການ​ແບ່ງ​ປະ​ເພດ​ເຂົ້າ​ໄປ​ໃນ​ສາດ​ສະ​ໜາ​ຈັກ, ໂອ​ເປຣາ ແລະ​ຄອນ​ເສີດ​ຍັງ​ກ່ຽວ​ຂ້ອງ​ກັບ​ແນວ​ຄວາມ​ຄິດ​ຂອງ​ສາດ​ສະ​ໜາ​ຈັກ, ໂອ​ເປຣາ ແລະ​ຮູບ​ແບບ​ສະ​ພາ. ການ​ຄັດ​ເລືອກ​ແລະ​ຈໍາ​ນວນ​ຂອງ​ເຄື່ອງ​ມື​ໃນ​ແຕ່​ລະ​ການ​ປະ​ກອບ​ຍັງ​ມີ​ການ​ຜັນ​ແປ​ຢ່າງ​ກວ້າງ​ຂວາງ​; ຢ່າງໃດກໍຕາມ, opera opera (oratorios ຂອງ Handel ໄດ້ຖືກປະຕິບັດຢູ່ໃນ Opera House) ມັກຈະອີ່ມຕົວດ້ວຍເຄື່ອງມືລົມຫຼາຍກ່ວາຄອນເສີດ. ໃນ​ການ​ເຊື່ອມ​ຕໍ່​ກັບ dif. ໃນສະຖານະການຂອງດິນຕອນ, ພ້ອມກັບສາຍ, ປຸ້ງຢູ່ໂຄນແລະ oboes, trumpets ແລະ timpani, trombones ມັກຈະມີຢູ່ໃນມັນ (ໃນ scene of Hell in Monteverdi's Orpheus, ກຸ່ມສັງກະສີແລະ trombones ຖືກນໍາໃຊ້). ບາງຄັ້ງຄາວມີປ່ຽງນ້ອຍຖືກນໍາສະເໜີ (“Rinaldo” ໂດຍ Handel); ໃນທີສາມສຸດທ້າຍຂອງສະຕະວັດທີ 17. ເຂົາປະກົດຂຶ້ນ. ໄປໂບດ. O. ຈໍາເປັນຕ້ອງປະກອບອະໄວຍະວະ (ໃນກຸ່ມ continuo ຫຼືເປັນເຄື່ອງດົນຕີ). ໄປໂບດ. O. ໃນ op. Bach, ພ້ອມກັບຊ່ອຍແນ່, woodwinds (ປຸ້ງຢູ່ໂຄນ, oboes), ບາງຄັ້ງທໍ່ທີ່ມີ timpani, horns, trombones, ສອງເທົ່າຂອງສຽງຂອງ choir ໄດ້ (cantata No 21), ມັກຈະນໍາສະເຫນີ. ໃນຄຣິສຕະຈັກ, ດັ່ງນັ້ນໃນ operatic O. creatures. ພາລະບົດບາດໄດ້ຖືກຫຼິ້ນໂດຍ obligate (ເບິ່ງ Obligate) ເຄື່ອງດົນຕີທີ່ມາພ້ອມກັບການຮ້ອງເພງ solo: violin, cello, flute, oboe, ແລະອື່ນໆ.

ອົງປະກອບຄອນເສີດຂອງ O. ທັງຫມົດແມ່ນຂຶ້ນກັບສະຖານທີ່ແລະລັກສະນະຂອງການຫຼີ້ນດົນຕີ. ສໍາລັບການສະເຫຼີມສະຫຼອງ. adv. ພິທີ baroque (coronation, wedding), ໃນ cathedrals ພ້ອມກັບ liturgical. ດົນ ຕີ instr. ຄອນເສີດແລະ fanfares ປະຕິບັດໂດຍສານ. ນັກດົນຕີ.

Secular priv. ການສະແດງຄອນເສີດໄດ້ຈັດຂຶ້ນທັງໃນໂຮງລະຄອນໂອເປຣາ ແລະໃນບ່ອນເປີດ-ປິດສະໜາ, ຂະບວນແຫ່, ການຈູດບັ້ງໄຟດອກ, “ເທິງນ້ຳ”, ພ້ອມທັງຢູ່ໃນຫ້ອງໂຖງຂອງຄອບຄົວ ຫຼືພະລາຊະວັງ. ປະເພດຄອນເສີດທັງໝົດເຫຼົ່ານີ້ຕ້ອງໃຊ້ໃນເດືອນທັນວາ. ອົງປະກອບ O. ແລະຈໍານວນຂອງນັກສະແດງ. ໃນ "ດົນຕີສໍາລັບ Fireworks" ໂດຍ Handel, ປະຕິບັດຢູ່ລອນດອນ Green Park ໃນ 27 ເມສາ 1749, ພະລັງງານລົມແລະ percussion ພຽງແຕ່ (ຕໍາ່ສຸດທີ່ 56 ເຄື່ອງມື); ໃນ​ສະ​ບັບ​ຄອນ​ເສີດ​, ການ​ປະ​ຕິ​ບັດ​ຫນຶ່ງ​ເດືອນ​ຕໍ່​ມາ​ຢູ່​ໂຮງ​ຫມໍ Foundling​, ນັກ​ປະ​ພັນ​, ນອກ​ເຫນືອ​ໄປ​ຈາກ 9 trumpet​, 9 horn​, 24 oboes​, 12 bassoons​, percussion​, ຍັງ​ໄດ້​ນໍາ​ໃຊ້​ເຄື່ອງ​ສາຍ​. ໃນການພັດທະນາຂອງ conc ຕົວຈິງ. O. ບົດບາດທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່ທີ່ສຸດໄດ້ຖືກຫຼີ້ນໂດຍປະເພດດັ່ງກ່າວຂອງຍຸກ Baroque ເຊັ່ນ concerto grosso, solo concerto, orc. ຊຸດ. ການເອື່ອຍອີງຂອງນັກປະພັນກັບສິ່ງທີ່ມີຢູ່ - ໂດຍທົ່ວໄປແລ້ວນ້ອຍ - ອົງປະກອບແມ່ນສັງເກດເຫັນຢູ່ທີ່ນີ້ເຊັ່ນກັນ. ຢ່າງໃດກໍຕາມ, ເຖິງແມ່ນວ່າຢູ່ໃນກອບນີ້, ນັກປະພັນມັກຈະກໍານົດວຽກງານ virtuoso ແລະ timbre ພິເສດທີ່ກ່ຽວຂ້ອງກັບຮູບແບບຫ້ອງຂອງຄອນເສີດ homophonic-polyphonic. ພື້ນຖານ. ເຫຼົ່ານີ້ແມ່ນ 6 Brandenburg Concertos ຂອງ Bach (1721), ແຕ່ລະຄົນມີອົງປະກອບສ່ວນບຸກຄົນຂອງ soloists-ນັກສະແດງ, ແທ້ໂດຍ Bach. ໃນບາງກໍລະນີ, ນັກຂຽນໄດ້ຊີ້ໃຫ້ເຫັນເຖິງ decomp. variants ຂອງອົງປະກອບ ad libitum (A. Vivaldi).

ສັດ. ໂຄງສ້າງຂອງວົງດົນຕີຂອງຍຸກ Baroque ໄດ້ຮັບອິດທິພົນຈາກຫຼັກການ stereophonic (ໃນຄວາມຫມາຍທີ່ທັນສະໄຫມ) ຂອງດົນຕີຫຼາຍ choir. ແນວຄວາມຄິດຂອງ spatial juxtaposition ຂອງສຽງໄດ້ຖືກຮັບຮອງເອົາໃນສະຕະວັດທີ 17th. ຈາກ choir. antiphonal polyphony ຂອງສະຕະວັດທີ 16. ທີ່​ຕັ້ງ​ຂອງ choir ຫຼາຍ​. ແລະ instr. chapels ໃນ choirs ຂອງ cathedrals ຂະ ຫນາດ ໃຫຍ່ ໄດ້ ສ້າງ ຜົນ ກະ ທົບ ຂອງ ການ ແບ່ງ ປັນ ເຂດ ຂອງ sonority. ການປະຕິບັດນີ້ໄດ້ເລີ່ມຕົ້ນທີ່ຈະຖືກນໍາໃຊ້ຢ່າງກວ້າງຂວາງໃນວິຫານ St. Mark ໃນ Venice, ບ່ອນທີ່ G. Gabrieli ເຮັດວຽກ, ນາງຍັງຄຸ້ນເຄີຍກັບ G. Schutz, ຜູ້ທີ່ໄດ້ສຶກສາກັບລາວ, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບ S. Scheidt ແລະນັກປະພັນອື່ນໆ. ການສະແດງອອກທີ່ຮຸນແຮງຂອງປະເພນີຂອງຫຼາຍ choir wok.-instr. ຈົດຫມາຍໄດ້ຖືກປະຕິບັດໃນ 1628 ໃນວິຫານ Salzburg ໂດຍ O. Benevoli, ງານບຸນມະຫາຊົນ, ເຊິ່ງມັນໄດ້ 8 choirs (ຕາມຍຸກປະຈຸບັນ, ມີແມ້ກະທັ້ງ 12). ຜົນກະທົບຂອງແນວຄວາມຄິດຫຼາຍ choir ໄດ້ສະທ້ອນໃຫ້ເຫັນບໍ່ພຽງແຕ່ໃນ cult polyphonic. ດົນຕີ (Bach's Matthew Passion ໄດ້ຖືກຂຽນສໍາລັບ 2 choirs ແລະ 2 operas), ແຕ່ຍັງຢູ່ໃນປະເພດທາງໂລກ. ຫຼັກການຂອງ concerto grosso ແມ່ນການແບ່ງມະຫາຊົນທັງຫມົດຂອງນັກສະແດງອອກເປັນສອງກຸ່ມທີ່ບໍ່ເທົ່າທຽມກັນປະຕິບັດ decomp. ຫນ້າທີ່: concertino – ກຸ່ມຂອງ soloists ແລະ concerto grosso (concerto ໃຫຍ່) – ເປັນກຸ່ມປະກອບ, ຍັງຖືກນໍາໃຊ້ໃນ O. oratorio, opera (Handel).

ການຈັດວາງຂອງນັກດົນຕີ O. ຂອງໄລຍະ 1600-1750 ສະທ້ອນໃຫ້ເຫັນເຖິງແນວໂນ້ມທີ່ກ່າວມາຂ້າງເທິງທັງຫມົດ. ເທົ່າທີ່ແຜນວາດທີ່ໃຫ້ໂດຍນັກທິດສະດີຂອງສະຕະວັດທີ 18 ແລະການແກະສະຫຼັກອະນຸຍາດໃຫ້ພວກເຮົາຕັດສິນ, ສະຖານທີ່ຂອງນັກດົນຕີ O. ມີຄວາມແຕກຕ່າງກັນຢ່າງຫຼວງຫຼາຍຈາກທີ່ຖືກນໍາໃຊ້ຕໍ່ມາ. ທີ່ພັກຂອງນັກດົນຕີໃນ Opera House, conc. ຫ້ອງໂຖງຫຼືວິຫານຕ້ອງການວິທີແກ້ໄຂສ່ວນບຸກຄົນ. ສູນກາງຂອງ Opera opera ແມ່ນ chambalo ຂອງ bandmaster ແລະສຽງເບດທີ່ມີສາຍຕັ້ງຢູ່ໃກ້ກັບມັນ - cello ແລະ double bass. ທາງດ້ານຂວາຂອງ bandmaster ແມ່ນສາຍເຊືອກ. ເຄື່ອງ​ມື​, ຢູ່​ເບື້ອງ​ຊ້າຍ - ເຄື່ອງ​ມື​ລົມ (woodwinds ແລະ horns​)​, ເກັບ​ກໍາ​ຢູ່​ໃກ້​ກັບ​ຄັ້ງ​ທີ​ສອງ​, ປະ​ກອບ​ດ້ວຍ Cembalo​. Strings ໄດ້ຖືກຕັ້ງຢູ່ທີ່ນີ້. basses, theorbo, bassoons, ເຊິ່ງຮ່ວມກັບ cembalo ທີສອງປະກອບເປັນກຸ່ມ continuo.

ສະຖານທີ່ຂອງນັກດົນຕີໃນວົງດົນຕີ Opera ໃນສະຕະວັດທີ 18. (ຈາກຫນັງສື: Quantz J., Versuch einer Anweisung, die Flöte traversiere zu spielen, Berlin, p. 134).

ໃນຄວາມເລິກ (ເບື້ອງຂວາ) ທໍ່ແລະ timpani ສາມາດຖືກວາງໄວ້. ໃນອົງປະກອບຂອງຄອນເສີດ, soloists ຢູ່ໃນ foreground ຢູ່ໃກ້ກັບ bandmaster, ເຊິ່ງປະກອບສ່ວນກັບຄວາມສົມດູນຂອງ sonority. ລັກສະນະສະເພາະຂອງການຈັດບ່ອນນັ່ງດັ່ງກ່າວແມ່ນການລວມກັນຂອງອຸປະກອນທີ່ມີປະໂຫຍດຫຼາຍອັນທີ່ປະກອບເປັນກຸ່ມສຽງທີ່ແຍກອອກເປັນສ່ວນໆໄດ້: 2 ກຸ່ມ continuo, ກຸ່ມ concertino ໃນ concerto, ບາງຄັ້ງໃນ Opera, 2 ກຸ່ມຕັດກັນຂະຫນາດໃຫຍ່ (ສາຍ, ໄມ້) ປະມານ 2 cembalos. . ໂຄງສ້າງດັ່ງກ່າວຕ້ອງການການຈັດການຫຼາຍຂັ້ນຕອນ. ບາງສ່ວນຂອງນັກສະແດງປະຕິບັດຕາມ chambalo ມາພ້ອມກັບ, O. ໂດຍລວມ, ປະຕິບັດຕາມ chambalo ຂອງ bandmaster. ວິທີການຂອງການຄວບຄຸມຄູ່ຍັງໄດ້ຖືກນໍາໃຊ້ຢ່າງກວ້າງຂວາງ (ເບິ່ງການດໍາເນີນການ).

A. ຊັ້ນ 2. 18 – ຂໍ. ສະຕະວັດທີ 20 O. ໄລຍະເວລານີ້, ກວມເອົາ decomp ດັ່ງກ່າວ. ປະກົດການ stylistic ເຊັ່ນ: ໂຮງຮຽນຄລາສສິກ Viennese, romanticism, ເອົາຊະນະ romantic ໄດ້. ແນວ​ໂນ້ມ​, ຄວາມ​ປະ​ທັບ​ໃຈ​ແລະ​ຈໍາ​ນວນ​ຫຼາຍ dissimilar ກັບ​ແຕ່​ລະ​ຄົນ​, ຜູ້​ທີ່​ມີ​ຂອງ​ຕົນ​ເອງ​. ວິວັດທະນາການຂອງໂຮງຮຽນແຫ່ງຊາດ, ແນວໃດກໍ່ຕາມ, ມີລັກສະນະເປັນຂະບວນການທົ່ວໄປດຽວ. ນີ້ແມ່ນການພັດທະນາຂອງ orc. ອຸປະກອນ, ເຊື່ອມຕໍ່ inextricably ກັບການແບ່ງປັນຢ່າງຈະແຈ້ງຂອງໂຄງສ້າງໃນແນວຕັ້ງບົນພື້ນຖານຂອງປະສົມກົມກຽວ homophonic. ຄິດ. ມັນພົບເຫັນການສະແດງອອກໃນໂຄງສ້າງທີ່ເປັນປະໂຫຍດຂອງ orc. fabric (ເນັ້ນໃສ່ຫນ້າທີ່ຂອງ melody, bass, ປະສົມກົມກຽວແບບຍືນຍົງ, orc. pedal, counterpoint, ຕົວເລກໃນມັນ). ພື້ນຖານຂອງຂະບວນການນີ້ແມ່ນວາງໄວ້ໃນຍຸກຂອງ muses Viennese. ຄລາສິກ. ໃນຕອນທ້າຍຂອງມັນ, orc ໄດ້ຖືກສ້າງຂື້ນ. ອຸປະກອນ (ທັງໃນແງ່ຂອງອົງປະກອບຂອງເຄື່ອງມືແລະອົງການຈັດຕັ້ງທີ່ມີປະໂຫຍດພາຍໃນ), ເຊິ່ງໄດ້ກາຍເປັນ, ຍ້ອນວ່າມັນແມ່ນ, ຈຸດເລີ່ມຕົ້ນສໍາລັບການພັດທະນາຕໍ່ໄປຂອງ romantics ແລະ composers ໃນລັດເຊຍ. ໂຮງຮຽນ.

ສັນຍານທີ່ສໍາຄັນທີ່ສຸດຂອງການໃຫຍ່ເຕັມຕົວແມ່ນປະສົມກົມກຽວ homophonic. ແນວໂນ້ມໃນ orc. ແນວ​ຄິດ​ດົນ​ຕີ – withering ໄປ​ໃນ​ໄຕ​ມາດ​ທີ 3​. ສະຕະວັດທີ 18 ກຸ່ມ basso continuo ຫນ້າທີ່ປະກອບຂອງ cembalo ແລະອະໄວຍະວະເຂົ້າມາຂັດກັບບົດບາດການຂະຫຍາຍຕົວຂອງ orc ທີ່ເຫມາະສົມ. ຄວາມກົມກຽວກັນ. orc ມະນຸດຕ່າງດາວຫຼາຍກວ່າແລະຫຼາຍ. ຍຸກສະໄໝຍັງຈິນຕະນາການເອົາສຽງແຄນຂອງ harpsichord ອອກມາ. ຢ່າງໃດກໍຕາມ, ໃນປະເພດໃຫມ່ - symphonies - ເຄື່ອງມືແປ້ນພິມທີ່ປະຕິບັດຫນ້າທີ່ basso continuo (chembalo) ແມ່ນຂ້ອນຂ້າງທົ່ວໄປ - ໃນບາງ symphonies ຂອງໂຮງຮຽນ Mannheim (J. Stamitz, A. Fils, K. Cannabih), ໃນຕົ້ນປີ. symphonies ຂອງ J. Haydn. ໄປໂບດ. ໃນດົນຕີ, ຟັງຊັນ basso continuo ຢູ່ລອດຈົນກ່ວາ 90s. ສະຕະວັດທີ 18 (Mozart's Requiem, Haydn's Masses).

ໃນການເຮັດວຽກຂອງນັກປະພັນຂອງຄລາສສິກ Viennese ໄດ້. ໂຮງຮຽນກໍາລັງຄິດຄືນການແບ່ງສ່ວນເຂົ້າໄປໃນໂບດ, ໂຮງລະຄອນແລະອົງປະກອບຂອງ O. ຕັ້ງແຕ່ເລີ່ມຕົ້ນ. ສະຕະວັດທີ 19 ຄໍາວ່າ "ໂບດ O." ຕົວຈິງແລ້ວໄດ້ຕົກເຂົ້າໄປໃນ disuse. ຄໍາວ່າ "ສະພາ" ໄດ້ເລີ່ມຕົ້ນທີ່ຈະນໍາໃຊ້ກັບ ensembles, ກົງກັນຂ້າມກັບ orc. ການປະຕິບັດ. ໃນເວລາດຽວກັນ, ຄວາມແຕກຕ່າງລະຫວ່າງວົງດົນຕີ Operatic ແລະ Concert ຂອງ Opera ໄດ້ກາຍເປັນຄວາມສໍາຄັນທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່. ຖ້າອົງປະກອບຂອງ Opera O. ແມ່ນແລ້ວສະຕະວັດທີ 18. ຈໍາແນກໂດຍຄວາມສົມບູນແລະຄວາມຫລາກຫລາຍຂອງເຄື່ອງມື, ຫຼັງຈາກນັ້ນ conc ຕົວຈິງ. ອົງປະກອບຂອງ, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບປະເພດຂອງ symphony ແລະ solo concerto ດ້ວຍຕົນເອງ, ແມ່ນຢູ່ໃນໄວເດັກ, ສິ້ນສຸດພຽງແຕ່ L. Beethoven.

ການໄປເຊຍກັນຂອງອົງປະກອບຂອງ O. ໄດ້ດໍາເນີນໄປຄຽງຄູ່ກັບການຕໍ່ອາຍຸຂອງເຄື່ອງມື. ໃນຊັ້ນທີ 2. ສະຕະວັດທີ 18 ເນື່ອງຈາກການປ່ຽນແປງຂອງຄວາມງາມ. ອຸດົມການຈາກດົນຕີ. ການປະຕິບັດຫາຍໄປ. ເຄື່ອງມື – theorbos, viols, oboes d'amore, flutes ຕາມລວງຍາວ. ເຄື່ອງ​ມື​ໃຫມ່​ໄດ້​ຖືກ​ອອກ​ແບບ​ທີ່​ເສີມ​ຂະ​ຫຍາຍ​ຂະ​ຫນາດ timbre ແລະ tessitura ຂອງ O. ubiquity ໃນ Opera ໃນ 80s ໄດ້. ສະຕະວັດທີ 18 ໄດ້ຮັບ clarinet ອອກແບບ (c. 1690) ໂດຍ I. Denner. ການນໍາຂອງ clarinet ກັບ symphony ໄດ້. O. ສິ້ນສຸດລົງໃນຕອນເລີ່ມຕົ້ນ. ສະຕະວັດທີ 19 ການສ້າງຕັ້ງຂອງວິນຍານໄມ້. ກຸ່ມ. The basset horn (corno di bassetto), ເປັນແນວພັນ alto ຂອງ clarinet ໄດ້, ຢູ່ລອດໄລຍະເວລາສັ້ນຂອງຄວາມຈະເລີນຮຸ່ງເຮືອງ. ໃນການຊອກຫາຂອງຈິດໃຈຕ່ໍາ. composers bass ໄດ້ຫັນໄປຫາ contrabassoon (oratorio ຂອງ Haydn).

ໃນຊັ້ນທີ 2. ສະຕະວັດທີ 18 ນັກປະພັນຍັງຂຶ້ນກັບອົງປະກອບທີ່ມີຢູ່ຂອງ O. ປົກກະຕິແລ້ວອົງປະກອບຂອງຄລາສສິກຕົ້ນ. O. 1760-70s. ຫຼຸດລົງເປັນ 2 oboes, 2 horn ແລະຊ່ອຍແນ່. ມັນບໍ່ເປັນເອກະພາບໃນເອີຣົບ. O. ແລະຈໍານວນຂອງເຄື່ອງມືພາຍໃນສາຍ. ກຸ່ມ. adv. O., ໃນ Krom ມີຫຼາຍກວ່າ 12 ສາຍ. ເຄື່ອງມື, ໄດ້ຖືກພິຈາລະນາຂະຫນາດໃຫຍ່. ຢ່າງໃດກໍຕາມ, ມັນແມ່ນຢູ່ໃນຊັ້ນທີ 2. ສະຕະວັດທີ 18 ໃນການພົວພັນກັບປະຊາທິປະໄຕຂອງດົນຕີ. ຊີວິດ, ຄວາມຕ້ອງການສໍາລັບອົງປະກອບທີ່ຫມັ້ນຄົງຂອງ O. ເພີ່ມຂຶ້ນ. ໃນເວລານີ້, ຄົງທີ່ໃຫມ່ O., pl. ຕໍ່ມາໄດ້ກາຍເປັນທີ່ຮູ້ຈັກຢ່າງກວ້າງຂວາງ: O. "ຄອນເສີດທາງວິນຍານ" (concert spirituel) ໃນປາຣີ, O. Gewandhaus ໃນ Leipzig (1781), O. Ob-va ຄອນເສີດຂອງ conservatory ໃນປາຣີ (1828). (ເບິ່ງຕາຕະລາງ 2)

ໃນລັດເຊຍ, ຂັ້ນຕອນທໍາອິດໃນການສ້າງ O. ໄດ້ຖືກປະຕິບັດພຽງແຕ່ໃນເຄິ່ງທີ່ສອງ. ສະຕະວັດທີ 2 ໃນ 17, ໃນການພົວພັນກັບການສ້າງ adv. t-ra ກັບ Moscow ໄດ້ເຊື້ອເຊີນຕ່າງປະເທດ. ນັກດົນຕີ. ໃນຕອນເລີ່ມຕົ້ນ. ສະຕະວັດທີ 1672 ເປໂຕທີ I ໄດ້ແນະນໍາດົນຕີທະຫານເຂົ້າໄປໃນລັດເຊຍ (ເບິ່ງດົນຕີທະຫານ). ໃນປີ 18s. ສະຕະວັດທີ 30 ກັບພາສາລັດເຊຍ ຊີວິດການສະແດງລະຄອນແລະຄອນເສີດພັດທະນາຢູ່ໃນເດີ່ນ. ໃນ 18, ລັດຂອງສານທໍາອິດໄດ້ຖືກສ້າງຕັ້ງຂຶ້ນໃນ St. O., ປະກອບດ້ວຍຕ່າງປະເທດ. ນັກດົນຕີ (ກັບລາວມີນັກຮຽນລັດເຊຍ). ວົງດົນຕີປະກອບມີສາຍ, ປຸ້ງຢູ່ໂຄນ, ເບສໂຊນ, ວົງດົນຕີທອງເຫລືອງທີ່ບໍ່ມີ trombones, timpani, ແລະ clavi-chambalos (ທັງໝົດມີເຖິງ 1731 ຄົນ). ໃນປີ 40, ຄົນອິຕາລີໄດ້ຖືກເຊີນໄປ St. ຄະນະລະຄອນໂອເປຣານໍາໂດຍ F. Araya, ລັດເຊຍຫຼິ້ນໃນ O. adv. ນັກດົນຕີ. ໃນຊັ້ນທີ 1735. ສະຕະວັດທີ 2 adv. O. ຖືກແບ່ງອອກເປັນ 18 ກຸ່ມ: "ນັກດົນຕີກ້ອງຂອງ O ທໍາອິດ." (ອີງຕາມລັດ 2-1791 ຄົນ, ນັກດົນຕີ K. Canobbio) ແລະ "ນັກດົນຕີ O. ທີສອງແມ່ນຫ້ອງບານດຽວກັນ" (47 ຄົນ, ປະກອບກັບ VA Pashkevich). ທໍາອິດ O. ເກືອບທັງຫມົດປະກອບດ້ວຍຊາວຕ່າງປະເທດ, ທີສອງ - ຈາກລັດເຊຍ. ນັກດົນຕີ. Serfs ໄດ້ແຜ່ຂະຫຍາຍ; ບາງສ່ວນຂອງເຂົາເຈົ້າເປັນມືອາຊີບສູງ. ວົງດົນຕີຂອງ NP Sheremetev (ຊັບສິນຂອງ Ostankino ແລະ Kuskovo, ນັກດົນຕີ 43 ຄົນ) ໄດ້ຮັບຊື່ສຽງທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່.

ໃນ symph. ການເຮັດວຽກຂອງ L. Beethoven ສຸດທ້າຍໄດ້ໄປເຊຍກັນຂອງ "ຄລາສສິກ", ຫຼື "Beethovenian", ອົງປະກອບຂອງ symphonies. A: ສາຍ, ຄູ່ຂອງລົມໄມ້ (2 ປຸ້ງ, 2 oboes, 2 clarinets, 2 bassoons), 2 (3 ຫຼື 4) horn, 2 trumpets, 2 timpani (ໃນເຄິ່ງທີ່ 2 ຂອງສະຕະວັດທີ 19, ມັນໄດ້ຖືກຈັດປະເພດເປັນຂະຫນາດນ້ອຍ. ສັນຍາລັກອົງປະກອບ O.). ດ້ວຍ symphony ທີ 9 (1824), Beethoven ໄດ້ວາງພື້ນຖານສໍາລັບອົງປະກອບຂະຫນາດໃຫຍ່ (ໃນຄວາມຫມາຍທີ່ທັນສະໄຫມ) ຂອງ symphonies. A: ສາຍ, ຄູ່ລົມໄມ້ທີ່ມີເຄື່ອງມືເພີ່ມເຕີມ (2 flutes ແລະ flute ນ້ອຍ, 2 oboes, 2 clarinets, 2 bassoons ແລະ contrabassoon), 4 horns, 2 trumpets, 3 trombones (ທໍາອິດໃຊ້ໃນຂັ້ນສຸດທ້າຍຂອງ symphony ທີ 5), timpani. , ສາມຫຼ່ຽມ, ງ່າມ, ເບສກອງ. ເກືອບໃນເວລາດຽວກັນ. (1822) 3 trombones ຍັງຖືກນໍາໃຊ້ໃນ F. Schubert ຂອງ "Symphony Unfinished" ຂອງ. ໃນ Opera Opera ຂອງສະຕະວັດທີ 18. ໃນ​ການ​ເຊື່ອມ​ຕໍ່​ກັບ​ສະ​ຖາ​ນະ​ການ​ຂັ້ນ​ຕອນ​ຂອງ​ການ​ລວມ​ມີ​ເຄື່ອງ​ມື​ທີ່​ບໍ່​ໄດ້​ລວມ​ຢູ່​ໃນ conc ໄດ້​. ອົງປະກອບຂອງສັນຍາລັກ A: piccolo, contrabassoon. ໃນ​ກຸ່ມ percussion​, ນອກ​ເຫນືອ​ໄປ​ຈາກ timpani​, ດໍາ​ເນີນ​ການ rhythmic​. ຟັງຊັນ, ສະມາຄົມຄົງທີ່ປາກົດ, ສ່ວນຫຼາຍມັກໃຊ້ໃນພາກຕາເວັນອອກ (ອັນທີ່ເອີ້ນວ່າ "ດົນຕີຕວກກີ" ຫຼື "ດົນຕີ Janissary"): ເປັນ drum bass, cymbals, ສາມຫຼ່ຽມ, ບາງຄັ້ງ drum snare ("Iphigenia in Tauris" ໂດຍ Gluck, "The ການລັກພາຕົວຫນີຈາກ Seraglio” ໂດຍ Mozart). ໃນພະແນກໃນບາງກໍລະນີ, ລະຄັງປາກົດ (Glcckenspiel, Mozart's Magic Flute), tam-toms (Gosseca's Funeral March for the Death of Mirabeau, 1791).

ທົດສະວັດທໍາອິດຂອງສະຕະວັດທີ 19. ຫມາຍໂດຍການປັບປຸງຮາກຂອງຈິດໃຈ. ເຄື່ອງ​ມື​ທີ່​ລົບ​ລ້າງ​ຂໍ້​ບົກ​ຜ່ອງ​ເຊັ່ນ intonation ທີ່​ບໍ່​ຖືກ​ຕ້ອງ​, ຂາດ chromatic​. ເກັດຂອງເຄື່ອງມືທອງເຫຼືອງ. ປຸຍ, ແລະຕໍ່ມາວິນຍານໄມ້ອື່ນໆ. ເຄື່ອງມືໄດ້ຖືກຕິດຕັ້ງດ້ວຍກົນໄກປ່ຽງ (ການປະດິດຂອງ T. Boehm), horns ທໍາມະຊາດແລະທໍ່ໄດ້ຖືກຕິດຕັ້ງດ້ວຍກົນໄກປ່ຽງ, ເຊິ່ງເຮັດໃຫ້ຂະຫນາດຂອງພວກມັນເປັນ chromatic. ໃນປີ 30s. A. Sachs ໄດ້ປັບປຸງ bass clarinet ແລະອອກແບບເຄື່ອງມືໃຫມ່ (saxhorns, saxophones).

ແຮງຈູງໃຈໃຫມ່ໃນການພັດທະນາຂອງ O. ໄດ້ຖືກມອບໃຫ້ໂດຍ romanticism. ມີຄວາມຈະເລີນຮຸ່ງເຮືອງຂອງດົນຕີໂຄງການ, ພູມສັນຖານແລະ fantastic. ອົງປະກອບໃນ Opera, ການຄົ້ນຫາສໍາລັບ orc ມາຮອດກ່ອນ. ສີແລະລະຄອນ. ການສະແດງອອກຂອງ timbre. ໃນຂະນະດຽວກັນ, ນັກປະພັນ (KM Weber, P. Mendelssohn, P. Schubert) ໃນເບື້ອງຕົ້ນຍັງຄົງຢູ່ໃນກອບຂອງອົງປະກອບຂອງ Opera (ໃນ Opera ທີ່ມີການມີສ່ວນຮ່ວມຂອງແນວພັນ: ປຸ້ງຢູ່ໂຄນຂະຫນາດນ້ອຍ, horn ພາສາອັງກິດ, ແລະອື່ນໆ). ການນໍາໃຊ້ທາງດ້ານເສດຖະກິດຂອງຊັບພະຍາກອນຂອງ O. ແມ່ນປະກົດຢູ່ໃນ MI Glinka. Coloristic ຄວາມຮັ່ງມີຂອງ O. ລາວແມ່ນບັນລຸໄດ້ບົນພື້ນຖານຂອງຊ່ອຍແນ່. ກຸ່ມລົມແລະຄູ່ (ມີເຄື່ອງມືເພີ່ມເຕີມ); ລາວຕິດ trombones ກັບ horns ແລະທໍ່ (3, ບໍ່ຄ່ອຍ 1). G. Berlioz ໄດ້ເອົາບາດກ້າວທີ່ຕັດສິນໃຈໃນການນໍາໃຊ້ຄວາມເປັນໄປໄດ້ໃຫມ່ຂອງ O.. ການນໍາສະເຫນີຄວາມຕ້ອງການທີ່ເພີ່ມຂຶ້ນສໍາລັບລະຄອນ, ຂະຫນາດຂອງສຽງ, Berlioz ໄດ້ຂະຫຍາຍອົງປະກອບຂອງ O. ໃນ Fantastic Symphony (1830), ລາວໄດ້ເພີ່ມສາຍ. ກຸ່ມ, ຊີ້ບອກຈໍານວນນັກສະແດງໃນຄະແນນທີ່ແນ່ນອນ: ໄວໂອລິນທໍາອິດ 15 ແລະ 15 ທີສອງ, 10 violas, 11 cellos, 9 double basses. ໃນ op ນີ້. ໃນການພົວພັນກັບໂຄງການເນັ້ນຫນັກຂອງລາວ, ນັກປະພັນໄດ້ຍ້າຍອອກໄປຈາກຄວາມແຕກຕ່າງທີ່ເຄັ່ງຄັດໃນອະດີດລະຫວ່າງ Opera ແລະຄອນເສີດ. ອົງປະກອບໂດຍການໃສ່ໃນສັນຍາລັກ. O. ມີລັກສະນະສີ. ເຄື່ອງມືວາງແຜນ, ເປັນພາສາອັງກິດ. horn, clarinet ຂະຫນາດນ້ອຍ, harps (2), ລະຄັງ. ຂະຫນາດຂອງກຸ່ມທອງແດງເພີ່ມຂຶ້ນ, ນອກເຫນືອໄປຈາກ 4 horns, 2 trumpets ແລະ 3 trombones, ມັນປະກອບມີ 2 cornets-a-piston ແລະ 2 ophicleides (ຕໍ່ມາແທນທີ່ດ້ວຍ tubas).

ວຽກງານຂອງ R. Wagner ໄດ້ກາຍເປັນຍຸກປະຫວັດສາດຂອງ O. Koloristich. ການຄົ້ນຫາແລະຄວາມພະຍາຍາມສໍາລັບຄວາມຫນາແຫນ້ນຂອງໂຄງສ້າງທີ່ມີຢູ່ແລ້ວໃນ Lohengrin ເຮັດໃຫ້ການເພີ່ມຂື້ນຂອງ orc. ເຖິງອົງປະກອບສາມຢ່າງ (ໂດຍປົກກະຕິແລ້ວ 3 ປຸ້ງ ຫຼື 2 ຂຸ່ຍ ແລະ ຂຸ່ຍນ້ອຍ, 3 oboes ຫຼື 2 oboes ແລະເຂົາພາສາອັງກິດ, 3 clarinets ຫຼື 2 clarinets ແລະ bass clarinet, 3 bassoons ຫຼື 2 bassoons ແລະ contrabassoon, 4 horn, 3 trumpets, 3 trombone, bass tuba, drums, ສາຍ). ໃນຊຸມປີ 1840 ໄດ້ສໍາເລັດການສ້າງຕັ້ງທີ່ທັນສະໄຫມ. ກຸ່ມທອງແດງ, ເຊິ່ງປະກອບມີ 4 horns, 2-3 trumpets, 3 trombones ແລະ tuba (ທໍາອິດແນະນໍາໂດຍ Wagner ໃນ Faust overture ແລະໃນ Opera Tannhäuser). ໃນ "ວົງຂອງ Nibelung" O. ໄດ້ກາຍເປັນສະມາຊິກທີ່ສໍາຄັນທີ່ສຸດຂອງ muses. ລະຄອນ. ບົດບາດຊັ້ນນໍາຂອງ timbre ໃນລັກສະນະ leitmotif ແລະການຄົ້ນຫາລະຄອນ. ການສະແດງອອກແລະນະໂຍບາຍດ້ານ. ພະລັງຂອງສຽງໄດ້ກະຕຸ້ນໃຫ້ນັກປະພັນແນະນຳຂະໜາດໄມ້ທີ່ແຕກຕ່າງສະເພາະເຂົ້າໃນ O. (ໂດຍການເພີ່ມແນວພັນ tessitura ຂອງເຄື່ອງມືລົມ ແລະທໍ່ໄມ້). ອົງປະກອບຂອງ O., ດັ່ງນັ້ນ, ເພີ່ມຂຶ້ນເປັນ quadruple. Wagner ໄດ້ເສີມສ້າງກຸ່ມທອງແດງດ້ວຍ quartet ຂອງ horn ຝຣັ່ງ (ຫຼື "Wagner") tubas ອອກແບບຕາມຄໍາສັ່ງຂອງລາວ (ເບິ່ງ Tuba). ຄວາມຮຽກຮ້ອງຕ້ອງການຂອງນັກປະພັນກ່ຽວກັບເຕັກນິກ virtuoso orc ໄດ້ເຕີບໃຫຍ່ຂຶ້ນຢ່າງຫຼວງຫຼາຍ. ນັກດົນຕີ.

ເສັ້ນທາງທີ່ອະທິບາຍໂດຍ Wagner (ບາງສ່ວນສືບຕໍ່ໂດຍ A. Bruckner ໃນປະເພດ symphony) ບໍ່ແມ່ນທາງດຽວ. ໃນເວລາດຽວກັນໃນການເຮັດວຽກຂອງ I. Brahms, J. Bizet, S. Frank, G. Verdi, ໃນບັນດານັກປະພັນລັດເຊຍ. ໂຮງຮຽນກໍາລັງພັດທະນາສາຍ "ຄລາສສິກ" ຂອງ orchestration ແລະຄິດຄືນໃຫມ່ຈໍານວນຂອງ romantic. ແນວໂນ້ມ. ໃນວົງດົນຕີຂອງ PI Tchaikovsky, ການຄົ້ນຫາທາງດ້ານຈິດໃຈ. ການສະແດງອອກຂອງໄມ້ໄດ້ຖືກລວມເຂົ້າກັບການນໍາໃຊ້ທີ່ປະຫຍັດທີ່ສຸດຂອງ ork. ທຶນ. ປະຕິເສດການຂະຫຍາຍ orc. ອຸປະກອນໃນ symphonies (ອົງປະກອບຂອງຄູ່, ມັກຈະປະກອບມີ 3 flutes), composer ພຽງແຕ່ໃນໂຄງການເຮັດວຽກ, ໃນ operas ຕໍ່ມາແລະ ballets ໄດ້ຫັນໄປຫາການປະກອບ. ສີ orc. palettes (ເຊັ່ນ: horn ພາສາອັງກິດ, bass clarinet, harp, celesta ໃນ Nutcracker). ໃນການເຮັດວຽກຂອງ NA Rimsky-Korsakov, ວຽກງານອື່ນໆແມ່ນ fantastic. ການໃສ່ສີ, ສາຍຕາໄດ້ກະຕຸ້ນນັກປະພັນໃຫ້ໃຊ້ຢ່າງກວ້າງຂວາງ (ໂດຍບໍ່ເກີນການປະກອບຂອງຄູ່ - triple ແລະ triple) ທັງໄມ້ຢືນຕົ້ນຕົ້ນຕໍແລະລັກສະນະຂອງການເສີມ O. K. clarinet ຂະຫນາດນ້ອຍ, ແນວພັນ alto ຂອງ flute ແລະ trumpet ໄດ້ຖືກເພີ່ມເຂົ້າໃນເຄື່ອງມື, ຈໍານວນຂອງເຄື່ອງມື percussion ປະຕິບັດຫນ້າທີ່ອອກແບບແລະຕົກແຕ່ງເພີ່ມຂຶ້ນ, keyboards ໄດ້ຖືກນໍາສະເຫນີ (ຕາມປະເພນີ Glinka - fp., ເຊັ່ນດຽວກັນກັບອະໄວຍະວະ). ການຕີຄວາມຂອງວົງດົນຕີໂດຍ NA Rimsky-Korsakov, ຮັບຮອງເອົາໂດຍລັດເຊຍ. ນັກປະພັນຂອງລຸ້ນຫນຸ່ມ (AK Glazunov, AK Lyadov, IF Stravinsky ໃນຊ່ວງຕົ້ນໆຂອງຄວາມຄິດສ້າງສັນ), ມີອິດທິພົນໃນຂອບເຂດຂອງ orc. ສີແລະວຽກງານຂອງຕາເວັນຕົກເອີຣົບ. ນັກປະພັນ – O. Respighi, M. Ravel.

ມີບົດບາດສໍາຄັນໃນການພັດທະນາແນວຄິດຂອງໄມ້ໃນສະຕະວັດທີ 20. ວົງດົນຕີຂອງ C. Debussy ຫຼິ້ນ. ການເພີ່ມຄວາມສົນໃຈກັບສີເຮັດໃຫ້ການໂອນຫນ້າທີ່ຂອງຫົວຂໍ້ໄປສູ່ການແຍກຕ່າງຫາກ. ສິ່ງລະດົມໃຈ ຫຼືໂຄງສ້າງ-ພື້ນຫຼັງ ແລະສີສັນ. ອົງປະກອບຂອງຜ້າ, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບຄວາມເຂົ້າໃຈຂອງ fonich. ດ້ານ O. ເປັນປັດໃຈຮູບແບບ. ແນວໂນ້ມເຫຼົ່ານີ້ໄດ້ກໍານົດຄວາມແຕກຕ່າງເລັກນ້ອຍຂອງ orc. ໃບເກັບເງິນ.

ການພັດທະນາເພີ່ມເຕີມຂອງທ່າອ່ຽງ Wagnerian ນໍາໄປສູ່ການ verge ຂອງສະຕະວັດທີ 19-20th. ການສ້າງຕັ້ງໃນການເຮັດວຽກຂອງນັກປະພັນຈໍານວນຫນຶ່ງ (G. Mahler, R. Strauss; Rimsky-Korsakov ໃນ Mlada, AN Scriabin, ແລະຍັງ Stravinsky ໃນ Rite of Spring) ຂອງອັນທີ່ເອີ້ນວ່າ super-orchestra - ຂະຫຍາຍເມື່ອທຽບໃສ່ກັບ ອົງປະກອບຂອງ quadruple ຂອງ O. Mahler ແລະ Scriabin ນໍາໃຊ້ອົງປະກອບ orchestral ທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່ເພື່ອສະແດງທັດສະນະຂອງໂລກຂອງເຂົາເຈົ້າ. ແນວຄວາມຄິດ. apogee ຂອງແນວໂນ້ມນີ້ແມ່ນນັກສະແດງ. ອົງປະກອບຂອງ symphony ທີ 8 ຂອງ Mahler (8 soloists, 2 choirs ປະສົມ, choir ຂອງເດັກນ້ອຍຊາຍ, ຫ້າອົງປະກອບຂອງ symphony O. ຂະຫນາດໃຫຍ່ທີ່ມີສາຍເສີມ, ຈໍານວນຂະຫນາດໃຫຍ່ຂອງ percussion ແລະອຸປະກອນຕົກແຕ່ງ, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບອະໄວຍະວະ).

ເຄື່ອງມື Percussion ໃນສະຕະວັດທີ 19 ບໍ່ໄດ້ສ້າງຕັ້ງສະມາຄົມທີ່ຫມັ້ນຄົງ. ມາຮອດຕົ້ນສະຕະວັດທີ 20, ກຸ່ມຕົບແຕ່ງເຄື່ອງຕົບແຕ່ງໄດ້ຂະຫຍາຍອອກໄປຢ່າງເຫັນໄດ້ຊັດ. ນອກ​ຈາກ​ຕີມ​ປາ​ນີ​ແລ້ວ, ​ຍັງ​ມີ​ກອງ​ກອງ​ໃຫຍ່​ແລະ​ງ່າ​ງ, ​ເຄື່ອງ​ຕີ, ສຽງ​ສະ​ແດງ, ​ເຄື່ອງ​ຕີ​ຮູບ​ສາມ​ຫລ່ຽມ, ສຽງ​ຄ້ອງ, ສຽງ​ກະ​ເປົ໋າ, ລະ​ຄັງ, ກະ​ລະ​ຄັງ, ລະ​ຄອນ. harp (1 ແລະ 2), celesta, pianoforte, ແລະອະໄວຍະວະມັກຈະຖືກລວມຢູ່ໃນ O. ຂະຫນາດໃຫຍ່, ຫນ້ອຍລົງ - "ເຄື່ອງດົນຕີສໍາລັບໂອກາດ": rattle, ເຄື່ອງລົມ, clapperboard, ແລະອື່ນໆໃນກາງ. ແລະ con. ສະຕະວັດທີ 19 orcs ໃໝ່ ສືບຕໍ່ສ້າງຂື້ນ. ensembles: New York Philharmonic Orchestra (1842); ຖັນ orchestra ໃນປາຣີ (1873); Orchestra ຂອງ Wagner Festival ໃນ Bayreuth (1876); Boston Orchestra (1881); ວົງດົນຕີ Lamoureux ໃນປາຣີ (1881); Court Orchestra ("Court Musical Choir") ໃນ St. Petersburg (1882; ໃນປັດຈຸບັນ Symphony ວິຊາການຂອງ O. Leningrad Philharmonic).

ໃນສະຕະວັດທີ 19 O., ກົງກັນຂ້າມກັບ O. ຂອງໄລຍະເວລາ Baroque, monochoirism ຊະນະ. ຢ່າງໃດກໍຕາມ, ໃນດົນຕີຂອງ Berlioz, ຫຼາຍ choir ອີກເທື່ອຫນຶ່ງພົບເຫັນຄໍາຮ້ອງສະຫມັກ. ໃນ Tuba mirum ຈາກ "Requiem", ຂອງ Berlioz, ຂຽນສໍາລັບຊຸດໃຫຍ່ຂອງ symphonies ຂະຫນາດໃຫຍ່. O., ນັກສະແດງແບ່ງອອກເປັນ 5 ກຸ່ມ: symphony. O. ແລະ 4 ກຸ່ມເຄື່ອງມືທອງແດງຕັ້ງຢູ່ມຸມຂອງວັດ. ໃນ Opera (ເລີ່ມຕົ້ນດ້ວຍ Mozart's Don Giovanni) ແນວໂນ້ມດັ່ງກ່າວຍັງປາກົດ: O. "ເທິງເວທີ", "ຫລັງເວທີ", ສຽງຂອງນັກຮ້ອງແລະ instr. solo "ຫລັງເວທີ" ຫຼື "ຊັ້ນເທິງ" (Wagner). ຄວາມຫຼາກຫຼາຍຂອງພື້ນທີ່. ການຈັດວາງນັກສະແດງໄດ້ພົບເຫັນການພັດທະນາໃນວົງດົນຕີຂອງ G. Mahler.

ໃນການຈັດບ່ອນນັ່ງຂອງນັກດົນຕີ O. ໃນຊັ້ນ 2. ສະຕະວັດທີ 18 ແລະແມ້ແຕ່ຢູ່ໃນສະຕະວັດທີ 19. ການຮັກສາໄວ້ບາງສ່ວນແມ່ນການຕັດແລະການແຍກຂອງສະລັບສັບຊ້ອນໄມ້, ເຊິ່ງເປັນລັກສະນະຂອງ Baroque O.. ຢ່າງໃດກໍຕາມ, ແລ້ວໃນປີ 1775 IF Reichardt ໄດ້ວາງຫຼັກການໃຫມ່ຂອງບ່ອນນັ່ງ, ໂດຍເນື້ອແທ້ແລ້ວຂອງການປະສົມແລະການຜະສົມຂອງໄມ້. violins ທໍາອິດແລະທີສອງແມ່ນຕັ້ງຢູ່ເບື້ອງຂວາແລະຊ້າຍຂອງ conductor ໃນເສັ້ນຫນຶ່ງ, violas ໄດ້ຖືກແບ່ງອອກເປັນສອງສ່ວນແລະປະກອບເປັນແຖວຕໍ່ໄປ, ວິນຍານ. ເຄື່ອງມືໄດ້ຖືກວາງໄວ້ທາງຫລັງຂອງພວກເຂົາໃນຄວາມເລິກ. ບົນພື້ນຖານນີ້, ສະຖານທີ່ຂອງ orc ຕໍ່ມາໄດ້ເກີດຂື້ນ. ນັກດົນຕີ, ເຊິ່ງແຜ່ຂະຫຍາຍຢູ່ໃນຊັ້ນ 19 ແລະຊັ້ນ 1. ສະຕະວັດທີ 20 ແລະຕໍ່ມາໄດ້ຮັບຊື່ຂອງການຈັດບ່ອນນັ່ງ "ເອີຣົບ": violins ທໍາອິດ - ຊ້າຍຂອງ conductor, ທີສອງ - ໄປທາງຂວາ, violas ແລະ cellos - ຫລັງພວກເຂົາ, woodwinds - ຊ້າຍຂອງ conductor, ທອງເຫຼືອງ. - ໄປທາງຂວາ (ໃນໂອເປຣາ) ຫຼືເປັນສອງເສັ້ນ: ໄມ້ທໍາອິດ, ຫລັງພວກເຂົາ - ທອງແດງ (ໃນຄອນເສີດ), ຫລັງ - drums, double basses (ເບິ່ງຮູບຂ້າງເທິງ).

O. ໃນສະຕະວັດທີ 20. (ຫຼັງສົງຄາມໂລກຄັ້ງທີ 1 1914-18).

ສະຕະວັດທີ 20 ໄດ້ວາງຮູບແບບໃຫມ່ຂອງການປະຕິບັດ. ປະຕິບັດ O. ຄຽງຄູ່ກັບປະເພນີ. ວິທະຍຸ ແລະໂທລະທັດ operas ແລະ studio operas ປາກົດເປັນ Opera ແລະຄອນເສີດ. ຢ່າງໃດກໍຕາມ, ຄວາມແຕກຕ່າງລະຫວ່າງວິທະຍຸແລະ opera opera ແລະ symphony concerts, ນອກເຫນືອໄປຈາກຫນຶ່ງທີ່ເປັນປະໂຫຍດ, ມີພຽງແຕ່ຢູ່ໃນການຈັດບ່ອນນັ່ງຂອງນັກດົນຕີ. ອົງປະກອບຂອງ Symphonic. ບັນດາ​ເມືອງ​ຂອງ​ບັນດາ​ເມືອງ​ໃຫຍ່​ທີ່​ສຸດ​ໃນ​ໂລກ​ເກືອບ​ເປັນ​ເອກະ​ພາບ​ກັນ. ແລະເຖິງແມ່ນວ່າຄະແນນຍັງສືບຕໍ່ຊີ້ໃຫ້ເຫັນເຖິງຈໍານວນຕໍາ່ສຸດທີ່ຂອງສາຍຢູ່ໃນຄໍາສັ່ງສໍາລັບ Op. ຍັງສາມາດໄດ້ຮັບການປະຕິບັດໂດຍ O. ຂະຫນາດນ້ອຍກວ່າ, ເປັນ symphony ຂະຫນາດໃຫຍ່. O. ສະຕະວັດທີ 20 ປະກອບມີນັກດົນຕີ 80-100 ຄົນ (ບາງຄັ້ງຫຼາຍກວ່ານັ້ນ).

ໃນສະຕະວັດທີ 20, 2 ເສັ້ນທາງຂອງການວິວັດທະນາການຂອງອົງປະກອບ O ແມ່ນລວມກັນ. ຫນຶ່ງໃນນັ້ນແມ່ນກ່ຽວຂ້ອງກັບການພັດທະນາຕໍ່ໄປຂອງປະເພນີ. ສັນຍາລັກໃຫຍ່. A. Composers ສືບຕໍ່ຫັນໄປຫາອົງປະກອບຂອງຄູ່ (P. Hindemith, “Artist Mathis”, 1938; DD Shostakovich, Symphony No. 15, 1972). ສະຖານທີ່ຂະຫນາດໃຫຍ່ໄດ້ຖືກຄອບຄອງໂດຍອົງປະກອບສາມເທົ່າ, ມັກຈະຂະຫຍາຍອອກໄປຍ້ອນການເພີ່ມ. ເຄື່ອງມື (M. Ravel, opera “Child and Magic”, 1925; SV Rachmaninov, “Symphonic Dances”, 1940; SS Prokofiev, symphony No. 6, 1947; DD Shostakovich, symphony No. 10, 1953, V. Luymphony, V. ສະບັບເລກທີ 2, 1967). ເລື້ອຍໆ, ນັກປະພັນຍັງຫັນໄປສູ່ການປະກອບ quadruple (A. Berg, opera Wozzeck, 1925; D. Ligeti, Lontano, 1967; BA Tchaikovsky, symphony No 2, 1967).

ໃນ​ເວ​ລາ​ດຽວ​ກັນ​, ໃນ​ການ​ເຊື່ອມ​ຕໍ່​ກັບ​ແນວ​ໂນ້ມ ideological ແລະ stylistic ໃຫມ່​ໃນ​ຕົ້ນ​ສັດ​ຕະ​ວັດ​ທີ 20 ໄດ້​ມີ orchestra ຫ້ອງ​ໄດ້​ເກີດ​ຂຶ້ນ​. ໃນຫຼາຍໆອາການ. ແລະ wok.-symp. ອົງປະກອບໃຊ້ພຽງແຕ່ສ່ວນຫນຶ່ງຂອງອົງປະກອບຂອງ symphony ຂະຫນາດໃຫຍ່. O. – ອັນທີ່ເອີ້ນວ່າ. ອົງປະກອບຂອງ O. ສໍາລັບການຍົກຕົວຢ່າງ, ໃນ "Symphony of Psalms" ຂອງ Stravinsky (1930) ຈາກປະເພນີ. clarinets, violin ແລະ violas ຖືກຍຶດເປັນຈໍານວນຫຼວງຫຼາຍ.

ສໍາລັບສະຕະວັດທີ 20, ການພັດທະນາຢ່າງໄວວາຂອງກຸ່ມ percussion ແມ່ນລັກສະນະ, to-rye ປະກາດຕົນເອງເປັນ orc ເຕັມປ່ຽມ. ສະມາຄົມ. ໃນ 20-30s. ຕີ. ເຄື່ອງ​ມື​ໄດ້​ເລີ່ມ​ຕົ້ນ​ທີ່​ຈະ​ໄດ້​ຮັບ​ການ​ມອບ​ຫມາຍ​ບໍ່​ພຽງ​ແຕ່​ມີ rhythmic​, ສີ​ສັນ​, ແຕ່​ຍັງ thematic​. ໜ້າທີ່; ພວກເຂົາເຈົ້າໄດ້ກາຍເປັນອົງປະກອບທີ່ສໍາຄັນຂອງໂຄງສ້າງ. ໃນເລື່ອງນີ້, ກຸ່ມ drum ເປັນຄັ້ງທໍາອິດໄດ້ຮັບເອກະລາດ. ຄວາມ​ຫມາຍ​ໃນ​ສັນ​ຍາ​ລັກ​. O., ໃນຕອນທໍາອິດໃນ O. ຂອງອົງປະກອບທີ່ບໍ່ແມ່ນມາດຕະຖານແລະສະພາ. ຕົວຢ່າງແມ່ນເລື່ອງຂອງທະຫານຂອງ Stravinsky (1918), ດົນຕີຂອງ Bartók ສໍາລັບ Strings, Percussion ແລະ Celesta (1936). ມີການປະກົດຕົວສໍາລັບອົງປະກອບທີ່ມີຄວາມໂດດເດັ່ນຂອງ percussion ຫຼືສະເພາະສໍາລັບພວກເຂົາ: ຕົວຢ່າງ, Stravinsky's Les Noces (1923), ເຊິ່ງປະກອບມີ, ນອກເຫນືອໄປຈາກ soloists ແລະ choir, 4 pianos ແລະ 6 ກຸ່ມ percussion; "Ionization" ໂດຍ Varèse (1931) ໄດ້ຖືກຂຽນສໍາລັບພຽງແຕ່ເຄື່ອງມື percussion (ນັກສະແດງ 13 ຄົນ). ກຸ່ມ percussion ຖືກຄອບງໍາໂດຍເຄື່ອງມືທີ່ບໍ່ໄດ້ກໍານົດ. ​ເຄື່ອງ​ມື​ທີ່​ແຕກ​ຕ່າງ​ກັນ​ຂອງ​ປະ​ເພດ​ດຽວ​ກັນ (ກອງ​ກອງ​ໃຫຍ່ ຫຼື ງື່ມ, ສຽງ​ຄ້ອງ, ໄມ້​ທ່ອນ, ແລະ​ອື່ນໆ) ໄດ້​ແຜ່​ລາມ​ໄປ​ທົ່ວ. R. ທັງຫມົດແລະໂດຍສະເພາະຊັ້ນ 2. ຕີ​ສັດ​ຕະ​ວັດ​ທີ 20​. ກຸ່ມໄດ້ຄອບຄອງຕໍາແຫນ່ງທີ່ເທົ່າທຽມກັນກັບກຸ່ມສາຍແລະສາຍລົມທັງຢູ່ໃນມາດຕະຖານ ("Turangalila" ໂດຍ Messiaen, 1946-48) ແລະໃນອົງປະກອບທີ່ບໍ່ແມ່ນມາດຕະຖານຂອງ O. ("Antigone" ໂດຍ Orff, 1949; "ສີຂອງ. ເມືອງສະຫວັນ” ໂດຍ Messiaen ສໍາລັບ piano solo, 3 clarinets, 3 xylophones ແລະໂລຫະ percussion instruments, 1963; Luke Passion ໂດຍ Penderecki, 1965). ໃນພະແນກກຸ່ມ percussion ຕົວຂອງມັນເອງຍັງເພີ່ມຂຶ້ນ. ໃນປີ 1961, ພິເສດໄດ້ຖືກຈັດຕັ້ງຢູ່ໃນ Strasbourg. ກອງ​ປະ​ຊຸມ percussion (140 ເຄື່ອງ​ມື​ແລະ​ວັດ​ຖຸ​ສຽງ​ຕ່າງໆ​)​.

ຄວາມປາຖະໜາທີ່ຈະເສີມສ້າງຂະໜາດໄມ້ທ່ອນຂອງ O. ໄດ້ພາໄປສູ່ບົດ. ລວມຢູ່ໃນສັນຍາລັກ. O. ເຄື່ອງມືໄຟຟ້າ. ດັ່ງກ່າວເປັນ “ຄື້ນ Martenot” ທີ່ສ້າງຂຶ້ນໃນປີ 1928 (A. Honegger, “Joan of Arc at the stake”, 1938; O. Messiaen, “Turangalila”), ເອເລັກໂຕຣນິກ (K. Stockhausen, “Prozession”, 1967), ionics ( B. Tishchenko, 1st symphony, 1961). ຄວາມພະຍາຍາມທີ່ຈະລວມເອົາອົງປະກອບຂອງ jazz ໃນ O.. ໃນ 60-70s. ການບັນທຶກ tape ໄດ້ເລີ່ມຕົ້ນທີ່ຈະນໍາສະເຫນີເຂົ້າໄປໃນອຸປະກອນຂອງ O. ເປັນຫນຶ່ງໃນອົງປະກອບຂອງສຽງ (EV Denisov, Sun of the Incas, 1964). K. Stockhausen (Mixtur, 1964) ໄດ້ກໍານົດການຂະຫຍາຍອົງປະກອບຂອງ O. ເປັນ "ເອເລັກໂຕຣນິກທີ່ມີຊີວິດ." ຄຽງຄູ່ກັບຄວາມຢາກສໍາລັບການຕໍ່ອາຍຸຂອງ timbre ໃນ symphony. O. ມີແນວໂນ້ມຕໍ່ການຟື້ນຟູຂອງເຄື່ອງມືແລະ otd. ຫຼັກການຂອງ O. Baroque. ຈາກໄຕມາດທີ 1 ສະຕະວັດທີ 20 oboe d'amore (C. Debussy, “Spring Dances”; M. Ravel, “Bolero”), basset horn (R. Strauss, “Electra”), viol d’amour (G. Puccini, “Chio -Chio-san”; SS Prokofiev, “Romeo ແລະ Juliet”). ໃນການພົວພັນກັບການຟື້ນຟູໃນສະຕະວັດທີ 20. ເຄື່ອງມືດົນຕີຂອງ Renaissance ບໍ່ໄດ້ສັງເກດເຫັນແລະເຄື່ອງມືຂອງສະຕະວັດທີ 15-16. (M. Kagel, “Music for Renaissance Instruments”, 1966; ມີນັກສະແດງ 23 ຄົນ, A. Pärt, “Tintinnabuli”, 1976). ໃນສະຕະວັດທີ 20 O. ພົບເຫັນການສະທ້ອນ ແລະຫຼັກການຂອງອົງປະກອບຂອງການປ່ຽນແປງ. ຈ. Ives ໄດ້ໃຊ້ການປ່ຽນແປງສ່ວນຫນຶ່ງຂອງອົງປະກອບຂອງ O. ໃນບົດລະຄອນ The Question Left Unanswered (1908). ທາງເລືອກຟຣີຂອງອົງປະກອບພາຍໃນກຸ່ມ O. ທີ່ກໍານົດໄວ້ໂດຍຄະແນນແມ່ນສະຫນອງໃຫ້ຢູ່ໃນ Ozveny ຂອງ L. Kupkovich. ແນວຄວາມຄິດ stereophonic ຂອງ O ໄດ້ຖືກພັດທະນາຕື່ມອີກ. ການ​ທົດ​ລອງ​ຄັ້ງ​ທໍາ​ອິດ​ໃນ​ການ​ແບ່ງ​ພື້ນ​ທີ່​ຂອງ O. ເປັນ​ຂອງ Ives ("ຄໍາ​ຖາມ​ທີ່​ປະ​ໄວ້​ທີ່​ບໍ່​ມີ​ຄໍາ​ຕອບ​"​, Symphony ທີ 4​. ໃນປີ 70s. ຄວາມຫຼາກຫຼາຍຂອງແຫຼ່ງສຽງແມ່ນບັນລຸໄດ້ໂດຍຄວາມແຕກຕ່າງ. ວິທີ. ການແບ່ງສ່ວນຂອງ orc ທັງຫມົດ. ຝູງຊົນຕໍ່ຫຼາຍ “ກຸ່ມ” ຫຼື “ກຸ່ມ” (ໃນແບບທີ່ແຕກຕ່າງຈາກແຕ່ກ່ອນ - ບໍ່ແມ່ນສຽງ, ແຕ່ຄວາມໝາຍທາງກວ້າງຂອງພື້ນທີ່) ຖືກໃຊ້ໂດຍ K. Stockhausen (“ກຸ່ມ” ສໍາລັບ 3 O., 1957; “Kappe” ສໍາລັບ 4 O. ແລະ chorus. , 1960). ອົງປະກອບຂອງ O. "ກຸ່ມ" (109 ຄົນ) ແບ່ງອອກເປັນສາມສະລັບສັບຊ້ອນທີ່ຄືກັນ (ແຕ່ລະຄົນມີຕົວນໍາຂອງຕົນເອງ), ຈັດລຽງເປັນຮູບ U; ບ່ອນນັ່ງຂອງຜູ້ຟັງຢູ່ໃນຊ່ອງທີ່ສ້າງຂຶ້ນລະຫວ່າງວົງດົນຕີ. 3. Mattus ໃນ Opera The Last Shot (1967, ອີງໃສ່ເລື່ອງຂອງ BA Lavrenyov The Forty-First) ໃຊ້ສາມ O. ທີ່ຕັ້ງຢູ່ໃນ orc. pit, ຫລັງຜູ້ຊົມແລະຢູ່ດ້ານຫລັງຂອງເວທີ. J. Xenakis ໃນ "Terretektor" (1966) ວາງ 88 ນັກດົນຕີຂອງວົງດົນຕີ symphonic ຂະຫນາດໃຫຍ່ໃນລັກສະນະຄ້າຍຄື ray ໃນທີ່ກ່ຽວຂ້ອງກັບ conductor ຢູ່ໃນສູນກາງ; ຜູ້ຊົມບໍ່ພຽງແຕ່ຢູ່ອ້ອມຮອບ O., ແຕ່ຍັງຢູ່ລະຫວ່າງ consoles, ປະສົມກັບນັກດົນຕີ. "ການເຄື່ອນໄຫວ stereophony" (ການເຄື່ອນໄຫວຂອງນັກດົນຕີທີ່ມີເຄື່ອງດົນຕີໃນລະຫວ່າງການສະແດງ) ຖືກນໍາໃຊ້ໃນ "Klangwehr" ໂດຍ M. Kagel (1970) ແລະ symphony ທີສອງໂດຍ AG Schnittke (2).

ຕາລາງ 3

ການຈັດບ່ອນນັ່ງສ່ວນບຸກຄົນສໍາລັບນັກດົນຕີ O. ແມ່ນໃຊ້ໃນເວລາທີ່ໃຊ້. op. ອົງປະກອບທີ່ບໍ່ແມ່ນມາດຕະຖານ; ໃນກໍລະນີເຫຼົ່ານີ້ນັກປະພັນເຮັດໃຫ້ຕົວຊີ້ວັດທີ່ເຫມາະສົມໃນຄະແນນ. ໃນລະຫວ່າງການນໍາໃຊ້ປົກກະຕິຂອງ O. ເປັນສະລັບສັບຊ້ອນ monochoric ດຽວໃນຊັ້ນ 1. ສະຕະວັດທີ 20 ການຈັດບ່ອນນັ່ງ "ເອີຣົບ" ທີ່ອະທິບາຍຂ້າງເທິງນັ້ນມີຢູ່. ນັບຕັ້ງແຕ່ປີ 1945, ອັນທີ່ເອີ້ນວ່າລະບົບ "ອັນທີ່ເອີ້ນວ່າ" ທີ່ແນະນໍາໂດຍ L. Stokowski ເລີ່ມໄດ້ຮັບການນໍາສະເຫນີຢ່າງກວ້າງຂວາງ. ອາເມີ. ບ່ອນນັ່ງ. violin ທີ 1 ແລະ 2 ຕັ້ງຢູ່ເບື້ອງຊ້າຍຂອງຕົວນໍາ, cellos ແລະ violas ໄປທາງຂວາ, ເບດສອງແມ່ນຢູ່ຫລັງພວກເຂົາ, ເຄື່ອງດົນຕີຢູ່ກາງ, ຫລັງສາຍ, drums, ເຄື່ອງຫຼີ້ນ piano ຢູ່ເທິງ. ຊ້າຍ.

ສະຫນອງຄວາມແຂງແກ່ນຂອງສຽງຂອງສາຍຢູ່ໃນທະບຽນສູງ "Amer." ການຈັດວາງບ່ອນນັ່ງບໍ່ແມ່ນບໍ່ມີ, ໃນຄວາມຄິດເຫັນຂອງ conductors ບາງຄົນ, ແລະຖືກປະຕິເສດ. ດ້ານຂ້າງ (ຕົວຢ່າງ, ເຮັດໃຫ້ການຕິດຕໍ່ທີ່ເປັນປະໂຫຍດຂອງ cellos ແລະສອງເບດຕັ້ງຢູ່ໄກຈາກກັນແລະກັນ). ໃນເລື່ອງນີ້, ມີແນວໂນ້ມທີ່ຈະຟື້ນຟູ "ເອີຣົບ" ສະຖານທີ່ຂອງນັກດົນຕີ O. ການເຮັດວຽກຂອງ symphony ໄດ້. O. ໃນເງື່ອນໄຂສະຕູດິໂອ (ວິທະຍຸ, ໂທລະທັດ, ການບັນທຶກ) ເນັ້ນໃສ່ການສະເພາະຈໍານວນຫນຶ່ງ. ຄວາມຕ້ອງການບ່ອນນັ່ງ. ໃນກໍລະນີເຫຼົ່ານີ້, ຄວາມດຸ່ນດ່ຽງຂອງສຽງແມ່ນຖືກຄວບຄຸມບໍ່ພຽງແຕ່ໂດຍ conductor, ແຕ່ຍັງໂດຍ tonemaster.

ຄວາມຮຸນແຮງຂອງການປ່ຽນແປງທີ່ມີປະສົບການໂດຍ O. ໃນສະຕະວັດທີ 20 ເປັນພະຍານເຖິງຄວາມຈິງທີ່ວ່າລາວຍັງເປັນເຄື່ອງມືທີ່ມີຊີວິດຂອງຄວາມຄິດສ້າງສັນ. ເຈດຈຳນົງຂອງນັກປະພັນ ແລະ ສືບຕໍ່ພັດທະນາຢ່າງມີໝາກມີເນື້ອທັງໃນອົງປະກອບທີ່ເປັນມາດຕະຖານ ແລະ ການປັບປຸງ (ບໍ່ແມ່ນມາດຕະຖານ).

ເອກະສານ: Albrecht E., ອະດີດແລະປະຈຸບັນຂອງວົງດົນຕີ. (Essay on the social status of musicians), St. Petersburg, 1886; ດົນຕີແລະຊີວິດດົນຕີຂອງລັດເຊຍເກົ່າ. CO., L., 1927; Pindeizen Nick., Essays ກ່ຽວກັບປະຫວັດສາດຂອງດົນຕີໃນລັດເຊຍຈາກສະໄຫມໂບຮານຈົນເຖິງທ້າຍສະຕະວັດທີ 2, (vol. 1928), M.-L., 29-2; ເອກະສານແລະເອກະສານກ່ຽວກັບປະຫວັດສາດຂອງດົນຕີ, vol. 1934 – ສະຕະວັດທີ XVIII, ed. MV Ivanov-Boretsky. ມອດໂກ, 1. Shtelin Jakob von, Izvestiya o musik v Rossii, trans. ຈາກເຢຍລະມັນ, ໃນ Sat: ມໍລະດົກດົນຕີ, ສະບັບເລກທີ. 1935, M., 1935; ລາວ, ດົນຕີແລະ ballet ໃນລັດເຊຍໃນສະຕະວັດທີ 1961, trans. ຈາກເຢຍລະມັນ., L., 1969; Rogal-Levitsky DR, ການສົນທະນາກ່ຽວກັບວົງດົນຕີ, M., 1969; Barsova IA, Book about the orchestra, M., 1971; Blagodatov GI, ປະຫວັດສາດຂອງ symphony orchestra, L., 1973; ຄວາມງາມດົນຕີຂອງເອີຣົບຕາເວັນຕົກໃນສະຕະວັດທີ 1973-3th, Sat, comp. VP Shestakov, (M., 1975); Levin S. Ya., ເຄື່ອງມືລົມໃນປະຫວັດສາດຂອງວັດທະນະທໍາດົນຕີ, L., XNUMX; Fortunatov Yu. A. , ປະຫວັດສາດຂອງຮູບແບບ orchestral. ໂຄງການສໍາລັບຄະນະວິຊາດົນຕີແລະນັກປະພັນຂອງມະຫາວິທະຍາໄລດົນຕີ, M., XNUMX; Zeyfas HM, Concerto grosso ໃນດົນຕີ baroque, ໃນ: ບັນຫາຂອງວິທະຍາສາດດົນຕີ, vol. XNUMX, M., XNUMX.

IA Barsova