Witold Lutosławski |
Witold Lutosławski
Witold Lutosławski ມີຊີວິດທີ່ສ້າງສັນດົນນານແລະມີເຫດການ; ໃນຊຸມປີທີ່ກ້າວຫນ້າຂອງລາວ, ລາວໄດ້ຮັກສາຄວາມຕ້ອງການສູງສຸດໃນຕົວເອງແລະຄວາມສາມາດໃນການປັບປຸງແລະປ່ຽນແປງຮູບແບບການຂຽນ, ໂດຍບໍ່ມີການເຮັດຊ້ໍາການຄົ້ນພົບທີ່ຜ່ານມາຂອງຕົນເອງ. ຫຼັງຈາກການເສຍຊີວິດຂອງນັກປະພັນ, ດົນຕີຂອງລາວຍັງສືບຕໍ່ປະຕິບັດແລະບັນທຶກຢ່າງຫ້າວຫັນ, ຢືນຢັນຊື່ສຽງຂອງ Lutosławski ເປັນຕົ້ນຕໍ - ທັງຫມົດຍ້ອນ Karol Szymanowski ແລະ Krzysztof Penderecki - ຄລາສສິກແຫ່ງຊາດໂປໂລຍຫຼັງຈາກ Chopin. ເຖິງແມ່ນວ່າສະຖານທີ່ທີ່ຢູ່ອາໄສຂອງ Lutosławski ຍັງຄົງຢູ່ໃນ Warsaw ຈົນກ່ວາໃນຕອນທ້າຍຂອງວັນເວລາຂອງລາວ, ລາວແມ່ນຫຼາຍກ່ວາ Chopin ເປັນພົນລະເມືອງຂອງໂລກ, ເປັນພົນລະເມືອງຂອງໂລກ.
ໃນຊຸມປີ 1930, Lutosławski ໄດ້ສຶກສາຢູ່ທີ່ Warsaw Conservatory, ບ່ອນທີ່ຄູສອນອົງປະກອບຂອງລາວເປັນນັກຮຽນຂອງ NA Rimsky-Korsakov, Witold Malishevsky (1873-1939). ສົງຄາມໂລກຄັ້ງທີ 1914 ຂັດຂວາງການເຮັດວຽກຂອງນັກເປຍໂນ ແລະ ການແຕ່ງເພງທີ່ປະສົບຜົນສໍາເລັດຂອງ Lutosławski. ໃນໄລຍະປີຂອງ Nazi ຍຶດຄອງໂປໂລຍ, ນັກດົນຕີໄດ້ຖືກບັງຄັບໃຫ້ຈໍາກັດກິດຈະກໍາສາທາລະນະຂອງລາວໃນການຫຼີ້ນ piano ໃນຮ້ານ Warsaw, ບາງຄັ້ງໃນ duet ກັບນັກປະພັນທີ່ມີຊື່ສຽງອີກຄົນຫນຶ່ງ Andrzej Panufnik (1991-24). ຮູບແບບຂອງການສ້າງດົນຕີນີ້ແມ່ນຍ້ອນຮູບລັກສະນະຂອງມັນກັບວຽກງານ, ເຊິ່ງໄດ້ກາຍເປັນຫນຶ່ງໃນທີ່ນິຍົມທີ່ສຸດບໍ່ພຽງແຕ່ໃນມໍລະດົກຂອງ Lutoslawsky, ແຕ່ຍັງຢູ່ໃນວັນນະຄະດີໂລກທັງຫມົດສໍາລັບ piano duet - ການປ່ຽນແປງໃນຫົວຂໍ້ຂອງ Paganini (ຫົວຂໍ້. ສໍາລັບການປ່ຽນແປງເຫຼົ່ານີ້ – ເຊັ່ນດຽວກັນກັບ opuses ອື່ນໆຈໍານວນຫຼາຍຂອງການປະພັນຕ່າງໆ “ກ່ຽວກັບຫົວຂໍ້ຂອງ Paganini” – ເປັນການເລີ່ມຕົ້ນຂອງ caprice ທີ XNUMX ທີ່ມີຊື່ສຽງຂອງ Paganini ສໍາລັບ violin solo). ສາມທົດສະວັດເຄິ່ງຕໍ່ມາ, Lutosławski ໄດ້ຖອດຂໍ້ຄວາມຈາກການປ່ຽນແປງສໍາລັບ Piano ແລະ Orchestra, ສະບັບທີ່ຍັງເປັນທີ່ຮູ້ຈັກຢ່າງກວ້າງຂວາງ.
ຫຼັງຈາກການສິ້ນສຸດຂອງສົງຄາມໂລກຄັ້ງທີສອງ, ເອີຣົບຕາເວັນອອກໄດ້ຢູ່ພາຍໃຕ້ການປົກປັກຮັກຂອງ Stalinist USSR, ແລະສໍາລັບນັກປະພັນທີ່ພົບເຫັນຕົວເອງຢູ່ຫລັງຜ້າມ່ານເຫຼັກ, ໄລຍະເວລາຂອງການໂດດດ່ຽວຈາກແນວໂນ້ມຊັ້ນນໍາໃນດົນຕີໂລກໄດ້ເລີ່ມຕົ້ນ. ຈຸດອ້າງອິງທີ່ຮຸນແຮງທີ່ສຸດສໍາລັບ Lutoslawsky ແລະເພື່ອນຮ່ວມງານຂອງລາວແມ່ນທິດທາງ folklore ໃນການເຮັດວຽກຂອງ Bela Bartok ແລະ interwar French neoclassicism, ຜູ້ຕາງຫນ້າທີ່ໃຫຍ່ທີ່ສຸດແມ່ນ Albert Roussel (Lutoslavsky ສະເຫມີຕີລາຄາສູງນັກປະພັນນີ້) ແລະ Igor Stravinsky ຂອງໄລຍະເວລາລະຫວ່າງ Septet. ສໍາລັບ Winds ແລະ Symphony ໃນ C major. ເຖິງແມ່ນວ່າຢູ່ໃນເງື່ອນໄຂຂອງການຂາດເສລີພາບ, ທີ່ເກີດຈາກຄວາມຕ້ອງການທີ່ຈະເຊື່ອຟັງ dogmas ຂອງສັງຄົມນິຍົມທີ່ແທ້ຈິງ, ນັກປະພັນໄດ້ຈັດການສ້າງໃຫມ່ຫຼາຍ, ຕົ້ນສະບັບເຮັດວຽກ (Little Suite for chamber orchestra, 1950; Silesian Triptych for soprano and orchestra to folk words. , 1951; Bukoliki) ສໍາລັບ piano, 1952). ຈຸດສູງສຸດຂອງຮູບແບບຕົ້ນຂອງ Lutosławski ແມ່ນ Symphony ທໍາອິດ (1947) ແລະ Concerto ສໍາລັບ Orchestra (1954). ຖ້າ symphony ມີແນວໂນ້ມຕໍ່ກັບ neoclassicism ຂອງ Roussel ແລະ Stravinsky (ໃນປີ 1948 ມັນໄດ້ຖືກຕັດສິນລົງໂທດວ່າເປັນ "formalist", ແລະການປະຕິບັດຂອງມັນໄດ້ຖືກຫ້າມໃນໂປແລນເປັນເວລາຫລາຍປີ), ຫຼັງຈາກນັ້ນ, ການພົວພັນກັບດົນຕີພື້ນເມືອງແມ່ນສະແດງອອກຢ່າງຊັດເຈນໃນ Concerto: ວິທີການຂອງ ການເຮັດວຽກກັບ intonations ອື່ນໆ, reminiscent vividly ຂອງແບບຂອງBartókແມ່ນ masterfully ນໍາໃຊ້ທີ່ນີ້ກັບອຸປະກອນການໂປໂລຍ. ຄະແນນທັງສອງສະແດງໃຫ້ເຫັນລັກສະນະທີ່ໄດ້ຖືກພັດທະນາໃນການເຮັດວຽກຕໍ່ໄປຂອງ Lutoslawski: orchestration virtuosic, ອຸດົມສົມບູນຂອງກົງກັນຂ້າມ, ການຂາດໂຄງສ້າງ symmetrical ແລະປົກກະຕິ (ຄວາມຍາວບໍ່ເທົ່າທຽມກັນຂອງປະໂຫຍກ, ຈັງຫວະ jagged), ຫຼັກການຂອງການກໍ່ສ້າງຮູບແບບຂະຫນາດໃຫຍ່ຕາມຮູບແບບການບັນຍາຍກັບ. ການເປີດເຜີຍທີ່ຂ້ອນຂ້າງເປັນກາງ, ບິດເບືອນທີ່ໜ້າສົນໃຈ ແລະຫັນໄປສູ່ການເປີດເຜີຍແຜນທີ່, ຄວາມເຄັ່ງຕຶງທີ່ເພີ່ມຂຶ້ນ ແລະການປະຕິເສດທີ່ໜ້າປະທັບໃຈ.
ເທວະດາໃນກາງຊຸມປີ 1950 ໄດ້ເປີດໂອກາດໃຫ້ນັກປະພັນຊາວເອີຣົບຕາເວັນອອກໄດ້ທົດລອງໃຊ້ເຕັກນິກຕາເວັນຕົກທີ່ທັນສະໄໝ. Lutoslavsky, ເຊັ່ນດຽວກັບເພື່ອນຮ່ວມງານຫຼາຍຄົນຂອງລາວ, ໄດ້ປະສົບກັບຄວາມຫຼົງໄຫຼໃນໄລຍະສັ້ນຂອງ dodecaphony - ຫມາກຜົນຂອງຄວາມສົນໃຈຂອງລາວໃນແນວຄວາມຄິດໃຫມ່ຂອງ Viennese ແມ່ນ Bartók's Funeral Music for string orchestra (1958). ຄວາມອ່ອນໂຍນຫຼາຍ, ແຕ່ຍັງມີຕົ້ນສະບັບຫຼາຍກວ່າເກົ່າ "ຫ້າເພງກ່ຽວກັບບົດກະວີໂດຍ Kazimera Illakovich" ສໍາລັບສຽງຍິງແລະເປຍໂນ (1957; ປີຕໍ່ມາ, ຜູ້ຂຽນໄດ້ປັບປຸງວົງຈອນນີ້ສໍາລັບສຽງແມ່ຍິງທີ່ມີວົງດົນຕີໃນສະພາ) ລົງວັນທີຈາກໄລຍະເວລາດຽວກັນ. ດົນຕີຂອງເພງແມ່ນສັງເກດເຫັນສໍາລັບການນໍາໃຊ້ຢ່າງກວ້າງຂວາງຂອງ chords ສິບສອງສຽງ, ສີທີ່ຖືກກໍານົດໂດຍອັດຕາສ່ວນຂອງໄລຍະຫ່າງທີ່ປະກອບເປັນແນວຕັ້ງ. Chords ຂອງປະເພດນີ້, ບໍ່ໄດ້ໃຊ້ໃນບໍລິບົດ dodecaphonic-serial, ແຕ່ເປັນຫນ່ວຍງານໂຄງສ້າງເອກະລາດ, ແຕ່ລະອັນມີຄຸນນະພາບສຽງຕົ້ນສະບັບທີ່ເປັນເອກະລັກ, ຈະມີບົດບາດສໍາຄັນໃນການເຮັດວຽກຕໍ່ມາຂອງຜູ້ແຕ່ງທັງຫມົດ.
ຂັ້ນຕອນໃໝ່ໃນການວິວັດທະນາການຂອງ Lutosławski ໄດ້ເລີ່ມຕົ້ນໃນຊຸມປີ 1950 ແລະ 1960 ດ້ວຍ Venetian Games for chamber orchestra (ບົດປະພັນທີ່ຂ້ອນຂ້າງນ້ອຍນີ້ໄດ້ຖືກມອບໃຫ້ໂດຍ 1961 Venice Biennale). ທີ່ນີ້ Lutoslavsky ທໍາອິດທົດສອບວິທີການໃຫມ່ຂອງການກໍ່ສ້າງໂຄງສ້າງ orchestral, ເຊິ່ງພາກສ່ວນເຄື່ອງມືຕ່າງໆຍັງບໍ່ໄດ້ synchronized ຢ່າງເຕັມສ່ວນ. conductor ບໍ່ໄດ້ເຂົ້າຮ່ວມໃນການປະຕິບັດບາງສ່ວນຂອງວຽກງານ - ລາວພຽງແຕ່ຊີ້ໃຫ້ເຫັນເຖິງຊ່ວງເວລາຂອງການເລີ່ມຕົ້ນຂອງພາກ, ຫຼັງຈາກນັ້ນນັກດົນຕີແຕ່ລະຄົນມີບົດບາດຂອງລາວໃນຈັງຫວະຟຣີຈົນກ່ວາສັນຍານຕໍ່ໄປຂອງ conductor. ແນວພັນຂອງ aleatorics ນີ້, ທີ່ບໍ່ມີຜົນກະທົບຕໍ່ຮູບແບບຂອງອົງປະກອບທັງຫມົດ, ບາງຄັ້ງເອີ້ນວ່າ "ການຕ້ານການ aleatoric" (ຂ້າພະເຈົ້າຂໍເຕືອນທ່ານວ່າ aleatorics, ຈາກ Latin alea - " dice, lot", ແມ່ນໂດຍທົ່ວໄປເອີ້ນວ່າອົງປະກອບ. ວິທີການທີ່ຮູບແບບຫຼືໂຄງສ້າງຂອງການປະຕິບັດເຮັດວຽກຫຼາຍຫຼືຫນ້ອຍບໍ່ສາມາດຄາດເດົາໄດ້). ໃນຄະແນນຂອງ Lutosławski ສ່ວນໃຫຍ່, ເລີ່ມຕົ້ນດ້ວຍເກມ Venetian, ຕອນທີ່ປະຕິບັດໃນຈັງຫວະທີ່ເຄັ່ງຄັດ (battuta, ນັ້ນແມ່ນ, "ພາຍໃຕ້ [conductor] wand") ສະລັບກັບຕອນໃນ counterpoint aleatoric (ad libitum - "ຕາມໃຈ"); ໃນເວລາດຽວກັນ, fragments ad libitum ມັກຈະກ່ຽວຂ້ອງກັບ static ແລະ inertia, ເຮັດໃຫ້ເກີດຮູບພາບຂອງອາການຄັນຄາຍ, ການທໍາລາຍຫຼື chaos, ແລະພາກສ່ວນເປັນ battuta - ມີການພັດທະນາກ້າວຫນ້າຢ່າງຫ້າວຫັນ.
ເຖິງແມ່ນວ່າ, ອີງຕາມແນວຄວາມຄິດຂອງອົງປະກອບທົ່ວໄປ, ວຽກງານຂອງ Lutoslawsky ແມ່ນມີຄວາມຫຼາກຫຼາຍຫຼາຍ (ໃນແຕ່ລະຄະແນນຢ່າງຕໍ່ເນື່ອງທີ່ລາວຊອກຫາເພື່ອແກ້ໄຂບັນຫາໃຫມ່), ສະຖານທີ່ເດັ່ນໃນການເຮັດວຽກຂອງຜູ້ໃຫຍ່ຂອງລາວໄດ້ຖືກຄອບຄອງໂດຍໂຄງການອົງປະກອບສອງສ່ວນ, ທໍາອິດທົດສອບໃນ String Quartet. (1964) : ພາກສ່ວນ fragmentary ທໍາອິດ, ຂະຫນາດນ້ອຍກວ່າໃນປະລິມານ, ໃຫ້ບໍລິການແນະນໍາລາຍລະອຽດກັບຄັ້ງທີສອງ, ອີ່ມຕົວດ້ວຍການເຄື່ອນໄຫວທີ່ມີຈຸດປະສົງ, climax ຂອງທີ່ບັນລຸໄດ້ບໍ່ດົນກ່ອນທີ່ຈະສິ້ນສຸດຂອງການເຮັດວຽກ. ພາກສ່ວນຂອງ String Quartet, ອີງຕາມການທໍາງານທີ່ຫນ້າອັດສະຈັນຂອງເຂົາເຈົ້າ, ຖືກເອີ້ນວ່າ "ການເຄື່ອນໄຫວແນະນໍາ" ("ພາກສ່ວນແນະນໍາ". - ພາສາອັງກິດ) ແລະ "ການເຄື່ອນໄຫວຕົ້ນຕໍ" ("ພາກສ່ວນຕົ້ນຕໍ". ໃນຂອບເຂດທີ່ໃຫຍ່ກວ່າ, ໂຄງການດຽວກັນໄດ້ຖືກປະຕິບັດໃນ Symphony ທີສອງ (1967), ບ່ອນທີ່ການເຄື່ອນໄຫວທໍາອິດມີຊື່ວ່າ "He'ssitant" ("ລັງເລ" - ພາສາຝຣັ່ງ), ແລະທີສອງ - "ກົງ" ("ກົງ" - ພາສາຝຣັ່ງ. ). "Book for Orchestra" (1968; "ປື້ມ" ນີ້ປະກອບດ້ວຍສາມ "ບົດ" ຂະຫນາດນ້ອຍແຍກອອກຈາກກັນແລະກັນໂດຍ interludes ສັ້ນ, ແລະຂະຫນາດໃຫຍ່, ເຫດການສຸດທ້າຍ "ບົດ"), Cello Concerto ແມ່ນອີງໃສ່ສະບັບດັດແກ້ຫຼືສັບສົນຂອງ. ໂຄງການດຽວກັນ. ກັບ orchestra (1970), Third Symphony (1983). ໃນບົດລະຄອນທີ່ຍາວທີ່ສຸດຂອງ Lutosławski (ປະມານ 40 ນາທີ), Preludes ແລະ Fugue ສໍາລັບສິບສາມສາຍ solo (1972), ຫນ້າທີ່ຂອງພາກແນະນໍາແມ່ນປະຕິບັດໂດຍລະບົບຕ່ອງໂສ້ຂອງແປດ preludes ຂອງລັກສະນະຕ່າງໆ, ໃນຂະນະທີ່ຫນ້າທີ່ຂອງການເຄື່ອນໄຫວຕົ້ນຕໍແມ່ນເປັນ. fugue ເປີດຢ່າງແຂງແຮງ. ໂຄງການສອງພາກ, ແຕກຕ່າງກັນກັບ ingenuity inexhaustible, ໄດ້ກາຍເປັນປະເພດຂອງ matrix ສໍາລັບ "ລະຄອນ" ເຄື່ອງມື Lutosławski ອຸດົມສົມບູນໃນບິດຕ່າງໆ. ໃນການເຮັດວຽກທີ່ໃຫຍ່ເຕັມຕົວຂອງຜູ້ແຕ່ງ, ຄົນເຮົາບໍ່ສາມາດຊອກຫາສັນຍານທີ່ຊັດເຈນຂອງ "ໂປໂລຍ", ຫຼື curtsies ໃດໆຕໍ່ກັບ neo-romanticism ຫຼື "ຮູບແບບ neo" ອື່ນໆ; ລາວບໍ່ເຄີຍໃຊ້ການເວົ້າແບບສະໄຕລ໌ສະໄຕລ໌, ປ່ອຍໃຫ້ຜູ້ດຽວອ້າງເຖິງເພງຂອງຜູ້ອື່ນໂດຍກົງ. ໃນຄວາມຫມາຍ, Lutosławski ແມ່ນຕົວເລກທີ່ໂດດດ່ຽວ. ບາງທີນີ້ແມ່ນສິ່ງທີ່ກໍານົດສະຖານະພາບຂອງລາວເປັນຄລາສສິກຂອງສະຕະວັດທີ XNUMX ແລະເປັນໂລກທີ່ມີຫຼັກການ: ລາວໄດ້ສ້າງໂລກຕົ້ນສະບັບຂອງຕົນເອງ, ເປັນມິດກັບຜູ້ຟັງ, ແຕ່ເຊື່ອມຕໍ່ທາງອ້ອມຫຼາຍກັບປະເພນີແລະກະແສດົນຕີໃຫມ່ອື່ນໆ.
ພາສາປະສົມກົມກຽວຂອງຜູ້ໃຫຍ່ຂອງ Lutoslavsky ແມ່ນສ່ວນບຸກຄົນຢ່າງເລິກເຊິ່ງແລະອີງໃສ່ການເຮັດວຽກຂອງ filigree ກັບ 12-tone ສະລັບສັບຊ້ອນແລະໄລຍະການກໍ່ສ້າງແລະ consonances ໂດດດ່ຽວຈາກພວກເຂົາ. ເລີ່ມຕົ້ນດ້ວຍ Cello Concerto, ບົດບາດຂອງສາຍດົນຕີທີ່ຂະຫຍາຍອອກ, ສະແດງອອກໃນດົນຕີຂອງ Lutosławski ເພີ່ມຂຶ້ນ, ຕໍ່ມາອົງປະກອບຂອງ grotesque ແລະ humor ແມ່ນ intensified ໃນມັນ (Novelette ສໍາລັບ orchestra, 1979; ສຸດທ້າຍຂອງ Double Concerto ສໍາລັບ oboe, harp ແລະ chamber orchestra, 1980; ວົງຈອນເພງ Songflowers ແລະບົດເພງ” ສຳລັບ soprano ແລະ orchestra, 1990). ການຂຽນປະສົມກົມກຽວ ແລະ ສຽງເພງຂອງ Lutosławski ບໍ່ລວມເອົາຄວາມສຳພັນຂອງ tonal ຄລາສສິກ, ແຕ່ອະນຸຍາດໃຫ້ອົງປະກອບຂອງສູນກາງ tonal. ບາງ opuses ທີ່ສໍາຄັນຕໍ່ມາຂອງ Lutosławski ແມ່ນກ່ຽວຂ້ອງກັບຕົວແບບຂອງປະເພດດົນຕີ Romantic; ດັ່ງນັ້ນ, ໃນ Symphony ທີສາມ, ຄວາມທະເຍີທະຍານທີ່ສຸດຂອງຄະແນນ orchestral ທັງຫມົດຂອງນັກປະພັນ, ເຕັມໄປດ້ວຍລະຄອນ, ອຸດົມສົມບູນໃນທາງກົງກັນຂ້າມ, ຫຼັກການຂອງອົງປະກອບ monothematic ການເຄື່ອນໄຫວຫນຶ່ງ monumental ໄດ້ຖືກປະຕິບັດໃນເບື້ອງຕົ້ນ, ແລະ Piano Concerto (1988) ສືບຕໍ່ສາຍຂອງ. pianism romantic brilliant ຂອງ "ແບບທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່". ສາມວຽກງານພາຍໃຕ້ຫົວຂໍ້ທົ່ວໄປ "ຕ່ອງໂສ້" ຍັງເປັນຂອງໄລຍະເວລາທ້າຍ. ໃນ "ຕ່ອງໂສ້-1" (ສໍາລັບ 14 ເຄື່ອງມື, 1983) ແລະ "ຕ່ອງໂສ້-3" (ສໍາລັບວົງດົນຕີ, 1986), ຫຼັກການຂອງ "ການເຊື່ອມໂຍງ" (ການຊ້ອນບາງສ່ວນ) ຂອງພາກສ່ວນສັ້ນ, ເຊິ່ງແຕກຕ່າງກັນໃນໂຄງສ້າງ, ໄມ້ແລະ melodic-harmonic. ລັກສະນະ, ມີບົດບາດສໍາຄັນ ( preludes ຈາກວົງຈອນ "Preludes ແລະ Fugue" ແມ່ນກ່ຽວຂ້ອງກັບກັນແລະກັນໃນລັກສະນະທີ່ຄ້າຍຄືກັນ). ຫນ້ອຍຜິດປົກກະຕິໃນຂໍ້ກໍານົດຂອງຮູບແບບແມ່ນ Chain-2 (1985), ທີ່ສໍາຄັນ violin concerto ສີ່ການເຄື່ອນໄຫວ (ການແນະນໍາແລະສາມການເຄື່ອນໄຫວສະລັບກັນຕາມຮູບແບບໄວ-ຊ້າ-ໄວແບບດັ້ງເດີມ), ເປັນກໍລະນີທີ່ຫາຍາກໃນເວລາທີ່ Lutoslawsky ປະຖິ້ມສອງສ່ວນ favorite ຂອງລາວ. ໂຄງການ.
ເສັ້ນພິເສດໃນການເຮັດວຽກຂອງນັກປະພັນແມ່ນສະແດງໂດຍສຽງຮ້ອງຂະຫນາດໃຫຍ່: "ສາມບົດກະວີໂດຍ Henri Michaud" ສໍາລັບ choir ແລະ orchestra ດໍາເນີນໂດຍ conductors ທີ່ແຕກຕ່າງກັນ (1963), "Weaved Words" ໃນ 4 ພາກສໍາລັບ tenor ແລະ chamber orchestra (1965. ), "ຊ່ອງຂອງການນອນ" ສໍາລັບ baritone ແລະ orchestra (1975) ແລະວົງຈອນເກົ້າສ່ວນທີ່ໄດ້ກ່າວມາແລ້ວ "Songflowers ແລະເພງ Tales". ພວກມັນທັງໝົດແມ່ນອີງໃສ່ຂໍ້ພຣະຄໍາພີ surrealist ຂອງຝຣັ່ງ (ຜູ້ຂຽນຂອງຂໍ້ຄວາມຂອງ "Weaved Words" ແມ່ນ Jean-Francois Chabrin, ແລະສອງວຽກງານສຸດທ້າຍແມ່ນຂຽນເຖິງຄໍາເວົ້າຂອງ Robert Desnos). Lutosławski ໃນໄວຫນຸ່ມຂອງລາວມີຄວາມເຫັນອົກເຫັນໃຈເປັນພິເສດຕໍ່ພາສາຝຣັ່ງແລະວັດທະນະທໍາຝຣັ່ງ, ແລະທັດສະນະຂອງສິລະປະຂອງລາວແມ່ນໃກ້ຊິດກັບຄວາມບໍ່ແນ່ນອນແລະຄວາມລຶກລັບຂອງຄວາມຫມາຍລັກສະນະຂອງ surrealism.
ດົນຕີ Lutoslavsky ເປັນທີ່ໂດດເດັ່ນສໍາລັບຄວາມສະຫວ່າງຂອງຄອນເສີດ, ດ້ວຍອົງປະກອບຂອງຄຸນງາມຄວາມດີສະແດງອອກຢ່າງຊັດເຈນໃນມັນ. ມັນບໍ່ແປກໃຈທີ່ນັກສິລະປິນດີເດັ່ນໄດ້ເຕັມໃຈຮ່ວມມືກັບນັກປະພັນ. ໃນບັນດານາຍແປພາສາທໍາອິດຂອງວຽກງານຂອງລາວແມ່ນ Peter Pearce (Woven Words), Lasalle Quartet (String Quartet), Mstislav Rostropovich (Cello Concerto), Heinz ແລະ Ursula Holliger (Double Concerto for oboe ແລະ harp with chamber orchestra), Dietrich Fischer-Dieskau ( “Dream Spaces”), Georg Solti (Third Symphony), Pinchas Zuckermann (Partita ສໍາລັບ violin ແລະ piano, 1984), Anne-Sophie Mutter (“Chain-2” ສໍາລັບ violin ແລະ orchestra), Krystian Zimerman ( Concerto ສໍາລັບ piano ແລະ orchestra) ແລະເປັນທີ່ຮູ້ຈັກໜ້ອຍກວ່າຢູ່ໃນເສັ້ນຂະໜານຂອງພວກເຮົາ, ແຕ່ເປັນນັກຮ້ອງຊາວນໍເວທີ່ຍອດຢ້ຽມແທ້ໆ Solveig Kringelborn (“Songflowers and Songtales”). Lutosławski ຕົນເອງມີຂອງຂວັນທີ່ບໍ່ທໍາມະດາຂອງ conductor; ທ່າທາງຂອງລາວໄດ້ສະແດງອອກ ແລະມີປະໂຫຍດຢ່າງເດັ່ນຊັດ, ແຕ່ລາວບໍ່ເຄີຍເສຍສະຫຼະສິລະປະເພື່ອຄວາມຊັດເຈນ. ໂດຍໄດ້ຈໍາກັດການດໍາເນີນການ repertoire ກັບອົງປະກອບຂອງຕົນເອງ, Lutoslavsky ປະຕິບັດແລະບັນທຶກກັບ orchestras ຈາກປະເທດຕ່າງໆ.
ແຜ່ນດິສກຣາວທີ່ອຸດົມສົມບູນ ແລະຂະຫຍາຍຕົວຢ່າງຕໍ່ເນື່ອງຂອງ Lutosławski ແມ່ນຍັງຖືກຄອບງຳໂດຍການບັນທຶກຕົ້ນສະບັບ. ຜູ້ຕາງຫນ້າສ່ວນໃຫຍ່ຂອງພວກເຂົາຖືກລວບລວມຢູ່ໃນອາລະບໍາຄູ່ທີ່ປ່ອຍອອກມາເມື່ອບໍ່ດົນມານີ້ໂດຍ Philips ແລະ EMI. ຄຸນຄ່າຂອງສິ່ງທໍາອິດ ("The Essential Lutoslawski"—Philips Duo 464 043), ໃນຄວາມຄິດເຫັນຂອງຂ້ອຍ, ຖືກກໍານົດໂດຍ Double Concerto ແລະ "Spaces of Sleep" ດ້ວຍການມີສ່ວນຮ່ວມຂອງຄູ່ສົມລົດ Holliger ແລະ Dietrich Fischer-Dieskau, ຕາມລໍາດັບ. ; ການຕີຄວາມຂອງຜູ້ຂຽນຂອງສາມ Symphony ກັບ Berlin Philharmonic ທີ່ປາກົດຢູ່ທີ່ນີ້, oddly ພຽງພໍ, ບໍ່ໄດ້ຢູ່ຕາມຄວາມຄາດຫວັງ (ການບັນທຶກຂອງຜູ້ຂຽນສົບຜົນສໍາເລັດຫຼາຍກັບ British Broadcasting Corporation Symphony Orchestra, ເທົ່າທີ່ຂ້າພະເຈົ້າຮູ້, ບໍ່ໄດ້ຖືກໂອນໄປ CD. ). ອັລບັມທີສອງ “Lutoslawski” (EMI Double Forte 573833-2) ປະກອບມີພຽງແຕ່ວຽກງານ orchestral ທີ່ເຫມາະສົມທີ່ສ້າງຂຶ້ນກ່ອນກາງຊຸມປີ 1970 ແລະຍັງມີຄຸນນະພາບຫຼາຍຂຶ້ນ. ວົງດົນຕີດົນຕີແຫ່ງຊາດທີ່ດີເລີດຂອງວິທະຍຸໂປໂລຍຈາກ Katowice, ເຂົ້າຮ່ວມໃນບັນທຶກເຫຼົ່ານີ້, ຕໍ່ມາ, ຫຼັງຈາກການເສຍຊີວິດຂອງຜູ້ແຕ່ງ, ໄດ້ມີສ່ວນຮ່ວມໃນການບັນທຶກການລວບລວມເກືອບສົມບູນຂອງວຽກງານດົນຕີຂອງລາວ, ເຊິ່ງໄດ້ຖືກປ່ອຍອອກມາຕັ້ງແຕ່ປີ 1995 ໃນແຜ່ນດິດ. ບໍລິສັດ Naxos (ຈົນກ່ວາເດືອນທັນວາ 2001, ເຈັດແຜ່ນໄດ້ຖືກປ່ອຍອອກມາ). ການເກັບກໍານີ້ສົມຄວນໄດ້ຮັບການສັນລະເສີນທັງຫມົດ. ຜູ້ອໍານວຍການສິລະປະຂອງວົງດົນຕີ, Antoni Wit, ດໍາເນີນການໃນລັກສະນະທີ່ຊັດເຈນ, ເຄື່ອນໄຫວ, ແລະນັກດົນຕີແລະນັກຮ້ອງ (ສ່ວນຫຼາຍແມ່ນ Poles) ຜູ້ທີ່ສະແດງສ່ວນ solo ໃນຄອນເສີດແລະສຽງຮ້ອງ, ຖ້າຕ່ໍາກວ່າຜູ້ກ່ອນຫນ້າທີ່ມີຊື່ສຽງ, ແມ່ນມີຫນ້ອຍຫຼາຍ. ບໍລິສັດໃຫຍ່ອີກອັນຫນຶ່ງ, Sony, ປ່ອຍອອກມາເມື່ອສອງແຜ່ນ (SK 66280 ແລະ SK 67189) ທີສອງ, ທີສາມແລະສີ່ (ໃນຄວາມຄິດເຫັນຂອງຂ້າພະເຈົ້າ, ຫນ້ອຍສົບຜົນສໍາເລັດ) symphonies, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບ Piano Concerto, Spaces of Sleep, Songflowers ແລະ Songtales “; ໃນການບັນທຶກນີ້, ວົງດົນຕີ Los Angeles Philharmonic Orchestra ແມ່ນດໍາເນີນໂດຍ Esa-Pekka Salonen (ນັກປະພັນເອງ, ຜູ້ທີ່ມັກຈະບໍ່ມັກ epithets ສູງ, ເອີ້ນວ່າ conductor ນີ້ "ປະກົດການ"1), soloists ແມ່ນ Paul Crossley (piano), John Shirley. - Quirk (baritone), Don Upshaw (soprano)
ກັບຄືນໄປຫາການຕີຄວາມຂອງຜູ້ຂຽນທີ່ບັນທຶກໄວ້ໃນແຜ່ນຊີດີຂອງບໍລິສັດທີ່ມີຊື່ສຽງ, ຄົນເຮົາບໍ່ສາມາດທີ່ຈະກ່າວເຖິງບັນທຶກສຽງທີ່ສວຍງາມຂອງ Cello Concerto (EMI 7 49304-2), Piano Concerto (Deutsche Grammophon 431 664-2) ແລະ violin concerto " Chain- 2” (Deutsche Grammophon 445 576-2), ປະຕິບັດດ້ວຍການມີສ່ວນຮ່ວມຂອງຄຸນງາມຄວາມດີທີ່ສາມ opuses ໄດ້ຖືກອຸທິດ, ນັ້ນແມ່ນ, ຕາມລໍາດັບ, Mstislav Rostropovich, Krystian Zimermann ແລະ Anne-Sophie Mutter. ສໍາລັບແຟນໆທີ່ຍັງບໍ່ຄຸ້ນເຄີຍຫຼືຄຸ້ນເຄີຍກັບວຽກງານຂອງ Lutoslawsky, ຂ້ອຍຂໍແນະນໍາໃຫ້ເຈົ້າຫັນໄປຫາບັນທຶກເຫຼົ່ານີ້ກ່ອນ. ເຖິງວ່າຈະມີຄວາມທັນສະ ໄໝ ຂອງພາສາດົນຕີຂອງທັງສາມ concertos, ພວກເຂົາຟັງໄດ້ງ່າຍແລະມີຄວາມກະຕືລືລົ້ນພິເສດ. Lutoslavsky ຕີຄວາມຫມາຍຊື່ປະເພດ "ຄອນເສີດ" ຕາມຄວາມຫມາຍຕົ້ນສະບັບຂອງມັນ, ນັ້ນແມ່ນ, ປະເພດຂອງການແຂ່ງຂັນລະຫວ່າງ soloist ແລະ orchestra, ແນະນໍາວ່າ soloist, ຂ້າພະເຈົ້າຈະເວົ້າວ່າ, ກິລາ (ໃນຄວາມສູງສົ່ງທີ່ສຸດຂອງຄວາມຮູ້ສຶກທີ່ເປັນໄປໄດ້ທັງຫມົດ. ຄໍາ) valor. ບໍ່ຈໍາເປັນຕ້ອງເວົ້າ, Rostropovich, Zimerman ແລະ Mutter ສະແດງໃຫ້ເຫັນເຖິງລະດັບຄວາມກ້າວຫນ້າຂອງແຊ້ມຢ່າງແທ້ຈິງ, ເຊິ່ງໃນຕົວຂອງມັນເອງຄວນຈະມີຄວາມສຸກກັບຜູ້ຟັງທີ່ບໍ່ມີອະຄະຕິ, ເຖິງແມ່ນວ່າດົນຕີຂອງ Lutoslavsky ໃນຕອນທໍາອິດເບິ່ງຄືວ່າຜິດປົກກະຕິຫຼືແປກປະຫລາດສໍາລັບລາວ. ຢ່າງໃດກໍຕາມ, Lutoslavsky, ບໍ່ເຫມືອນກັບນັກປະພັນຍຸກປະຈຸບັນຈໍານວນຫຼາຍ, ສະເຫມີພະຍາຍາມໃຫ້ແນ່ໃຈວ່າຜູ້ຟັງໃນບໍລິສັດດົນຕີຂອງລາວຈະບໍ່ມີຄວາມຮູ້ສຶກຄືກັບຄົນແປກຫນ້າ. ມັນເປັນມູນຄ່າທີ່ຈະອ້າງເຖິງຄໍາເວົ້າຕໍ່ໄປນີ້ຈາກການລວບລວມການສົນທະນາທີ່ຫນ້າສົນໃຈທີ່ສຸດຂອງລາວກັບນັກດົນຕີ Moscow II Nikolskaya: "ຄວາມປາຖະຫນາອັນແຮງກ້າສໍາລັບການໃກ້ຊິດກັບຄົນອື່ນໂດຍຜ່ານສິລະປະແມ່ນມີຢູ່ໃນຂ້ອຍຢ່າງຕໍ່ເນື່ອງ. ແຕ່ຂ້າພະເຈົ້າບໍ່ໄດ້ຕັ້ງເປົ້າຫມາຍຂອງຕົນເອງທີ່ຈະຊະນະຜູ້ຟັງແລະຜູ້ສະຫນັບສະຫນູນຫຼາຍເທົ່າທີ່ເປັນໄປໄດ້. ຂ້າພະເຈົ້າບໍ່ຕ້ອງການທີ່ຈະເອົາຊະນະ, ແຕ່ຂ້າພະເຈົ້າຕ້ອງການຊອກຫາຜູ້ຟັງຂອງຂ້າພະເຈົ້າ, ຊອກຫາຜູ້ທີ່ມີຄວາມຮູ້ສຶກແບບດຽວກັນກັບຂ້າພະເຈົ້າ. ເປົ້າໝາຍນີ້ຈະບັນລຸໄດ້ແນວໃດ? ຂ້າພະເຈົ້າຄິດວ່າ, ພຽງແຕ່ຜ່ານຄວາມຊື່ສັດທາງສິລະປະສູງສຸດ, ຄວາມຈິງໃຈຂອງການສະແດງອອກໃນທຸກລະດັບ - ຈາກລະອຽດດ້ານວິຊາການເຖິງຄວາມລັບທີ່ສຸດ, ຄວາມເລິກທີ່ສຸດ ... ສະນັ້ນ, ຄວາມຄິດສ້າງສັນສິນລະປະຍັງສາມາດປະຕິບັດຫນ້າຂອງ "ຈັບ" ຈິດວິນຍານຂອງມະນຸດ, ກາຍເປັນການປິ່ນປົວ. ຫນຶ່ງໃນພະຍາດທີ່ເຈັບປວດທີ່ສຸດ - ຄວາມຮູ້ສຶກຂອງຄວາມໂດດດ່ຽວ ".
Levon Hakopyan
